CEREMONIA SANGRIENTA

CEREMONIA SANGRIENTA - 1973 (85´)

Dos asiduos del papel couche como Lucia Bosé y Espartaco Santoni protagonizan una película que bebe de la historia de la condesa Elizabeth Bathory, acusada de asesinar a centenares de jóvenes para bañarse en su sangre obsesionada con la idea de que este remedio retrasaría su envejecimiento. La dirige Jorge Grau, quien un año antes de regalarlos esa joya que es No profanar el sueño de los muertos se encargaría de filmar con un excelente tino a la hora de mover la cámara una rara avis dentro de la aproximación al cine de vampiros, y es que incide en la humanidad y maldad de estos supuestos seres de ultratumba así como de la superchería a la hora de crear el mito. Un interesante relato donde la sangre, la seducción, la superstición  y el poder de quien es capaz de manejarla a su antojo conlleva y un erotismo que lleva a desnudar a todos los personajes femeninos presentes en la trama son los grandes protagonistas.  

TRAIN TO BUSAN

TRAIN TO BUSAN - 2016 (118´)

Yeon Sang-Ho, director coreano con predilección por el género zombie nos regala un título brillante dentro de este subgénero encerrando a un grupo de protagonistas en un tren atestado de un tipo de muerto viviente o infectado con unas capacidades físicas, una manera de moverse y unas caracterizaciones que nos devuelven este tipo de películas a la primera división dentro del terror. Pero es que además de regalarnos una colección de secuencias adrenalíticas y con un manejo de la tensión soberbio, la cinta contiene una colección de personajes excelentemente desarrollados y que generan tal afección en el espectador que lleva a su sufrimiento con cada nueva baja dentro del grupo de supervivientes, poseyendo en ese sentido la película varias secuencias enormemente emotivas. Un título que dentro del cine zombie no descubre nada nuevo pero que por su manera de contarnos una historia vista mil veces antes se convierte en uno de los títulos de cabecera de este subgénero de los últimos años.  

JEEPERS CREEPERS

JEEPERS CREEPERS - 2001 (90´)

Un título auspiciado bajo el mecenazgo de Francis Ford Coppola y escrito y dirigida por un Víctor Salva marcado por su condena como delincuente sexual y pedófilo. La película se inicia como un trasunto de El diablo sobre ruedas (1971) para terminar presentando a una criatura que funciona de manera estupenda como emulo de hombre del saco y a quien además rodea una más que interesante mitología. Salva logra que la película funcione más allá del impacto de algunas de las secuencias mostradas haciendo partícipe al espectador de la agonía de la pareja de hermanos protagonistas y redondea la propuesta con un final a la altura, iniciándose de esta manera una serie de películas con hasta el momento cuatro entregas las cuales van de más a menos en cuanto a interés y calidad. Una terrorífica road movie donde tu acosador no es ningún paleto sureño prototípico de este tipo de títulos, ojala lo fuera.   

EL HOMBRE LOBO

EL HOMBRE LOBO - 1941 (67´)

Estrenada durante la edad de oro del cine de monstruos de la Universal, se trata de la piedra angular sobre la que pivotarían el resto de películas que posteriormente abordarían el tema de la licantropía, las cuales no serían tantas en relación a otros mitos del terror como Drácula o Frankenstein. La película se inspira en el folklore y la superstición para hilvanar un relato de maldiciones y destinos inevitables, utilizando para ello una estupenda fotografía en blanco y negro y una ambientación igualmente sobresaliente que potencia aquellos momentos con mayor tensión. Un título que reuniría a dos de los actores a rescatar siempre que se habla de cine de terror, Bela Lugosi, quien participa en un papel secundario, y Lon Chaney Jr. quien vuelve a hacer gala de su capacidad para la interpretación bajo capas ingentes de maquillaje. Uno de los títulos seminales dentro del cine de hombres lobo y primer referente de una colección de películas cuyo mayor reclamo era ver espectaculares transformaciones frente a nuestros ojos de tipos corrientes en letales y peludas criaturas de la noche.

