BARBARIAN (BARBARIAN, 2022) 102´

Una joven viaja a Detroit para una entrevista de trabajo alquilando para ello una casa en la que vivir los días que necesita pasar en la ciudad. Sin embargo, al llegar a esta descubre que ya ha sido alquilada por otra persona, y a pesar de las reticencias iniciales de compartir el lugar con un absoluto extraño finalmente decide quedarse.

Una película que a lo largo de sus cerca de cien minutos fluctúa entre una estimable y fresca cinta de terror y un título por momentos anodino y que deja en el espectador una sensación de déjà vu. Así, la película comienza con un primer acto en el que se aborda el encuentro entre los dos personajes que han alquilado una misma casa, un de inicio misterioso hombre y una vulnerable mujer, jugando perfectamente el director con la sensación de inseguridad de ella por compartir espacio con alguien de quien desconoce absolutamente todo. Durante esta primera parte podemos ver un manejo excelente del suspense de la situación, llegando a ser participes como espectadores de las mismas sensaciones de intranquilidad que atenazan a la protagonista convirtiéndose este inicio en un interesante ensayo que nos habla de los miedos de ellas a la hora de enfrentarse a situaciones en las que se hace patente su vulnerabilidad. Inteligentemente y cuándo creemos conocer el tono que va a adoptar la película esta hace un viraje que nos lleva desde un tipo de historia a otra bien diferente para finalizar de esta forma con un corte abrupto que supone el final del acto.

De esta forma pasamos a uno de los momentos más tediosos de este viaje entre el disfrute para el aficionado y cierta sensación de oportunidad desperdiciada, focalizada este en la larga carta de presentación del tercer personaje central en discordia, situación que además de estar estirada en exceso de manera innecesaria, rompe el tono que la película había mantenido hasta ese momento para rozar por momentos la comedia. Es la presencia y forma de actuar de este nuevo personaje quizás el mayor lastre de una propuesta que hasta ese momento se estaba manejando con soltura dentro de los postulados de una trama que va desgranando los elementos que la conforman con cuentagotas, siendo posiblemente la necesidad del director de introducir numerosos giros en la película lo que finalmente acaba lastrando por momentos lo que era una interesante propuesta dentro del género de terror.

La película remonta gracias a un flashback que nuevamente supone un cambio de tono, en este caso inclusive estético, algo necesario para recrear la citada escena ubicándola como si de un momento de cierto aire onírico se tratara, pasando de esta forma de una oscuridad que protagoniza el tono visual de la película a un momento enormemente luminoso,  secuencia que nos sirve además para seguir desgranando lentamente los entresijos de una historia revelada con cuentagotas. Llegado este momento es interesante recalcar la utilización de uno de esos barrios prácticamente abandonados que podemos encontrarnos en la ciudad de Detroit como escenario central, sabiendo sacar todo el partido del mundo a esta especie de pueblo fantasma, y que además da coherencia a determinados momentos y situaciones vividas por los protagonistas que caso de haberse ubicado la película en un barrio residencial tipo hubieran sido más complicadas de hacer creer, aumentándose de esta manera la sensación de vulnerabilidad de los personajes más allá de las paredes de la casona en donde tiene lugar el grueso de la trama. Una casa convertida en un protagonista más y que ejerce como un eficaz elemento terrorífico gracias a ese sótano plagado de recovecos y esquinas tras las cuales se esconde una presencia terrorífica. Y si el tramo que tiene lugar dentro de la casa vuelve a resultar estimulante dentro del género al que representa el acto final ya en el exterior nos deja una sensación de forzada traca final que una vez más rompe en parte el tono más intimista que por momentos tiene la película.

La película está escrita y dirigida por un desconocido Zach Cregger, quien además de reservarse un papel como intérprete logra crear con Barbarian un título en parte diferente, aunque igualmente haya que resaltar no llega a erigirse como la gran obra dentro del cine de terror que algunos se empeñan en otorgarla. Y esto es debido a que la película, deudora tanto a nivel conceptual como visual de títulos pretéritos como El sótano del miedo, El proyecto de la bruja de Blair e incluso nuestra Rec, no es capaz de mantener durante todo su metraje los aciertos presentados, los cuales acaban siendo esperanzadores fogonazos entre una propuesta amena pero que no deja finalmente ese poso de haber resultado un título de refrescante dentro de la parrilla de estrenos de ese año del género de terror.

Georgina Campbell, una actriz a la que hemos podido ver principalmente en televisión, se convierte en la particular final girl de la película, siendo especialmente eficiente en ese tramo inicial en el que se maneja como una mujer indefensa y dubitativa que duda entre la idea de que su compañero de morada sea alguien inofensivo e incluso pueda llegar a atraerle o que se encuentre compartiendo espacio con un tipo siniestro y peligroso. Le acompañan en este descenso a los infiernos nombres como los de Kate Bosworth, la Louis Lane de Superman returns, quien aparece en un papel secundario, así como tres actores enormemente ligados al cine de terror. De una parte Justin Long, cuyo exagerado y en cierto modo forzado personaje es uno de los culpables de bajar puntos a la película y a quien hemos podido ver en la terrorífica Jeepers Creepers, la alocada Arrástrame al infierno  o la extravagante Tusk. Otro de esos nombres propios ligados al género es el del habitualmente secundario Richard Brake, a quien hemos podido ver en Maquina letal, Doom, Hannibal, el origen del mal, El bunker, Perkins 14 o ya siendo dirigido por Rob Zombie en Halloween 2, 31, 3 del infierno o La familia Munster. Finalmente citar la presencia de Bill Skarsgard, quien además ejerce de productor ejecutivo de la película, y que gracias a su papel de Pennywise en It se ha convertido en una figura de culto dentro del género.

Así, y en contra de muchas de las críticas leídas sobre Barbarian, la película de Cregger es un título que acaba siendo víctima de su propia ambición, ya que en lugar de centrarse en aquello que finalmente funciona en la cinta, abre demasiado las expectativas a la hora de abarcar más de lo que finalmente la trama da de sí, lo que unido a las expectativas creadas de inicio por ese aluvión de buenas reseñas acaba dejando a uno con la sensación de oportunidad perdida. Todo ello resulta finalmente en un título que te acaba dando una de cal y otra de arena, y aunque en el cómputo final la estancia en esta casa con misterio acabe convenciendo hay que reconocer que al menos para servidor no estaríamos hablando de una de las películas top dentro del cine terror de 2022. Si consultan la cartelera de estrenos de este género de ese año sabrán de que les hablo.

