ESCALOFRÍOS

ESCALOFRÍOS – 2007 (87´)

Un funcional cuento de terror con aires del tipo de relatos escritos por Stephen King y que juega con la mitología de bosques encantados para contar una historia sencilla y que, aunque no deja huella en el espectador, está bien resuelta. Si bien es cierto que pudiera haber encajado más como historia corta dentro de una antología de relatos de miedo, su ajustado metraje y la manera en la que el director maneja la situación de estos dos jóvenes atrapados en medio de una carretera aislada en una noche invernal hace que la película acabe funcionando. Tiene además una de sus principales bazas en la presencia de una joven Emily Blunt como protagonista, quien, al igual que su compañero de reparto, logra brindar una interpretación que ayuda a generar empatía en el espectador por los designios de los dos infortunados. Puede resultar una buena opción para quien quiera iniciarse en el terror yendo de menos a más.

LA SECTA

LA SECTA – 1991 (116´)

Tercera de las cuatro películas que el italiano Michele Soavi dirigiría entre mediados de los ochenta y noventa enclavadas dentro del terror para posteriormente abandonar el género, las cuales conforman una filmografía cuando menos interesante. Este título es cierto que presta más atención a una trabajada puesta en escena que a un guion por momentos confuso y errático, pero es igualmente destacable como logra su objetivo de sumir al espectador en una pesadilla por momentos onírica por momentos caótica y  que bebe de películas como La semilla del diablo (1968) o Hellraiser (1987) así como del imaginario literario ideado por Lovecraft, todo ello para conformar un trabajo que aunque con altibajos en su metraje merece la pena visionar dentro de ese género italiano de horror eminentemente ochentero comandado por un Dario Argento que en este ocasión hace las veces de coguionista y productor. Como curiosidad decir que Kelly Curtis, protagonista de la cinta, es hermana de Jamie Lee Curtis, sufrida víctima de Michael Myers en La noche de Halloween (19878) e hija de Janet Leigh, acuchillada en la aclamada secuencia de la ducha en Psicosis (1960), con lo que la capacidad de sufrimiento que experimenta a lo largo de la película es cierto que le viene de familia.

SMILE 2

SMILE 2 – 2024 (127´)

Una secuela con la que Parker Finn, director y guionista, se corona con tan solo dos largometrajes como un cineasta a considerar dentro del género de terror. Su estilo visual, tal como dejaba entrever ya en Smile (2022), es apabullante a lo largo de toda la cinta, con ese soberbio plano secuencia con el que abre la película como exponente más destacado. La película logra erigirse como una secuela a la altura de la primera entrega a la que únicamente puede achacársele un exceso de metraje que hace se estire demasiado ese viaje a los infiernos de la protagonista, haciendo que en algunos momentos este pierda su impacto en el espectador. Destacar asimismo el excelente trabajo interpretativo de una Naomi Scott que lo da todo en su papel de estrella del pop Skye Riley, y que además carga sobre sus hombros con prácticamente todo el peso de la película, llegando inclusive a demostrar sus estupendas aptitudes para el baile y la canción. Un título que mantiene todas esas buenas impresiones que el debut de Parker Finn generaría en su momento, con lo que solo cabe desear que Smile 3, ya en preproducción, mantenga el nivel. Si es así podremos seguir sonriendo.     

GOMIA, TERROR EN EL MAR EGEO

GOMIA, TERROR EN EL MAR EGEO – 1980 (90´)

El prolífico Joe D´Amato, alias del italiano Aristide Massaccesi, dirigiría en Antropófago, título original de la película, uno de sus habituales títulos de explotación, género del que era un habitual. Una obra enclavada en el imaginario colectivo del fandom por haber sido incorporada al catálogo de video nasties creada en la década de los ochenta obteniendo con ello estatus de prohibida, así como por la existencia de dos impactantes secuencias que todo fan del género conoce. Más allá de dicha aura de película de culto se trata de un título resultón dentro del género al que representa, que en momentos funciona, como todo el tramo que transcurre durante una tormenta en plena noche, pero que por momentos resulta excesivamente estirada para de esta manera incorporar los citados momentos de violencia descarnada. Personajes nada interesantes, maquillaje sin pulir y efectos gore igualmente sencillos pero que funcionan por los momentos que enmarcan. Para un tipo de espectador de ese cine salvaje y sangriento que no exige grandes historias ni interpretaciones a la hora de disfrutar de una película nacida para provocar. Y vaya si lo consigue.

