2001 MANIACOS, CAMPO DE GRITOS (2001 maniacs, field of screams, 2010) 85´

FICHA TÉCNICA

Dirección -Tim Sullivan
Guión -Chris Kobin/Tim Sullivan/Christopher Tuffin
Fotografía -Steve Adcock
Música -Patrick Copeland/Clifford Allen Wagner
Producción -Martin Shore/Christopher Tuffin

INTERPRÉTES

Bill Moseley (Alcalde Buckman)
Lin Shaye (Granny Boone)
Christa Campbell (Milk Maiden)
Nivek Ogre (Harper Alexander)
Andrea Leon (Val Turner)
Alex Luria (Jesus)

SINOPSIS

Como cada año los habitantes de Pleasant Valley se preparan para vengarse de la masacre que su pueblo sufrió por parte del ejército del Norte en la Guerra Civil Americana. Pero ante la falta de visitantes deciden ir ellos mismos a buscar a sus presas.

Pobre secuela del remake que el mismo Tim Sullivan dirigiera cinco años atrás del clásico de Hershell Gordon Lewis y que convierte en errores lo que en su día fueron notables aciertos. Así el humor se vuelve tosco, paródico y sin gracia, el festival de gore disminuye para a su vez aumentar las escenas de desnudos y así sacar partido de un reparto lleno de sucedáneos de playmates y modelos de Calvin Klein.

Esa vuelta de tuerca (que provoca se rompa la misma) a los aciertos de la anterior cinta hace perder interés, ya que no aporta nada nuevo más allá de la creación del festival itinerante de Pleasant Valley, que no hace sino pensar en un menor presupuesto a la hora de abordar el rodaje, sustituyéndose el escenario central del pueblo por varias tiendas de campaña en mitad del bosque.

Lo cierto es que la sensación final que deja la cinta es de desgana en su realización, con un montaje de manual, sin lugar a la originalidad ni al atrevimiento y repitiendo todos y cada uno de los aciertos de la primera cinta, incluido el final, pero empeorando el resultado.

Robert Englund es sustituido en el papel principal por el otro gran icono del terror actual, Bill Moseley, que sin embargo realiza una interpretación plana y sin gracia, contagiándose la desgana general que incide en un pobre resultado final.

Una película totalmente prescindible y que hace todavía mejor a su predecesora.

Escena: El brutal uso que se hace de los cinturones de castidad.

Lo mejor: Las viñetas que inician la película, basadas en el comic real que se creó a raíz de la película de 2005.

Lo peor: La secuencia que parodia la famosa escena de Flashdance, el mejor ejemplo del tipo de humor facilón y sinsentido que inunda la trama.

Curiosidad: La muerte del agente en el interior del tonel al comienzo de película supone el pertinente homenaje a la cinta original de Gordon Lewis, ya que copia una de las secuencias de la cinta de 1964.

Valoración: 3/10

LA MONJA (The nun, 2005) 97´

FICHA TÉCNICA

Dirección -Luis de la Madrid
Guión -Manu Diez
Fotografía -David Carretero
Música -Luc Suarez
Producción -Julio Fernandez/Brian Yuzna/Carola Ash

INTERPRÉTES

Anita Briem (Eve)
Belén Blanco (Julia)
Manu Fullola (Gabriel)
Alistar Freeland (Joel)
Cristina Piaget (Hermana Ursula)
Paulina Gálvez (Zoe)
Natalia Dicenta (Susan)

SINOPSIS

Varias amigas que pasaron su infancia en un internado regido por religiosas irán siendo asesinadas una a una por el espíritu de una de las monjas, desaparecida poco antes del cierre de la institución.

Descafeinada producción de la desaparecida productora Fantastic Factory, que al igual que sucede con varias de las cintas auspiciadas por esta productora catalana, parte de una interesante premisa que va diluyéndose en un desarrollo flojo y una narración aburrida.

El mayor problema en esta ocasión se encuentra en un guión (basado en una idea de Jaume Balagueró) lleno de tópicos, con secuencias supuestamente enmarcadas en el suspense cuya duración excesiva las convierte en tediosas (la primera muerte está alargada hasta el hastío) y cuyo giro final no hace sino desmontar la única virtud de la cinta, el personaje de la monja.