LA MOMIA (THE MUMMY, 2017) 111´

 

De manera simultánea y en dos países tan alejados geográficamente como son Inglaterra e Irak, se descubren sendos enterramientos subterráneos, el primero de ellos de unos caballeros templarios y con una antigüedad de unos novecientos años, mientras que el segundo es de origen egipcio, habiendo tenido lugar miles de años atrás.

Una película con la que Universal pretendía iniciar una emulación de lo que Marvel había conseguido trasladando su universo desde los comics a la gran pantalla, creando esta vez un microcosmos particular de películas interrelacionadas entre sí y alimentado por las diferentes criaturas del cine de terror iconos de  la productora desde que en las décadas de los treinta y cuarenta viviera años de esplendor dentro del género con sus versiones de Drácula, Frankestein, el hombre lobo, el hombre invisible, el fantasma de la ópera o, entre otros más, la criatura que nos ocupa y que inauguraba este ciclo de películas, la momia. De hecho, ya se intentó algo similar con el estreno en 2014 de Drácula, la leyenda jamás contada, cuyo fracaso en taquilla defenestró la propuesta, sucediendo algo parecido en esta ocasión, ya que  a pesar de costar ciento veinticinco millones y recaudar más de cuatrocientos, la película no fue el éxito que se auguraba, dejando en el limbo esta idea de resurrección de los mitos del terror de la Universal en una serie de títulos intercomunicados entre sí.

El guion de la película fue escrito por David Koepp, reputado guionista y autor de los libretos de películas como Parque jurásico, Atrapado por su pasado, Misión imposible, La habitación del pánico o Spider-man, cuyo tratamiento inicial sería posteriormente revisado, pulido y modificado con nuevos nombres como los de Christopher McQuarrie, guionista habitual de las últimas películas de Tom Cruise (Valkiria, Jack Reacher, Al filo del mañana, Top Gun: Maverick o varias de las entregas de Misión imposible) o Dylan Kussman, actor sin apenas experiencia en el campo de la escritura de guiones. El hecho de sumar tanto nombre en el guion de la película (a los tres ya citados habría que añadir a Jenny Lumet, Jon Spaihts o al propio director, Alex Kurtzman), ya predice cierto maremagno narrativo que es patente durante el visionado de la película, con muchas ideas en pantalla que no se desarrollan del todo (posiblemente porque la película quería ir sembrando “huevos de pascua” que desarrollar en posteriores títulos que posiblemente nunca llegarán) o mostrando un desenlace que es directamente decepcionante. Alex Kurtzman, director de la película y muy ligado al mundo de la televisión tras su participación en series como Xena, Alias, Fringe, Sleepy Hollow, Hawai 5.0 o varias de las franquicias televisivas de Stark Trek, realiza un competente trabajo detrás de las cámaras sabiendo lidiar con una súper producción como la presente, destacando especialmente su trabajo (con las evidentes colaboraciones de los directores de segunda e incluso tercera unidad) durante las numerosas y espectaculares secuencias de acción, como el tiroteo inicial o la imponente escena en el interior del avión de carga militar atacado por una bandada de cuervos.

La película presenta una factura técnica y visual espectacular, con unos efectos especiales por lo general espectaculares y con grandiosos escenarios y decorados, como la tumba-cárcel en la que se encuentra enterrada Ahmanet o el sepulcro de los cruzados, con un atinado diseño de producción que juega con la sombras y el claroscuro de una película que, aunque coquetea con el terror, está más cercana a los postulados del cine de acción y aventuras que en su día ya delimitara Stephen Sommers con su particular y acertadísima revisión del mito de la momia estrenada en 1999. Y es que, la película, como ya hiciera la cinta de Sommers, deja de lado el mítico título dirigida por Karl Freund en 1932, para, en base a la anécdota argumental de un sacerdote egipcio sometido a una maldición y su regreso en búsqueda de venganza, delimitar su propia historia. Y en el caso que nos ocupa inclusive se ha cambiado el personaje sometido al proceso de momificación y resucitado accidentalmente con funestas consecuencias, siendo en esta ocasión la propia hija del faraón, creando además una nueva trama para justificar la maldición a la que esta es sometida. El prólogo donde se narra este flashback es uno de los momentos reseñables de la película, convertida con posterioridad en una grandilocuente epopeya de acción imposible con un trasfondo de historia de terror.

La película está protagonizada por un Tom Cruise en busca de un nuevo taquillazo que le dé un impulso en su status como actor a tener en cuenta, ya que a excepción de sus incursiones en la franquicia Misión imposible, sus últimos estrenos no habían logrado el éxito esperado, cosa que sucedió igualmente con el título que nos ocupa. La presencia de Cruise tiene sus pros y sus contras, ya que si bien el actor sigue manteniendo buena parte de su carisma en pantalla (con un tono de sarcasmo similar al que Brendan Fraser infundiera en su Rick O´Connell), a lo que se une el plus de disfrutar del intérprete viendo realizar el mismo prácticamente todas las secuencias de acción y riesgo, su presencia en la película provoca que toda gire en torno a su personaje, llevándonos incluso al momento más ridículo de la cinta cuándo vemos al actor, de cincuenta y cinco años en el momento de filmar la película, interpretar a un personaje de mucha menos edad sobre el papel, teniendo su partenaire femenina veinte años menos y llegando a decirse en una línea de guion que es mucho más joven que el personaje al que da vida un Russell Crowe, de hecho dos años menor que el intérprete de Nacido el 4 de Julio. La omnipresencia y el peso en la trama de Cruise desluce y mucho al resto de personajes, como la ya citada Annabelle Wallis (vista en Annabelle y su primera  secuela), quien compone un personaje con potencial, lejos de ser la chica de… y que además de aportar la vertiente intelectual de la historia demuestra estar a la altura en las secuencias más adrenalíticas. Russell Crowe, en un desaprovechado rol cuya intención sería la de, posiblemente explotarlo más y mejor en películas posteriores, es el tercero en discordia, ofreciendo otro de los momentos más flojos y vergonzantes de la película cuándo se descubre a que otro personaje de la mitología de películas de terror clásico de la Universal da vida. Pero el mejor personaje, e igualmente al que no se le saca todo el partido por el insultante peso de la interpretación de Cruise en la trama, sería el interpretado por la actriz nacida en Algeria Sofia Boutella, quien interpreta a la villana Ahmanet, cuya presencia física, estética, y por supuesto, la propia esencia del personaje, con esa atinada mezcla de erotismo y maldad pura, es lo mejor de la película. Por último citar, por aquello del orgullo patrio la intervención del actor Javier Botet (la niña Medeiros de Rec, el fantasma de La cumbre escarlata, la criatura de la segunda entrega de Expediente Warren, el xenomorfo de Alien: covenat o Hobo en It), quien aprovecha su particular fisonomía para dar vida al mismísimo Dios de la muerte Set.