VIERNES 13

VIERNES 13 - 1980 (95´)

Nada más iniciarse la década de los ochenta Sean S. Cunningham, cineasta que venía de producir La última casa a la izquierda (1972), daría una vuelta de tuerca al género slasher depurado por John Carpenter poco antes con La noche de Halloween (1978) potenciando la utilización del sexo y de la violencia como cebos para llenar las salas de cine de jovencitos hormonados deseosos de ver como otros jovencitos hormonados escasos de ropa eran asesinados de las maneras más brutales e imaginativas posibles, iniciándose con Viernes 13 no solo una de las sagas de películas de terror más exitosas de la historia, con más de una decena de títulos más a sus espaldas entre secuelas y remakes, sino suponiendo el pistoletazo de salida de la edad dorada del género. Una película de obligado visionado para el fan del terror, con un jump scare final a la altura del de Carrie (1976), un celebrado soniquete musical obra de Harry Manfredini y la presentación en sociedad de un joven Kevin Bacon como una de las víctimas de un asesino misterioso en la mejor tradición del giallo italiano. Y germen de una de las figuras más representativas del género, Jason Voorhees.  

MARILYN BURNS

Nacida en Julio de 1955 en Pensylvania, Burns se crió sin embargo en Texas, donde comenzó a mostrar interés por el arte dramático llegando a participar en varios musicales menores antes de debutar en el cine de la mano del gran Robert Altman en una pequeña aparición en El volar es para los pájaros (1970).

Fue sin embargo su papel en la cinta de 1974 La matanza de Texas el que la encumbró a la intérprete a la fama dentro del género así como a formar parte indiscutible de la galería de las Scream Queens más brutales de la historia, gracias tanto a la categoría de culto de la película como al rol desempeñado por Marilyn Burns en el título dirigido por Tobe Hooper. Así, para su papel de Rally la actriz lo dio todo a nivel emocional y físico, se hirió, corrió, se cayó, grito, llegando incluso a tener varias crisis nerviosas durante el rodaje, crisis que Tobe Hooper aprovechó para dar mayor credibilidad a su personaje y dejando varios de estos momentos vividos delante de las cámaras en el metraje final estrenado en cines.

Es de esta forma que este clásico del cine de terror la catapultaría a la fama e inmortalidad dentro del género, en cuyo marco desarrollo una trayectoria cinematográfica bastante corta y discreta. Y es que los intereses profesionales de Marilyn irían más encaminados al mundo del teatro, donde volcaría el grueso de su actividad interpretativa hasta su fallecimiento en 2014.

Aún así nos dejaría un pequeño puñado de títulos dentro del género, siendo estos los siguientes:

La matanza de Texas (1974): Obra seminal de la historia del cine e inicio de una de las más reconocidas y celebradas sagas dentro del cine de terror.

Helter Shelker (1976): Un  recorrido con formato de telefilm sobre la familia Manson y donde la actriz encarna a uno de las hermanas de Charles.

Comidos vivos (1980): Nuevamente a las órdenes de Tobe Hooper, quien trató de emular con esta cinta los resultados obtenidos con su clásico de 1974, copiando para ello varios de los elementos más reconocibles de esta cinta.

Kiss Daddy Goodbye (1981): Insustancial película sobre una venganza de dos hermanos con poderes psíquicos.

La matanza de Texas, la nueva generación (1994): La actriz hace un cameo-homenaje en esta nefasta continuación de la saga sobre Leatherface.

De esta manera, la actriz norteamericana, a pesar de no haber desarrollado una carrera de cierta calidad dentro del cine de terror, si merece ocupar el puesto que ocupa gracias a un único papel, el de Sally en la Matanza de Texas original, donde da una lección magistral de reina del grito absoluta enfrentándose con uno de los tótems cinematográficos dentro del horror.