Y es que las apariciones de este ser fantasmagórico enmarcado bajo el escenario del agua suponen los únicos momentos de ligero disfrute para el espectador.

Sin embargo el elemento que termina por decantar hacía el suspenso la presente propuesta es un casting totalmente desacertado que llena la pantalla de actores fuera de lugar, sobreactuados y que rematan sus torpes composiciones con un doblaje descafeinado y chirriante, propio de los casos en los que el actor se dobla a si mismo.

Resumiendo, un nuevo fracaso de la Fantastic Factory, productora con buenas intenciones en el mercado español del terror pero cuyos propios errores terminaron por hacerla desaparecer.

Escena: La muerte de Susan, por el correcto uso de los efectos especiales (la monja acuática atravesando el cuerpo de la víctima) y el bien traído homenaje a La Profecía (1976).

Lo mejor: Cada nueva aparición del personaje de la monja.

Lo peor: Cada uno de los actores y el doblaje de estos a si mismos.

Curiosidad: El director cuela varias secuencias y guiños que homenajean a cintas del género, tal y como se indica en la escena resaltada. Asimismo se intercalan secuencias de Faust, se homenajea al último episodio de Entre los límites de la realidad, se cita a Del Toro…

Valoración: 4/10

LOS NO MUERTOS (Undead, 2003) 99´

FICHA TÉCNICA

Dirección -Michael Spierig/Peter Spierig
Guión -Michael Spierig/Peter Spierig
Fotografía -Andrew Strahorn
Música -Cliff Bradley
Producción -Michael Spierig/Peter Spierig

INTERPRÉTES

Felicity Mason (Rene Chaplin)
Mungo McKay (Marion)
Rob Jenkins (Wayne)
Lisa Cunningham (Sallyanne)
Dirk Hunter (Harrison)
Emma Randall (Molly)

SINOPSIS

Una lluvia de meteoritos atraviesa el cielo hasta impactar contra el tranquilo pueblecito de Berkeley, transformando a los lugareños en una horda de muertos vivientes.

Cinta australiana que comienza como una típica película de zombies para ir evolucionando hacía otros géneros del fantástico, especialmente el cine de invasiones alienígenas. Indudablemente los hermanos Spierig tienen dos referentes en el horizonte a la hora de abordar su debut, pudiéndose atisbar ideas y planteamientos tanto de Braindead como de Posesión infernal.

Siendo como es una producción de presupuesto ajustado, los resultados en lo referente a los efectos especiales, caracterizaciones y secuencias de acción son más que dignos, resaltando también la elección de una fotografia de tintes azulados que reflejan con acierto el aura de misterio que rodea los acontecimientos narrados. El principal problema de la cinta se halla en un guión confuso, con altibajos constantes y que hace que el espectador esté en un continuo conectar-desconectar de los acontecimientos.

Terrible partitura musical que acompaña todos y cada uno de los planos, y que chirría en relación a las imágenes mostradas, haciendo que en ocasiones secuencias pretendidamente de suspense estén presididas por una banda sonora de tintes cómicos.

Como viene siendo habitual en este tipo de historias, existe un reparto plural formado por personajes de caracteres diversos que son presentados previamente en un prólogo acertado que intercala rápidas secuencias para con dos pinceladas ir dibujando a los protagonistas.

Simpática pero fallida mezcla de géneros y que tiene su mayor virtud en el rendimiento que se saca de un presupuesto bajo y que luce en pantalla dignamente, siendo la forma de plasmar la historia su mayor lacra.

Escena: El vuelo de la avioneta en un cielo plagado de cuerpos.

Lo mejor: El irreverente y mal hablado personaje del agente Harrison.

Lo peor: Una música omnipresente, cargante y que perjudica el resultado final de muchas secuencias.

Curiosidad: Cada nuevo ataque de Marion a los zombies supone un homenaje al cine pirotécnco y coreografiado de John Woo, con especial fijación por extraer las armas de los sitios más insospechados.