Aunque como hemos apuntado La momia se abona a la moda de los blockbusters de acción, campo en el que resulta un entretenimiento más que digno, cabe recoger y reseñar los apuntes que la acercan al género de terror, además de la propia presencia de la momia resucitada. Y es que los momentos en que aspira la vida de sus víctimas y posibilita la posterior conversión de estas en unos émulos de zombies esclavos, nos devuelve una estética que, amparada en los efectos infográficos en lugar de en trucajes mecánicos y animatrónicos, nos recuerda a las criaturas vampirizadas y convertidas en muertos vivientes vistas en el título de culto dirigida en 1985 por Tobe Hooper Lifeforce, fuerza vital. Algo parecido sucede con esos caballeros templarios vueltos a la vida, donde vemos homenajeados, posiblemente de manera involuntaria, a los fantasmas inspirados en El monte de las ánimas de Bécquer mitificados en la saga de películas de Armando Osorio iniciada con La noche del terror ciego. Y puestos a ver homenajes y guiños a otros títulos no puede faltar el más obvio, el que concede a la anterior revisión del mito cinematográfico de la momia, con esa criatura nacida de una tormenta de arena que parece devorar todo a su paso.

Y es que una vez vista la película se permite poder responder a las siguientes cuestiones. ¿Es La momia un blockbuster recomendado? Si, ya que cumple los requisitos principales de un tipo de cine que busca el entretenimiento inane como una de sus marcas de la casa. ¿Es un correcto remake de la película de Freund protagonizada por Boris Karloff? No, pero ni siquiera busca homenajear un título que sabe, en la mayoría de los casos, los espectadores incluso desconocerán, es por ello que pone las miras del homenaje en la película estrenada veinte años atrás y protagonizada por Brendan Fraser y Rachel Weinsz, ya que es en ese título donde se miraran los nostálgicos que acudan a las salas de cine para ver una nueva película sobre la momia. ¿Es un buen comienzo para tratar de crear una franquicia de películas sobre los monstruos clásicos de la Universal? En este caso la película no cumple con las expectativas, precisamente por tratar de presentar muchas ideas en una sola película, y es que recordemos que en el caso de Marvel, espejo en el que la productora se miraba a través de la recién creada marca  Dark universo, se tardó doce años en estrenar el título que unificaba todo lo visto en un compendio de cerca de una veintena de títulos. En este caso ha faltado paciencia y un plan trazado, ya que la película ni siquiera ha sido un fiasco en taquilla, pero no haber generado lo esperado ha bastado para que no haya segunda oportunidad. Y recordemos que Marvel ha triunfado en parte por aceptar y no dejarse arrastrar por sus títulos menos logrados y exitosos. Ojala Universal vuelva a la carga con una mejor idea que unifique su universo de monstruos clásicos, pero posiblemente nos sea consciente de su principal problema. El género de terror es harto complicado se convierta en cine de masas, nunca lo ha sido excepto unas pocas excepciones. Y es que Guerra Mundial Z ya nos había enseñado que pueden hacerse buenas películas taquilleras con un trasfondo de terror, pero también nos había demostrado que era un terreno plagado de problemas y contratiempos por la propia esencia de este tipo de cine, su público destinatario, a todas luces sin la capacidad de generar un fenómeno de masas como el provocado por el cine de súper héroes, y el añadido de una calificación por edades que reduce aún más las posibilidades en taquilla de este tipo de películas. Aunque sería bonito ver lo que Universal lleva años intentando hacer realidad, y no que le suceda como a la momia protagonista, sea condenada al mayor de los olvidos.

INFIERNO BAJO EL AGUA (CRAWL, 2019) 83´

Con un huracán de intensidad cinco arrasando el Estado de Florida, Haley, desoyendo las recomendaciones de seguridad de las autoridades, se dirige en busca de su padre a la casa familiar, ubicada en pleno epicentro de la tormenta. Allí le encuentra en el cenagoso entresuelo de la vivienda y gravemente herido, dándose cuenta pronto la joven que las intensas rachas de aire y las lluvias torrenciales serán el menor de sus problemas.

Infierno bajo el agua se engloba dentro de ese subgénero dentro del terror más real, y que tiene a grandes y terribles criaturas de la naturaleza, y en concreto de la naturaleza acuática, como eje central de la trama. Con Tiburón como alma mater de este cine y espejo donde todas las películas que han venido después se miran irremediablemente, el último título del galo Alexandre Aja (auspiciado entre otros en la producción por su colega Grégory Levasseur o el gran Sam Raimi), responsable de obras como Alta tensión o el remake de Las colinas tienen ojos, tiene el honor de asomar como una aportación encaminada a devolver el prestigio a este subgénero, y que títulos de serie Z como la divertida Sharknado y toda la retahíla de mega tiburones o mastodónticas criaturas marinas de evidente origen y acartonado estilo infográfico habrían llevado por el camino del cine más caricaturesco. Podemos decir que Aja consigue su objetivo, y que Infierno bajo el agua logra mantener a flote una tensión por momentos insoportable ante la angustiosa peripecia vivida por los dos y prácticamente únicos protagonistas principales, Haley y su padre, atrapados en medio de una brutal tormenta que arranca tejados e inunda calles y casas, y a la que hay que unir el encontrarse bajo el sitio de un grupo de enormes y feroces caimanes no dispuestos a dejar ninguna presa libre.

Aja, quien ya había dirigido la simpática y brutal Piranha 3D, precisamente un remake del Piraña de Joe Dante surgido a rebufo y como contestación de la serie B al mega éxito de Spielberg con su escualo, logra aprovechar todo el conocimiento adquirido en dicho rodaje para integrar en el presente título unas secuencias acuáticas filmadas con gran pulso y una claridad en la imagen y en el montaje de dichas escenas que son de lo mejor de la película a nivel visual. El director francés demuestra una vez más su gran pericia técnica y su capacidad a la hora de ubicar y mover la cámara, logrando dotar de enorme dinamismo a una historia con una limitación espacio temporal evidente, y que además se sustenta prácticamente en dos únicos intérpretes. Pero ello no se convierte en un hándicap, sino todo lo contrario, ya que el director logra introducir precisamente gracias a dichos elementos, un aire de opresión y tensión a lo largo de todo el metraje realmente notables. A esto hay que sumar lo acertado de la recreación de un subsuelo de la vivienda anegado por el barro y la suciedad, y repleto de angostos recovecos y huecos donde las tuberías y los cimientos de ladrillo pueden convertirse en trampas mortales o constituir un salvoconducto a la hora de poder escapar de las enormes fauces de los escamosos antagonistas de la dupla protagonista.