LA SEÑAL

LA SEÑAL - 2002 (105´)

Gore Verbinski, uno de esos directores todoterreno que lo mismo dirige con solvencia comedia que cine de aventuras e incluso animación se adentra en esta ocasión en el terror de la mano de este estupendo remake de la película de culto de Hideo Nakata  surgido en pleno auge del cine de horror japonés, logrando esta revisión captar esa personalidad tan característica de este tipo de películas, trasladándola a los estándares de Hollywood pero sin perder en el camino la esencia de terror psicológico presente en el título original estrenado en 1998. Naomi Watts nos brinda una excelente protagonista en esta lucha contrarreloj por tratar de contrarrestar una de esas maldiciones que parecen no poder eludirse. Un ejemplo de remake que logra no desmerecer respecto a la película de la que bebe, o lo que es lo mismo, un título que deja mal cuerpo tras su visionado.

EL MÁS ALLÁ

EL MÁS ALLÁ - 1981 (87´)

Lucio Fulci concluiría su trilogía de las Puertas del Infierno con un título donde queda patente su fuerza y talento a la hora de construir momentos antológicos dentro del cine de terror, pesando estas escenas independientes mucho más que una historia deslavazada y sin demasiado sentido. Así, con un estupendo prólogo que homenaje al Frankenstein de James Whale pasado por el salvaje estilo del cineasta italiano, a lo largo de la película se suceden numerosos momentos presididos por lo explícito, donde el realizador se regodea en el sufrimiento de las víctimas que se van sucediendo y con un protagonismo como nunca en su cine de las miradas, tanto  que acercan El más allá al característico estilo de primerísimos planos propios del cine de Sergio Leone. Catriona MacColl vuelve a protagonizar un título que dejaría patente el personal sello a la hora de rodar de un cineasta a tener en cuenta siempre que se aborda el cine de terror italiano de la década de los ochenta.

LOS OTROS

LOS OTROS - 2001 (104´)

Tras darse a conocer en España como uno de los cineastas más interesantes de su generación y despertar incluso la curiosidad del mismísimo Tom Cruise con la onírica Abre los ojos (1997), Alejandro Amenábar abordaría un título de terror que bebe del estilo de obras literarias como Otra vuelta de tuerca a la hora de construir un relato de fantasmas con una esencia netamente clásica en sus formas y desarrollo. Con Tom Cruise produciendo la película el cineasta pudo contar con el protagonismo de Nicole Kidman, quien compone uno de esos personajes atormentados y sufridores tan propios de la novela romántica del siglo XIX, siendo el peor lastre de un título que es un estupendo ejercicio dentro del subgénero de cine de fantasmas y casas encantadas el estreno poco antes de una película con la que comparte importantes nexos de unión, El sexto sentido (1999).  

LA MOSCA

LA MOSCA - 1986 (100´)

Remake de la película de Kurt Neumann estrenada en 1958 que supera a la original y que se enmarca como el mejor trabajo de David Cronenberg, quien llevaría la historia a su terreno, el de la metamorfosis y la Nueva Carne. Para ello contaría con unos soberbios efectos especiales y de maquillaje que muestran con todo lujo de detalles el proceso por el cual el personaje principal muta en un repugnante híbrido entre humano y mosca, acabando por pesar más el ADN del insecto. Una tragedia de amor y horror que contaría con la por aquel entonces pareja sentimental Jeff Goldblum y Geena Davis, quienes nos ofrecen en ambos casos dos de las mejores interpretaciones de su carrera. Y con una secuela estrenada tres años más tarde que, aunque inferior, no hay que desdeñar.  

HOUSE, UNA CASA ALUCINANTE

HOUSE, UNA CASA ALUCINANTE - 1986 (93´)

Steve Miner, tras dirigir las dos primeras secuelas de Viernes 13, nos ofrecería este híbrido entre comedia y terror que lograría convertirse en uno de los títulos de culto dentro del cine de terror de los ochenta. Y es que además del de Miner, en la película podemos encontrar nombres como los de Sean S. Cunningham en la producción, director precisamente de Viernes 13 (1980), Fred Dekker como autor de la historia original de la que parte el guion, quien ese mismo año dirigiría otro título de culto ochentero como es El terror llama a tu puerta o Harry Manfredini, autor de la icónica banda sonora de la saga de películas protagonizada por Jason Voorhees. El resultado no podía ser más disfrutable, un poster mítico y una historia de casas encantadas en la línea de títulos como Amityville o Poltergeist plagada de efectivos monstruos y un puñado de sustos para el recuerdo. Y por aquello de cerrar el círculo, con Kane Hooder como responsable de especialistas, quien daría vida al mismísimo Jason Voorhees en varias de las secuelas de Viernes 13.