Valoración: 5/10

TODO EL CINE DE STEPHEN KING

TITULO -TODO EL CINE DE STEPHEN KING
AUTOR -EDWARD HILLBRANCHE
AÑO -1997
EDITORIAL -CACITEL
COLECCIÓN
PAGINAS -94

Un sencillo manual que recoge todas las adaptaciones cinematográficas y aportaciones que Stephen King ha realizado en el terreno audiovisual, no solo en pantalla grande, tal y como reza el título de la presente obra, sino también en la pequeña pantalla, ya que varias de sus novelas dado lo extenso de las mismas, han sido adaptadas al formato televisivo.

El libro, editado en tapa blanda y con textos profusamente anegados por imágenes de los títulos que se van mencionando, se subdivide en tres apartados.

¿Quién es Stephen King? Supone una acercamiento a la vida y obra del escritor de Maine, convertido en todo un referente sociocultural en el terreno de la novela de terror.

Stephen King en el cine. Recoge todos y cada uno de los títulos cinematográficos que se han llevado a cabo y cuya base se encuentra en los escritos del autor de Maine. Así, arranca con Carrie (1976) y cronológicamente analiza las diferentes películas hasta llegar a Thinner (1996).

Stephen King en la televisión. Siguiendo el mismo modelo que en el capítulo anterior se repasan las series y miniserie basadas en las obras de King, comenzando por Salem´s Lot (1979) y cerrando el libro con Langoliers (1995).

Una obra sencilla, de amena lectura y que supone sin embargo un concienzudo análisis de las adaptaciones cinematográficas y televisivas basadas en la extensa bibliografía de Stephen King. Huelga decir que el estudio llega hasta 1996 (la edición es de 1997) y que faltan en el compendio todas las aportaciones posteriores.

MAMA (Mama, 2008) 3´

FICHA TÉCNICA

Dirección- Andres Muschietti
Guión -Andres Muschietti
Fotografía -Sebastian Sarraute
Música -Gil Talmi
Producción -Barbara Muschietti

INTERPRÉTES

Victoria Harris (Lili)
Berta Ros (Victoria)
Irma Monroig (Mama)

SINOPSIS

Dos niñas se levantan sobresaltadas. Su madre ha vuelto a casa.

Excelente corto que en solo tres minutos exprime virtudes de producción de calidad. A una cuidada fotografía habría que añadir una planificación del rodaje excelente (casi todo el cortometraje lo compone un único plano-secuencia), unos efectos de sonido sibilinos pero que complementan a la perfección la narración y un fondo sonoro competente.

Las niñas que protagonizan la historia realizan interpretaciones de nivel, en especial en el caso de Berta Ros, que pese a lo limitado en la duración de su papel presenta varios matices a tener en cuenta en lo que se refiere a los gestos y miradas.

Si a la alta calidad en los apartados técnicos y artísticos del corto unimos que encima consigue inquietar y que incluso demos algún pequeño brinco sobre la butaca, podemos hablar de un conjunto sobresaliente.

Decir que el presente cortometraje supone la carta de presentación de su director de cara a poder rodar un largometraje que ya está escrito y del cual el presente retazo podría componer una de las escenas.

Escena: La primera y aterradora aparición de la madre.

Lo mejor: Asusta de verdad.

Lo peor: Demasiado corto para valorar las capacidades de su director con un material más denso.

Curiosidad: Guillermo del Toro estará en la producción del largometraje, lo que augura calidad y un resultado final notable.

Valoración: 9/10

GANGS OF THE DEAD (Gangs of the dead, 2006) 80´

FICHA TÉCNICA

Dirección -Duanne Stinnett
Guión -Duanne Stinnett/Krissann Shipley
Fotografía -Yasu Kanida
Música -Ceiri Torjussen
Producción -David Todd Ocvirk

INTERPRÉTES

Noel Cugliemi (Cesar)
Howard Alonzo (Jerome)
Ethan Ednee (Mac T)
Ryan King (Snake Dog)
Dayana Jamine (Latasha)

SINOPSIS

Miembros de bandas rivales se encuentran sin quererlo en un almacén abandonado al coincidir en sus actos delictivos, mientras la policía les espera en el exterior para detenerlos. Antes de que nadie pueda reaccionar un grupo de zombies irrumpe en escena trastocando los planes de todos.

El director Duanne Stinnett debuta en el largometraje ofreciéndonos un híbrido entre las películas de pandilleros y el género zombie, continuando la moda actual de insertar estos personajes tan en boga en cualquier género que se precie.