Siendo como es Aja un director sin miedo al exceso ni al uso exacerbado de los efectos más truculentos en sus películas, en esta ocasión nos encontramos a un autor más comedido. Siguiendo con la comparativa entre Infierno bajo el agua y Piranha 3D, si en el caso de la cinta de 2010 nos encontramos tras las cámaras a un enfant terrible volcado en ofrecer una oda al exceso, abuso especialmente presente en las secuencias de los ataques de las pirañas en la fiesta en los muelles, donde el gore y los efectos más salvajes y hemoglobínicos campan a sus anchas en la pantalla, potenciados además por el uso de las tres dimensiones. Sin embargo en esta ocasión se han volcado los esfuerzos por ofrecer un título sustentado en el suspense, en mantener la tensión de las secuencias, y tratando de infundir en el espectador las mismas sensaciones que las vividas por unos protagonistas heridos, agotados y aterrados. Ello no es óbice para que se muestren en pantalla varios ataques de los caimanes a personajes anecdóticos, cuyo único fin es precisamente servir de carnaza a los enormes alligators, y donde Aja deja de lado la sugestión para no dudar en mostrar dichos ataques con todo lujo de detalles, siendo este un elemento que si bien no molesta ni resulta fuera de lugar, tampoco aporta nada nuevo a una película que, como ya apuntábamos, es principalmente un ejercicio de suspense. Si que podemos sin embargo echar en cara la capacidad de supervivencia de los protagonistas a las embestidas de unas criaturas de las que se ha dejado constancia de su poder destructivo, y que sin embargo cada vez que atrapan entre sus fauces a uno de los dos personajes principales, son incapaces de acabar su cometido. Es evidente que ambos han de ir sobreviviendo para dotar de contenido a la película, pero el hecho de, en pos de tratar de mantener la atención del espectador, dotar a ambos personajes centrales de esa capacidad de casi invulnerabilidad, provoca el mayor punto de desconexión de la trama.

Y respecto a estos dos protagonistas principales, hay que destacar la interpretación, principalmente física, de Kaya Scodelario (vista en la saga de El corredor del Laberinto y en la quinta entrega de Piratas del Caribe) y Barry Pepper (Salvar al soldado Ryan, La milla verde, Banderas de nuestros padres o Valor de ley), entregados al cien por cien a unos personajes que pasan todo el metraje empapados en agua, cubiertos de lodo y recibiendo golpes por doquier. Pero asimismo esta pareja de padre e hija resultan igual de creíbles y convincentes en dicho rol y en su difícil situación personal sustentada por un divorcio traumático y una relación paterno filial lastrada por la excesiva exigencia del primero hacía la segunda en lo que respecta a su actividad deportiva, la natación, y que resultara un elemento principal a la hora de introducir las secuencias más significativas de la película. Y además se agradece como Aja es capaz de dibujar la relación y situación de ambos protagonistas en apenas un flashback y una secuencia de interacción entre ambos, más que suficiente sin embargo para que los personajes resulten creíbles y convincentes.

A lo largo del tiempo no han sido pocas las películas de género donde la presencia de caimanes o cocodrilos constituía el eje central del terror (caso de Trampa mortal, La bestia bajo el asfalto o Mandíbulas), proliferando en los últimos años los títulos de serie Z que, gracias al abaratamiento de los efectos visuales más protésicos, copaban los estantes de los videoclubs o el catálogo de películas de productoras como Asylum y similares. Infierno bajo el agua rescata a este tipo de películas de la mediocridad y la eleva varios enteros, ofreciendo un título de impecable factura técnica, un manejo de las secuencias realmente notable (ello a pesar que en el último tramo la incredulidad y el más difícil todavía tome forma ante escenas como la del cuarto de baño), y con unos intérpretes convincentes y que logran conectar con el espectador. Es de esta forma como, camuflada bajo la apariencia de un título de serie B, nos encontramos un más que acertado ejercicio de puro cine de suspense donde el terror lo ponen unas criaturas ancladas en nuestro acervo colectivo como amenazas latentes, algo a lo que ha ayudado su tendencia a seguir perpetuando su imagen de letalidad en constantes ataques a despistados seres humanos. Y es que las estadísticas nos dicen que es más fácil ser atacado por un cocodrilo gigante que por un demonio venido del averno.

FEAST 3 (FEAST 3, THE HAPPY FINISH, 2009) 76´

Diezmados por las bajas y agotados tras horas de huida y acoso, los supervivientes de la brutal matanza perpetrada por unas monstruosas criaturas, tratan de seguir sobreviviendo a pesar de que todo parece ir en su contra, encerrándose para ello en la comisaria del pueblo o atravesando los subterráneos de la localidad, y siempre perseguidos por unos seres con una única finalidad, matarlos y comérselos a todos, o lo que es peor, violarlos.

John Gulager y su equipo brindan con esta tercera entrega un fin de fiesta algo descafeinado, ya que en esta ocasión somos testigos de cómo todas las virtudes presentadas en Feast y llevadas al paroxismo en Feast 2, Momentos de caos, son expoliadas y masacradas sin piedad en una tercera continuación bautizada como Feast 3, El final feliz, que lo que hace es tirar de los restos para armar una cinta de hora y cuarto. Rodada prácticamente de manera simultánea que su antecesora, de hecho ambas secuelas pueden verse como una única película ya que la trama es absolutamente lineal, y a pesar de que argumental y formalmente está muy ligada a esta, supone un tropezón en la trilogía que deja al fanático de la serie con un sabor de boca agridulce, a pesar de ser un gamberro entretenimiento cuyo principal problema estriba en que antes ya habíamos disfrutado de lo lindo de un Feast y Feast 2, lo que deja a esta tercera entrega como el hermano feo de la saga.