TOGETHER

TOGETHER - 2025 (102´)

Un título que utiliza el terror corporal, en momentos recordándonos a la excelente Society (1989), para construir una metáfora alrededor de los problemas de pareja, logrando ofrecer un relato que dentro de su locura argumental funciona gracias al buen hacer y la complicidad entre Dave Franco y Alison Brie, productores de la película y pareja en la vida real. Contiene además varios momentos reseñables enclavados dentro de esa metamorfosis que sufren los dos protagonistas y que son refrendados por otras tantas secuencias rematadas en unos estupendos jump scares. Así, y parapetada tras un ejercicio de cine de terror maduro y con poso, nos encontramos en realidad con una película que habla sobre la incomunicación de la pareja, los objetivos vitales antagonistas y la capacidad de sacrificio por la pareja, o lo que es lo mismo, una historia de amor donde aquello de las almas gemelas es llevado hasta sus últimas consecuencias. 

PISCINA INFINITA

PISCINA INFINITA - 2023 (108´)

Brandon Cronenberg, hijo del director de La mosca (1986), continúa el legado de su padre y nos brinda un título que conjuga el género de la nueva carne con el body horror y una nada sutil crítica social contra la impunidad que otorgan el poder y el dinero. Para ello no escatima en imágenes violentas y provocadoras, llegando al extremo de incluir frames de sexo explícito. Filmada con pulcritud y estilo, aunque por momentos abuse de los efectos estroboscópicos, la película es cierto que va de más a menos, pero podemos concluir que funciona en todos y cada una de sus premisas, resultando grotesca, enfermiza y con ese punto de locura monopolizado por el personaje al que da vida Mia Goth. Por su parte Alexander Skarsgârd, protagonista de la historia, continúa interesándose por un tipo de papeles que le lleven al límite, y si hay un apellido que en su cine sea capaz de forzar esta idea al máximo ese es el de Cronenberg.

LA ADICCIÓN

LA ADICCIÓN - 1995 (88´)

El siempre personalísimo y por ello arriesgado Abel Ferrara crearía con La adicción su particular contribución a las películas de vampiros, quienes en esta ocasión presentan más problemas existencialistas que de sed de sangre. Cine de autor que como tal contaría con actores especializados en títulos de corte independiente caso de Lili Taylor, Annabella Sciorra y Christopher Walken, pero quienes no logran levantar una película excesivamente contemplativa, hierática y filmada, eso si, a golpe de un soberbio blanco y negro. Si eres fan de Ferrara puede que te llame la atención, si de quien eres fan es del cine de vampiros seguramente esta no sea la mejor de las elecciones.

RESIDENT EVIL EXTINCIÓN

RESIDENT EVIL EXTINCIÓN - 2007 (90´)

Russell Mulcahy, director de Los inmortales (1986), tomaría el relevo a Paul W. S. Anderson en la dirección llevando a la saga hacía unos vericuetos apocalípticos con influencias de las películas de Mad Max, aunque son igualmente apreciables apuntes a títulos como El día de los muertos (1985) e incluso Matrix (1999). La película, aunque sigue apuntando por la acción más que por el terror puro resulta más gore que sus predecesoras, e incluso los maquillajes de los muertos vivientes apuntan más a remarcar su podredumbre. Eso sí, Milla Jojovich sigue dando vida a un personaje con más elementos que la acercan a una súper heroína que a una mujer tratando de sobrevivir en pleno apocalipsis. Entretenimiento zombie con aires de cine de acción.