La cinta, a pesar de que a priori pueda provocar reticencias ante los acontecimientos narrados, merece una oportunidad ya que presenta algún elemento de interés. Destaca en ese aspecto como la película funciona mejor en su concepto de película de pandilleros que como historia de zombies, entre otras cosas porque la pobreza de medios con los que cuenta la producción da como resultado unas pobres caracterizaciones de los zombies y unas secuencias de acción bastante endebles, mal planificadas y rodadas.

Sin embargo es en las relaciones entre los personajes y sus reacciones ante los acontecimientos donde la cinta gana enteros, vislumbrándose una clara crítica en algunos supuestos donde los vivos son peores que los muertos. Otro punto a su favor es que sorprende a la hora de ir eliminado personajes, alejándose de lo típico y lo fácil (exceptuando el caso de los roles femeninos).

Si a lo anterior unimos una última secuencia que supone todo un acierto, la conclusión que extraemos es la de una película que con historia tópica y pobreza de medios, consigue unos resultados por lo menos correctos.

Escena: La traición de Cesar al agente Campbell, punto de no retorno de toda su forma de proceder posterior.

Lo mejor: Como plasma los acontecimientos en el interior del almacén abandonado.

Lo peor: La presencia de los zombies no está demasiado lograda, a lo que hay que unir unas secuencias de acción bastante limitadas.

Curiosidad: Su director, Duanne Stinnet, antes de al cine se había dedicado al mundo de los videojuegos, participando entre otros títulos en Starcraft y True crime; streets of LA.

Valoración: 6/10

JUAN PIQUER SIMON

Este Valenciano recientemente fallecido nació en 1935 y en su juventud estudió Bellas Artes y Decoración. No tardó sin embargo en fijar sus miras en el mundo cinematográfico realizando sus primeras incursiones como director en publicidad y en el rodaje de documentales.

Si por algo destaca Juan Piquer Simón es por haber sido un director a contracorriente, ya que escogió géneros como la aventura, la ciencia ficción y el terror en una época en la que el cine español no concebía este tipo de películas que se salían de los tópicos de drama y comedia tan ligados hasta hace poco a nuestro cine. Además sus películas enmarcadas en el género de terror no escatimaban en gore, sexo y sangre, lo que le hace más innovador en este terreno.

Trabajaba siempre con presupuestos exiguos, lo que confería a sus cintas unos resultados finales bastante pobres (especialmente en el apartado técnico o de efectos especiales), que sin embargo destacan por desprender cierto halo de amor por el cine y cariño en su concepción por parte de su director.

Amante de la literatura en sus obras ha trasladado a la pantalla grande relatos de Lovecraft, Emilio Salgari o Julio Verne

Entre su filmografía podemos resaltar los siguientes títulos englobados en el terror.

Mil gritos tiene la noche (1982)
Slugs, muerte viscosa (1988)
La grieta (1990)
La mansión de Cthulhu (1991)

Alejado de los rodajes en sus facetas principales de guionista y director, su fallecimiento deja huérfano al cine español de uno de los pioneros del terror en España, ahora que precisamente podemos presumir de estupendos realizadores en este género.

GET U HOME (SHWAYZE)

WICKED CITY (Yôjû tosi, 1987) 82´

FICHA TÉCNICA

Dirección -Yoshiaki Kawajiri
Guión -Kisei Choo/Hydeyuki Kikuchi
Fotografía -Kinichi Ishikawa
Música -Osamu Shooji
Producción -Kenji Kurata/Makoto Seya

INTERPRÉTES

Gregory Snegoff (Taki Renzaburo)
Alexandra Kenworthy (Makie)
Mike Reynolds (Giuseppi Mayart)

SINOPSIS

En nuestro mundo coexisten dos razas, la de los mortales y la de los demonios. Viven en un estado de aparente paz, sin embargo seres sobrenaturales del mundo de los demonios no están interesados en que esta perdure y tratarán de boicotear un importante tratado para que busca mantener esta paz en el tiempo.

Una muestra más del anime japonés, con una animación realista y llena de detalle que consigue recrear con gran acierto un ambiente de fantasía en un mundo real. Destacar en este apartado las estupendas panorámicas de los paisajes urbanos que dan personalidad propia a la historia.