Los pocos supervivientes de la matanza llevada a cabo por las horribles criaturas surgidas de la nada, continuaran en esta ocasión su huida hacía ninguna parte con el único propósito de seguir con vida. En esta ocasión logran alcanzar la cárcel del pueblo, objetivo marcado en la trama anterior por la seguridad que implicaban las paredes reforzadas de la prisión. Sin embargo descubrirán que este lugar no se presentará tan seguro como a priori podía parecer, provocando que continué la carrera del grupo de supervivientes por diferentes parajes del poblado tratando de salvaguardar el pellejo. En este constante juego del gato y el ratón veremos como el gore, la sangre y las escenas repulsivas continúan predominando en el metraje, salvo que en esta ocasión no están envueltas en un paquete tan bien armado, igual que sucede con los ya esperados golpes de efecto, que si bien funcionan esporádicamente, acaban por resultar repetitivos. De esta manera la película se limita a mostrar una huida a ninguna parte, en una escapatoria sin sentido que acapara todo el metraje. Y si, es lo mismo que sucedía en Feast 2, pero lo que en esta primera secuela funcionaba, en esta ocasión suena a chiste ya contado, y además, peor contado. Frente a una primera entrega muy cuidada en el aspecto técnico y argumental, y una secuela disparatada pero donde las locuras plasmadas funcionaban, en esta ocasión parece que a un rodaje frenético y precipitado se han aunado el uso de todas aquellas ocurrencias que iban plasmándose en el proceso de filmación, lo que deviene en un totum revolutum bastante caótico.

Otro de los puntos fuertes de la trilogía lo habían sido el grupo de variopintos protagonistas, algo especialmente patente en Feast 2, donde estos eran trazados con líneas de comic underground, y que en esta ocasión no consiguen lograr esa empatía por parte del espectador, lo que les resta valor. Y eso que el festival de frikis continua mostrándonos a personajes tan variopintos como un profeta que cree controlar mentalmente a los monstruos, un karateka con el apropiado nombre de Jean-Claude Segal y  abocado a perder todos sus miembros uno a uno o un cowboy duro como pocos, arquetipo del héroe del american way of life, a quien da vida John Allen Nelson, visto en Los vigilantes de la playa, y que nos obsequiará con uno de esos giros de guion a destacar. El resto de personajes lo conforman los supervivientes del título anterior.

Si al hecho de que la trama pierde todo el interés por la reiteración de situaciones añadimos que buena parte del metraje tiene lugar bajo tierra, donde la cámara se vuelve frenética y abundan las secuencias rodadas con visión nocturna, podemos añadir a los peros de la propuesta el hecho de que acaba aturdiendo visualmente al espectador, algo apreciable especialmente en la secuencia de la lucha, plasmada mediante fogonazos y fotogramas sueltos y que consigue crispar los nervios del espectador, a pesar de que visualmente puede resultar una propuesta interesante. Para tratar de paliar el hecho que Feast 3 es más de lo mismo pero peor a lo ya visto en la segunda entrega, los guionistas intentan dar un plus a la cinta presentándonos una especie de sucedáneo de zombies generados por el vomito de las criaturas, lo mismo que unos seres salidos de la mutación de los monstruos originales, ideas que nuevamente caen en saco roto por lo inconexo de las secuencias montadas. A todo esto añadimos unos robots gigantes y el resultado final es de descontrol total de la historia.

El epílogo con el mexicano dedicando una ranchera a la saga, a pesar de la simpatía que tiene el plasmar los acontecimientos narrados en las tres películas mediante una canción, termina por abocar la película al desatino más estrepitoso. Y una cosa es que la saga tenga un trasfondo pretendidamente absurdo, y otra muy distinta es que carezca de sentido. Todo ello con la falsa promesa de que en esta entrega se iban a desvelar todos los secretos y respuestas por contestar en relación a los acontecimientos acaecidos, dejando al espectador sin la consabida respuesta, algo que posiblemente no sea tan malo. Un triste fin de fiesta que hubiera podido ser remediado en una cuarta parte, cuyo guión parece ser estaba siendo redactado por los autores del resto de la saga, y cuya filmación dependería únicamente de los réditos alcanzados con el alquiler en el ámbito del DVD de la tercera entrega, objetivo aparentemente no demasiado complejo a juzgar por los presupuestos tan ajustados que se manejan en este tipo de producciones y que las hacen ser rentables más fácilmente que a las grandes superproducciones, pero que finalmente parece no llegará a producirse. A pesar de no acabar convertida en tetralogía, y que la saga Feast no desvele finalmente los misterios que rodean a los hechos narrados, no hay que negarle originalidad a una propuesta que, para bien o para mal, la aleja de los convencionalismos dentro del género de terror. Y eso es algo que hay que agradecer. Una trilogía que podemos ver del tirón y que, a pesar de los peros de este cierre, dejará en el aficionado un buen sabor de boca, lo mismo que el puñado de inocentes, y no tan inocentes, víctimas en el paladar de las infaustas criaturas protagonistas. Buen provecho.

FEAST 2 (FEAST 2: SLOPPY SECONDS, 2008) 95´

Tras una noche de terror y muerte, el grupo de supervivientes de una matanza llevada a cabo por unos seres monstruosos, trata de comenzar un nuevo día con la idea de haber logrado salvarse de una muerte atroz. Nada más lejos de la realidad, ya que la luz de la mañana trae consigo la imagen de un pequeño pueblecito arrasado y tomado por hordas de voraces criaturas surgidas de nadie sabe dónde.

Tras el gran éxito que tuvo la primera entrega dentro del circuito independiente y promovido por el boca-oreja, no pasarían demasiados años en estrenarse una secuela. Una vez Gulager encontró financiación,  tal y como sucedería en toda la trilogía bajo el mecenazgo de los hermanos Weinstein, y apoyado nuevamente en un guion del tándem Melton-Dunstan, el director se lanzó a una segunda entrega donde, eliminado el efecto sorpresa, se da un giro de ciento ochenta grados a la propuesta para brindar un espectáculo donde todos los elementos sugeridos en la precuela, son llevados a la exageración más absoluta. 

La película comienza allí donde nos dejó el título anterior, trasladando la acción a un pueblo cercano a la taberna The beer trap, donde tuvieron lugar los sucesos pretéritos. Nos muestra un lugar desolado y arrasado por unas horribles criaturas, un lugar donde varios cadáveres, en algún caso desmembrados, pueblan las calles desiertas y los monstruos campan a sus anchas. Una vez más, Marcus Dunstan y Patrick Melton, como ya apuntábamos autores de los guiones de la trilogía, evitan el dar explicación a los aterradores hechos que estamos presenciando, dejando al espectador en una situación de inferioridad. No hay racionalidad ni respuesta ante lo que estamos viendo, solo la necesidad de sobrevivir. Y es con esta carta de presentación a partir de la cual Gulager se dedica a ofrecer un título donde el desenfreno, el exceso y la constante tomadura de pelo a los propios personajes y al espectador son el armazón sobre el que construir la secuela. 