LA SEMANA DEL ASESINO

LA SEMANA DEL ASESINO – 1972 (102´)

Una película atípica escrita y dirigida por un cineasta atípico como lo fue Eloy de la Iglesia. Un proto slasher que se aleja de los arquetipos del subgénero y que se mueve entre el terror y el drama, siendo el asesino protagonista alguien que inicia su singladura criminal amparado en la mala suerte y lo único que puede hacer en su aciaga semana plagada de sangre y muerte es tirar para adelante. El galán Vicente Parra da vida a este lastimoso personaje, quien en el fondo es un pobre desgraciado a quien tener más pena que miedo, alguien en la línea del Hans Beckert de M, el vampiro de Düsseldorf. La película, a la que acompaña una acertada banda sonora que realza la sensación de desazón que vive el protagonista, no escatima en escenas brutales a la hora de recrear los asesinatos y el posterior ocultamiento en casa del asesino de los cadáveres, aunque posiblemente lo que más sobresalte al espectador actual sea la escena que tiene lugar en el matadero donde trabaja el personaje de Parra, donde no hay efectos ni trucajes y donde los animales son realmente eviscerados frente a la cámara.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?

¿QUIEN PUEDE MATAR A UN NIÑO? – 1976 (106´)

Una obra maestra del género que intuimos inspiraría al mismísimo Stephen King a la hora de escribir Los chicos del maíz, y que se inicia ya bajo unos títulos de crédito brutales de origen documental que atrapan al espectador y marcan el tono nihilista y violento que mantendrá la película. Chicho Ibáñez Serrador, responsable igualmente del guion, dirige con un oficio y una valentía envidiables, regalándonos un puñado de escenas que quedan grabadas a fuego en la hemeroteca como parte de lo mejor que ha dado el género. Más allá de los momentos de violencia seca y desagradable presente a lo largo de la trama, la película destaca por lograr imbuir en el espectador el mismo estado de desasosiego y ansiedad de la pareja protagonista, trasladando inclusive al otro lado de la pantalla ese clima seco y caluroso presente en la película. Una película de obligado visionado y que va más allá del propio género al que representa, dejando de manifiesto que a su realizador le bastarían dos películas, además de una serie para televisión de culto, para entrar en el Olimpo de los maestros del terror.  

DRACULA

DRACULA – 2025 (130´)

Una versión del icónico personaje creado por Bram Stocker que en cierta forma lo pervierte dejando de lado su lado más oscuro y terrorífico para centrarse en la historia de amor entre Vlad y Elisabetha, a quienes dan vida unos Caleb Landry Jones y Zoé Bleu Sidel que no nos acaban de convencer, quedándonos en ese sentido con la histriónica y alocada vampiresa a la que da vida Matilda De Angelis. El francés Luc Besson toma prestados elementos ya vistos en Dracula, la historia jamás contada (2014) pero especialmente en el Dracula de Francis Ford Coppola estrenado en 1992 para hacer una mezcla de géneros que además del terror y el romanticismo incluye la comedia y la acción en un batiburrillo que no acaba de funcionar. Lo mejor lo encontramos en una ambientación y en una puesta en escena que nos brinda varios momentos visualmente reseñables como el ataque del vampiro al convento o la persecución entre la nieve de Elisabetha por los otomanos. Gustara más a los fans del amor en el cine que de los vampiros.