La cinta reúne en un interesante guión varias de las constantes de la filmografía de animación japonesa de la época (finales de los ochenta, primeros noventa) y que tienen en la serie de ovas de Urotsukidôji su más conocido exponente. Esto es, demonios de fisionomía imposible (con sus característicos tentáculos imposibles), violencia explicita y una gran carga sexual. Decir que en todos estos componentes la obra de Kawajiri es más elegante que obras coetáneas, no llegando al extremo de brutalidad (física y sexual) de por ejemplo la citada Urotsukidôji.

En ocasiones puede achacársele un exceso de lentitud en el desarrollo de algunas secuencias, lo que resta alma al resultado final, siendo esta su mayor pega a la hora de disfrutar la película.

Para disfrutar de su estupenda animación, que busca el realismo en cada detalle en una época en la que no había captura de movimientos de actores al nivel actual.

Escena: El enfrentamiento en el túnel con la demonio araña.

Lo mejor: La animación, para lo cual hay que entender que el presente título tiene casi veinticinco años.

Lo peor: Por momentos, su lentitud.

Curiosidad: En 1992 se rodó una película con actores basada en el mismo anime que el presente título que fué producida por Tsui Hark.

Valoración: 7/10

COMIDOS VIVOS (Mangiati vivi, 1980) 88´

FICHA TÉCNICA

Dirección -Umberto Lenzi
Guión -Umberto Lenzi
Fotografía -Federico Zanni
Música -Roberto Donati/Fiamma Maglione
Producción -Mino Loy/Luciano Martino

INTERPRÉTES

Robert Kerman (Mark Butler)
Janet Agren (Sheila Morris)
Ivan Rassimov (Jonas Melvyn)
Paola Senatore (Diana Morris)
Mel Ferrer (Profesor Carter)

SINOPSIS

Sheila Morris viaja hasta Nueva Guinea en la búsqueda de su hermana desaparecida. En el lugar contrata los servicios de un mercenario quien le guiará en un viaje cuyos peligros son extremos debido a que la zona donde se encuentran está plagada de tribus caníbales.

Siguiendo la estructura narrativa global de Holocausto caníbal (prólogo en la ciudad, núcleo de la historia en la selva y epílogo nuevamente entre rascacielos) la cinta de Lenzi, creador y uno de los mayores exponentes del denominado cine de caníbales se desmarca de la más conocida de estas aportaciones en que traslada geográficamente la historia hasta Nueva Guinea, además de no tratarse de un falso documental, tal y como sucediera en la obra de Ruggero Deodato y otras imitaciones surgidas a raíz del éxito de esta.

Aprovechando unos espectaculares escenarios naturales así como la inserción de secuencias de corte documental, la película obtiene sus mejores resultados en una primera parte cercana al género de aventuras y que ilustra la búsqueda del la hermana desaparecida. Es cuándo descubren la secta donde se encuentra esta, cuándo la película pierde intensidad y cae en las redes más tópicas del cine mondo, mostrando en este tramo las escenas más crudas.

Lenzi sigue fiel a sus constantes cinematográficas de explotación de la violencia y el sexo, incluyendo en la narración secuencias reales de violencia animal que ahondan más en la búsqueda de malestar a través de las imágenes mostradas.

En lo relativo al reparto destacar la belleza de la sueca Janet Agreen y el breve papel del conocido Mel Ferrer, a todas luces una interpretación puramente alimenticia.

Una interesante muestra del denominado cine mondo a manos de quien puede considerarse uno de sus máximos exponentes.

Escena: La agonía del mono entre las fauces de la pitón (escena real y que acabó con el rescate del simio por parte del equipo de rodaje según se cuenta. Una muestra de que las secuencias más potentes en este género son aquellas de tipo documental.

Lo mejor: Como casi siempre en este tipo de producciones, los espectaculares parajes naturales.

Lo peor: Aquella parte de metraje que se desarrolla en el campamento del reverendo Jones

Curiosidad: La historia central que se narra bebe de los acontecimientos reales ocurridos en 1977 en la Guyana, donde el reverendo Jim Jones insto al suicidio colectivo de más de 900 personas, miembros de su secta, el Templo del Pueblo.

Valoración: 6/10