 

Hasta este lugar llegarán varios protagonistas, en algún caso relacionados directamente con la película anterior, y para otros casos presentando a un nuevo grupo de personajes, donde la caricaturización de los diferentes roles presentados es la nota predominante. El hecho de rescatar para la ocasión a varios de los intérpretes del primer Feast (incluso se llega a resucitar al aparentemente fallecido barman de la taberna, interpretado como no podía ser de otra manera por el padre del director), permite entroncar linealmente las dos cintas, dando una continuidad en los hechos y acontecimientos de los que vamos a ser testigos. Al igual que sucediera en la primera entrega el protagonismo es muy coral, y como ya indicábamos, en esta ocasión la escritura de los diferentes protagonistas va a tirar de los perfiles más extravagantes. De esta forma nos encontramos con que en Feast 2 se lleva al extremo la presentación de personajes arquetípicos y con cierta tendencia al frikismo ya dibujada en la primera parte. De esta forma podemos encontrarnos con salvajes moteras tatuadas y para nada pudorosas, enanos luchadores de wrestling y en algún caso auténticos sementales (tremenda  a este respecto la presentación del personaje de Relámpago), vendedores de coches cornudos o fracasados obstinados en convertirse en héroes con funestas consecuencias. El elenco de intérpretes está compuesto nuevamente por una pluralidad de nombres desconocidos, frente a los más reconocibles actores de la primera entrega, y entre los que el director ya no trata con medias tintas y nos cuela además de a su padre, a su esposa, Diane Ayala Goldner, líder del clan de moteras y que ya apareciera en la primera entrega de la serie, o a su hermano Tom, el anteriormente citado amago de héroe fracasado. La película además muestra en paralelo a la trama central protagonizada por el grueso de personajes, lo que acontece a Honey Pie, recuperada de la primera, de nuevo interpretada por Jenny Wade, y que recordemos, acabó jugándosela al resto de supervivientes, ofreciéndonos una vendetta muy particular sobre este personaje.

Feast 2 elimina el suspense predominante en la cinta anterior, por ejemplo ahora se muestran explícitamente a las criaturas mientras que en la primera película estas aparecían durante buena parte del metraje de manera sugerida o como meros fogonazos, abre la ubicación  a múltiples ambientes en un espacio abierto y a plena luz del día frente al escenario único y ubicación de la historia en un ambiente nocturno y coronado por una tenue luz artificial. Sí que hay que indicar que el cambio en el director de fotografía pasa factura, encontrándonos con que esta segunda entrega presenta una peor iluminación y unos movimientos de cámara más abruptos frente a una dinámica en las secuencias filmadas mucho más controladas en la película de 2005, y a la postre menos mareantes para el espectador. Relativo a la ambientación obtenida, comentar como en la película se asoma a vestigios de western crepuscular. Para la ocasión y como buena continuación que se precie, se dobla la apuesta elevando al cubo las escenas sangrientas y repulsivas  con decapitaciones, cuerpos cercenados por la mitad, bebes devorados, abuelas desechas en sus propios fluidos…junto a otras más escatológicas o de tintes sexuales, entre las que destacan las sodomizaciones de gatos por los monstruos o una disección del cadáver de una de las criaturas donde la asquerosidad y la repulsión alcanzan cotas realmente elevadas al mezclar heces, semen y vómitos.

Con todo ello Feast 2 es una secuela mucho más cercana en esta ocasión al humor negro y salvaje que al terror puro y duro, y es que incluso en los momentos en los Gulager nos golpea eventualmente con momentos de mayor crudeza, esta se presenta perfectamente empacada en la más absoluta irreverencia. Una cinta perfecta para cinéfagos sin complejos, para disfrutar sin prejuicios, y a ser posible en buena compañía. El festín alcanzaba ya cotas de auténtico atracón.

ATRAPADOS (FEAST, 2005) 86´

Un nutrido y variopinto grupo de parroquianos se encuentra en una tasca de mala muerte en medio de la nada entre cervezas, partidas de billar y vidas anodinas. Repentinamente, irrumpe en el local un tipo empapado en sangre y portando en la mano una escopeta, quien avisa a quienes se hallan en el bar que algo monstruoso le ha atacado afuera, en la carretera, algo que ahora dirige sus pasos hacía ese mismo lugar. 

John Gulager, hijo del actor Clu Gulager (veterano intérprete y toda una institución entre los fans del terror gracias a su participación en títulos como El regreso de los muertos vivientes, Pesadilla en Elm Street 2 o Hidden lo oculto y que aparece en lo último de Quentin Tarantino, Erase una vez en Hollywood), es el máximo artífice de una irreverente trilogía nacida gracias al llamado Proyect Greenlight, un concurso cinematográfico creado  con el objetivo de descubrir nuevos talentos dentro del circuito independiente. Allí presento su ópera prima, que entusiasmo tanto a los conocidos actores y amigos íntimos Matt Damon y Ben Affleck, que no dudaron a la hora de producir esta locura enmarcada dentro de la denominada serie B. Asimismo podemos vislumbrar entre los diferentes productores de la cinta el nombre del mítico director de terror Wes Craven, lo mismo que a los hermanos Weinstein, encargados de la producción ejecutiva a través de Dimension Films, una de las filiales de Miramax, productora y distribuidora cinematográfica fundada a finales de los setenta por estos famosos hermanos caídos en desgracia tras el escándalo de acoso sexual protagonizado por Harvey Weinstein. La película está escrita al alimón por Patrick Melton y Marcus Dunstan, quienes acostumbran trabajar juntos, dando como resultado los guiones de sagas tan conocidas como Saw, de la que son responsables de los libretos de las entregas cuarta a séptima, así como del guion de The collection o Piraña 2 3D, dirigida por el propio Gulager. Este triunvirato entre director y autores del guion se mantendría además durante las dos secuelas posteriores que tendrían lugar.