ESCALOFRÍOS

ESCALOFRÍOS – 2007 (87´)

Un funcional cuento de terror con aires del tipo de relatos escritos por Stephen King y que juega con la mitología de bosques encantados para contar una historia sencilla y que, aunque no deja huella en el espectador, está bien resuelta. Si bien es cierto que pudiera haber encajado más como historia corta dentro de una antología de relatos de miedo, su ajustado metraje y la manera en la que el director maneja la situación de estos dos jóvenes atrapados en medio de una carretera aislada en una noche invernal hace que la película acabe funcionando. Tiene además una de sus principales bazas en la presencia de una joven Emily Blunt como protagonista, quien, al igual que su compañero de reparto, logra brindar una interpretación que ayuda a generar empatía en el espectador por los designios de los dos infortunados. Puede resultar una buena opción para quien quiera iniciarse en el terror yendo de menos a más.

LA SECTA

LA SECTA – 1991 (116´)

Tercera de las cuatro películas que el italiano Michele Soavi dirigiría entre mediados de los ochenta y noventa enclavadas dentro del terror para posteriormente abandonar el género, las cuales conforman una filmografía cuando menos interesante. Este título es cierto que presta más atención a una trabajada puesta en escena que a un guion por momentos confuso y errático, pero es igualmente destacable como logra su objetivo de sumir al espectador en una pesadilla por momentos onírica por momentos caótica y  que bebe de películas como La semilla del diablo (1968) o Hellraiser (1987) así como del imaginario literario ideado por Lovecraft, todo ello para conformar un trabajo que aunque con altibajos en su metraje merece la pena visionar dentro de ese género italiano de horror eminentemente ochentero comandado por un Dario Argento que en este ocasión hace las veces de coguionista y productor. Como curiosidad decir que Kelly Curtis, protagonista de la cinta, es hermana de Jamie Lee Curtis, sufrida víctima de Michael Myers en La noche de Halloween (19878) e hija de Janet Leigh, acuchillada en la aclamada secuencia de la ducha en Psicosis (1960), con lo que la capacidad de sufrimiento que experimenta a lo largo de la película es cierto que le viene de familia.

SMILE 2

SMILE 2 – 2024 (127´)

Una secuela con la que Parker Finn, director y guionista, se corona con tan solo dos largometrajes como un cineasta a considerar dentro del género de terror. Su estilo visual, tal como dejaba entrever ya en Smile (2022), es apabullante a lo largo de toda la cinta, con ese soberbio plano secuencia con el que abre la película como exponente más destacado. La película logra erigirse como una secuela a la altura de la primera entrega a la que únicamente puede achacársele un exceso de metraje que hace se estire demasiado ese viaje a los infiernos de la protagonista, haciendo que en algunos momentos este pierda su impacto en el espectador. Destacar asimismo el excelente trabajo interpretativo de una Naomi Scott que lo da todo en su papel de estrella del pop Skye Riley, y que además carga sobre sus hombros con prácticamente todo el peso de la película, llegando inclusive a demostrar sus estupendas aptitudes para el baile y la canción. Un título que mantiene todas esas buenas impresiones que el debut de Parker Finn generaría en su momento, con lo que solo cabe desear que Smile 3, ya en preproducción, mantenga el nivel. Si es así podremos seguir sonriendo.     

GOMIA, TERROR EN EL MAR EGEO

GOMIA, TERROR EN EL MAR EGEO – 1980 (90´)

El prolífico Joe D´Amato, alias del italiano Aristide Massaccesi, dirigiría en Antropófago, título original de la película, uno de sus habituales títulos de explotación, género del que era un habitual. Una obra enclavada en el imaginario colectivo del fandom por haber sido incorporada al catálogo de video nasties creada en la década de los ochenta obteniendo con ello estatus de prohibida, así como por la existencia de dos impactantes secuencias que todo fan del género conoce. Más allá de dicha aura de película de culto se trata de un título resultón dentro del género al que representa, que en momentos funciona, como todo el tramo que transcurre durante una tormenta en plena noche, pero que por momentos resulta excesivamente estirada para de esta manera incorporar los citados momentos de violencia descarnada. Personajes nada interesantes, maquillaje sin pulir y efectos gore igualmente sencillos pero que funcionan por los momentos que enmarcan. Para un tipo de espectador de ese cine salvaje y sangriento que no exige grandes historias ni interpretaciones a la hora de disfrutar de una película nacida para provocar. Y vaya si lo consigue.