Los protagonistas de la historia, por cierto bastante coral, son presentados por el director mediante unas fichas que remarcan, con mucha ironía además, los aspectos más representativos de cada uno de ellos, como si de un juego de rol se tratara. Es una manera inteligente,  rápida y directa, de dar a conocer al nutrido grupo de personajes que pulularan a lo largo de la trama sin caer en un primer acto pausado y ralentizado precisamente por esa necesidad de ubicar a tanto personaje con peso en la historia, consiguiendo de esta manera que ya en el minuto diez la película despegue en un crescendo que ya no parará hasta los títulos de crédito finales. Y enlazando con ese estilo de baraja de cartas, he aquí los intérpretes más destacados de la cinta:

Balthazar Getty: Interpreta a Bozo, un perdedor nato, obligado a actuar a la fuerza y en contra de su voluntad como héroe a raíz de los terroríficos acontecimientos que tienen lugar en el bar en el que trata de timar a algún pardillo entre partida y partida de billar. Getty es miembro de la multimillonaria familia encabezada por Jean Paul Getty y en cine llegó a lograr cierto reconocimiento profesional a comienzos de su carrera gracias a títulos como El señor de las moscas, Intrépidos forajidos, Juez Dreed, Tormenta perfecta o Carretera perdida.

Duane Whitaker: Da vida a Boss Man, el personaje más odioso de toda la película ya desde su propia presentación, status que refrendará en actuaciones posteriores. Duane Whitaker es un veterano actor conocido especialmente por aparecer en Pulp Fiction, interpretando al dependiente de la tienda en la que el personaje de Bruce Willis está a punto de pasarlo muy mal, aunque tiene una extensa filmografía donde cabe rescatar películas de género como Hobgoblins, La matanza de Texas 3, Abierto hasta el amanecer 2 o en las cintas de Rob Zombie Los renegados del diablo y Halloween 2.

Krista Allen: Una camarera con muy mala suerte que justo cuando piensa que nada puede ir a peor se topa con el mayor de los dramas. Krista Allen es una modelo y actriz que entre montones de series para televisión encarnaría a una de las exuberantes vigilantes de la playa de la serie del mismo título.

Navi Rawat: Una de las heroínas de la película, y que ha de adoptar dicho rol para tratar de salvar la situación. Está interpretada por esta actriz californiana a la que veríamos posteriormente en la antes citada The collection.

Clu Gulager: Da vida al veterano camarero que regenta el tugurio convertido en escenario único de la película, y que acabará convertido en refugio de clientes y trabajadores. Como ya hemos apuntado, el padre del director tiene un papel con peso en la trama, lo que a su vez es un guiño a los aficionados del género por la consideración de mito de este intérprete.

Junto a este plantel central hay otro nutrido grupo de actores con nombres como los de Joshn Zuckerman, quien da vida al hermano minusválido de Bozo, y cómplice de sus trapicheos, Jason Mewes, para siempre Jay en la serie de películas dirigidas por Kevin Smith, y que se interpreta a sí mismo en una breve aparición, Henry Rollins, visto en Heat, y que encarna a un orador incapaz de arengar al grupo de supervivientes o Eric Dane, conocido por aparecer en Anatomia de Grey y que aquí interpreta al hombre que irrumpe bruscamente en el bar advirtiendo a sus clientes de la que se les viene encima. También encontramos entre el grupo de secundarios a dos actrices que aumentarían, y mucho, su protagonismo en películas posteriores de la saga, caso de Jenny Wade o Diane Ayala Goldner. 

Como apuntábamos al comienzo, la historia se inicia con un grupo dispar de clientes en una taberna en medio del más recóndito de los lugares. Sin tiempo para que el espectador se acomode, una pareja entra en tropel en el bar para prevenir a los que allí se encuentran del terrible peligro que corren. Pero el director no concede una tregua a la hora de terminar su interlocución, ya que unas terribles criaturas hacen acto de presencia con la única finalidad de matar a todos los presentes. Con este arranque, a priori tan poco original, Gulager nos presenta sin embargo una cinta que sorprende, y muy gratamente, en un anquilosado género demasiado acostumbrado a ofrecernos más de lo mismo. En esta ocasión el director utiliza elementos tan reiterativos como son un ambiente opresivo y claustrofóbico, un poco en la línea de clásicos como La noche de los muertos vivientes o Asalto a la comisaría del distrito 13, acompañado de un grupo variopinto de personajes que, dentro de su estudiada simplicidad, presentan más gamas de comportamiento que películas pretendidamente más sesudas. Si a esto añadimos golpes de efecto casi con cada secuencia y una perfecta mezcla de humor y horror, nos encontramos ante un título de esos que sorprenden para bien por las pocas expectativas que genera a priori y el buen sabor de boca que nos deja su visionado.

Cabe destacar como el director logra mantener un ritmo endiablado durante la cerca de hora y media de metraje de la cinta, situando al espectador en constante alerta, principalmente por la forma en que presenta los ataques de las criaturas, ya que estos se pueden producir en cualquier momento, muchas veces en el menos esperado, logrando eso tan difícil que es que quien está visionando la película no averigüe a cada momento lo que va a suceder, en un constante juego con el espectador. El guion es en buena parte también responsable de esta idea, ya que casi a cada minuto está ofreciendo situaciones que no son sino giros inesperados sobre los tópicos de este tipo de cintas, como la manera en que acaban muchos de los personajes que intuimos tendrán mayor peso en la trama, o en determinados momentos a los que pensamos la película no se atrevería a llegar. Esto convierte a Feast (estrenada en nuestro país como Atrapados y que tiene más sentido en su traducción literal como banquete) en una rara avis dentro del cine de horror, gracias a su frescura y a su valentía a la hora de romper buena parte de los cánones establecidos en este tipo de historias. En la forma en que está filmada la película queda patente la pericia técnica de un director novato que sin embargo ya había trabajado como director de fotografía con anterioridad, lo que le había dotado de cierta maña que queda perfectamente expuesta en que a pesar de bruscos y conscientes movimientos de cámara y al hecho de que la fotografía (como no puede ser de otra manera en una película ambientada en una única noche y en un bar de carretera) se mueve entre luz artificial y claroscuros, Feast es una película que no resulta visualmente mareante y en la que además se puede ver todo lo que acontece frente a la cámara.

Uno de los alicientes de Feast es la propia presencia de las criaturas que asolan el bar donde los protagonistas se hallan cobijados. El director, inteligentemente, pasa buena parte de la película mostrándolos de refilón, mediante bruscos y rápidos movimientos de cámara, fogonazos u ocultos entre sombras. Además, y para  ahondar en la sensación de terror que provocan unos seres de los que no se da un ápice de información sobre de donde vienen o que buscan, se cubre a estos con pieles y huesos, acrecentando el terror que provoca su sola presencia. Solo en el tramo final podemos ser testigos de la fisonomía completa de unas criaturas con un potente diseño visual donde destaca un cuerpo musculado, unas largas extremidades acabadas en tenazas y muy especialmente una cabeza alargada de aspecto xenoforme donde se atisban unos minúsculos ojos y coronada por una imponente mandíbula repleta de afilados dientes. A este respecto y como curiosidad, resaltar que entre el elenco de profesionales encargados de la tarea de efectos especiales y de maquillaje destaca la presencia de Stephen Norrington, encargado de efectos visuales y protésicos en títulos como Gremlins, Lifeforce, Aliens o La maldición de las brujas, y que fue el director de las muy estimables Maquina letal y Blade. Por último y respecto a las criaturas de Feast, a la concepción visual de unos seres que generan auténtico pavor, hay que sumar el propio desarrollo vital que se confiere a estos, entregados durante  todo su tiempo a matar, comer y copular.

Así pues y en definitiva, nos hallamos con Feast ante uno de esos placeres culpables para el cinefago de pro, una película que acierta con los momentos de tensión y terror pero que a la vez resulta gamberra e irreverente, a la que no parece preocuparle la censura y que no escatima en la profusión de sangre y fluidos corporales de todo tipo. Pero además se trata de una cinta que nos deleita por los continuos giros de guión que dentro de una historia predecible y asumible, otorga gratas y continuas sorpresas al espectador. Todo envuelto con un trasfondo de humor negro que no impide disfrutemos sufriendo con secuencias aterradoras. Eso sí, el que piense que Feast es demasiado burra y escatológica debería ausentarse del visionado de sus secuelas, donde la gamberrada es llevada al paroxismo. Avisados quedan.   

ROTTWEILER (ROTTWEILER, 2004) 94´

Los reclusos Dante y Dongoro huyen encadenados durante su traslado a prisión. Dongoro no tarda en caer muerto bajo las fauces de un salvaje rottweiler que les persigue implacablemente, continuando adelante Dante con su fuga acosado hasta la extenuación por un animal que parece no tener hambre, sed ni cansancio.

Nuevamente Brian Yuzna se encargaría de dirigir una nueva propuesta de la Fantastic Factory, constituyendo Rottweiler el peor título de los nueve estrenados por el sello cinematográfico en sus apenas siete años de existencia. La película está basada en el libro de Alberto Vázquez Figueroa El perro, novela que el mismo adaptaría a partir del guion escrito por el propio Figueroa, y que ya había conocido una primera versión para cines con el estreno en 1977 de la película del mismo título, El perro. Como no podía ser de otra manera en un título de la Fantastic Factory, la historia fue modificada para incluir en la misma elementos de ciencia ficción que encajaran en las formas, parámetros y directrices de la productora catalana, lo cual no supuso ningún acierto, resultando de hecho mucho más angustiosa la cinta estrenada casi treinta años atrás y protagonizada por Jason Miller, por siempre conocido por dar vida al Padre Karras en El exorcista. 

La película está protagonizada en exclusiva por William Miller, actor ingles que sin embargo ha desarrollado el grueso de su producción en nuestro país, donde ha participado en numerosas series para televisión. Hay que reconocer y alabar que el actor pone toda la carne en el asador en la película, pero finalmente acaba resultando excesivo en su forma de abordar un personaje con tanto peso en la trama, haciendo que el espectador pierda todo interés por lo que le va sucediendo en su continua huida de un perseguidor incansable. Junto a Miller podemos ver breves intervenciones de actores de contrastada solvencia  como es el caso de Lluis Homar o Paul Naschy, resultando sin embargo, e igualmente en  ambos casos, totalmente desaprovechados y mal dirigidos, una constante dentro de la filmografía de Brian Yuzna para la Fantastic Factory, etapa profesional en la que quedaría constatada que la dirección de actores era una de las principales taras del director filipino. Como curiosidad indicar que, tras Romasanta, la joven Ivana Baquero (El laberinto del fauno) volvería a trabajar para una película de la Fantastic Factory nuevamente en un pequeño papel, aunque en esta ocasión su peso sea más importante que en su aparición en la película de Paco Plaza.

Tras unos atractivos títulos de crédito iniciales, los cuales poseen un estilo visual francamente destacable, arranca una película que apenas tarda unos segundos en presentar el nudo central de la narración, la constante persecución del rottweiler que da título a la cinta del personaje de  Dante. Con una trama tan sencilla Yuzna debiera haber puesto todo su énfasis en la construcción de secuencias en las cuales el suspense y la tensión fueran la base sobre la cual cimentar el trabajo, pero no hay nada de eso en la hora y media de metraje, que acaba por resultar tremendamente tediosa. Por el contrario parece que Yuzna ha aprovechado la filmación de la película para experimentar diferentes estilos de rodaje, con lo que vemos secuencias filmadas en plena naturaleza con la cámara planeando casi a vuelo vista sobre la acción que presenta la huida del personaje principal, otras que representan tomas acuáticas donde los requerimientos técnicos son diferentes, incluso escenas en la llegada del prófugo a la ciudad donde se cambia el estilo de fotografía para utilizar en este caso tonos verdes y rojizos de estética eléctrica. Asimismo monta la historia en base a flashbacks que narran los acontecimientos que han llevado al protagonista a la situación agónica en la que se encuentra y que tratan, sin conseguirlo, de mantener la expectación del espectador frente a tantos minutos de persecución.

Pero el problema no es que Yuzna dedique su trabajo a jugar con las texturas de la película, algo de hecho positivo, sino que en el trayecto deja de lado a la propia película, no prestando atención ni a historia ni a personajes, algo que lleva a su máxima representación en la absolutamente absurda, innecesaria y ridícula secuencia de sexo entre los personajes interpretados por William Miller y Paulina Gálvez. Algo parecido sucede con la inclusión de esa idea de un canido con hechuras de implacable Terminator, fusilando inclusive una secuencia de la propia cinta de Cameron de 1984, y de cómo esta premisa resulta ridícula e innecesaria, ya que la propia sensación de terror que genera el acoso del animal al personaje central, sin necesidad de fuegos de artificio adicionales, ya debiera resultar lo suficientemente perturbadora, algo que había quedado demostrado en la primera versión estrenada en cines de la historia.

Rottweiler constituye el punto más bajo a nivel de calidad de la Fantastic Factory, quedando ya de manifiesto el fracaso de la propuesta de Julio Fernández y Brian Yuzna, propuesta que sin embargo aún tendría tiempo de estrenar otras dos películas antes de bajar el telón definitivamente, y afortunadamente superarían lo visto en este título, tan aburrido como carente de interés. Y mira que el protagonista lo intenta.