LA SEMANA DEL ASESINO

LA SEMANA DEL ASESINO – 1972 (102´)

Una película atípica escrita y dirigida por un cineasta atípico como lo fue Eloy de la Iglesia. Un proto slasher que se aleja de los arquetipos del subgénero y que se mueve entre el terror y el drama, siendo el asesino protagonista alguien que inicia su singladura criminal amparado en la mala suerte y lo único que puede hacer en su aciaga semana plagada de sangre y muerte es tirar para adelante. El galán Vicente Parra da vida a este lastimoso personaje, quien en el fondo es un pobre desgraciado a quien tener más pena que miedo, alguien en la línea del Hans Beckert de M, el vampiro de Düsseldorf. La película, a la que acompaña una acertada banda sonora que realza la sensación de desazón que vive el protagonista, no escatima en escenas brutales a la hora de recrear los asesinatos y el posterior ocultamiento en casa del asesino de los cadáveres, aunque posiblemente lo que más sobresalte al espectador actual sea la escena que tiene lugar en el matadero donde trabaja el personaje de Parra, donde no hay efectos ni trucajes y donde los animales son realmente eviscerados frente a la cámara.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?

¿QUIEN PUEDE MATAR A UN NIÑO? – 1976 (106´)

Una obra maestra del género que intuimos inspiraría al mismísimo Stephen King a la hora de escribir Los chicos del maíz, y que se inicia ya bajo unos títulos de crédito brutales de origen documental que atrapan al espectador y marcan el tono nihilista y violento que mantendrá la película. Chicho Ibáñez Serrador, responsable igualmente del guion, dirige con un oficio y una valentía envidiables, regalándonos un puñado de escenas que quedan grabadas a fuego en la hemeroteca como parte de lo mejor que ha dado el género. Más allá de los momentos de violencia seca y desagradable presente a lo largo de la trama, la película destaca por lograr imbuir en el espectador el mismo estado de desasosiego y ansiedad de la pareja protagonista, trasladando inclusive al otro lado de la pantalla ese clima seco y caluroso presente en la película. Una película de obligado visionado y que va más allá del propio género al que representa, dejando de manifiesto que a su realizador le bastarían dos películas, además de una serie para televisión de culto, para entrar en el Olimpo de los maestros del terror.  

DRACULA

DRACULA – 2025 (130´)

Una versión del icónico personaje creado por Bram Stocker que en cierta forma lo pervierte dejando de lado su lado más oscuro y terrorífico para centrarse en la historia de amor entre Vlad y Elisabetha, a quienes dan vida unos Caleb Landry Jones y Zoé Bleu Sidel que no nos acaban de convencer, quedándonos en ese sentido con la histriónica y alocada vampiresa a la que da vida Matilda De Angelis. El francés Luc Besson toma prestados elementos ya vistos en Dracula, la historia jamás contada (2014) pero especialmente en el Dracula de Francis Ford Coppola estrenado en 1992 para hacer una mezcla de géneros que además del terror y el romanticismo incluye la comedia y la acción en un batiburrillo que no acaba de funcionar. Lo mejor lo encontramos en una ambientación y en una puesta en escena que nos brinda varios momentos visualmente reseñables como el ataque del vampiro al convento o la persecución entre la nieve de Elisabetha por los otomanos. Gustara más a los fans del amor en el cine que de los vampiros.

POLTERGEIST 2, EL OTRO LADO

POLTERGEIST 2, EL OTRO LADO – 1986 (91´)

Obligada secuela del enorme éxito que fue Poltergeist y que sin embargo no contaría ya con la presencia ni de Tobe Hooper en la dirección ni de Steven Spielberg en labores de producción. La película continua ahí donde finalizó la película de 1982, pudiendo contar con los mismos protagonistas a excepción de una Dominique Dunne que sería asesinada a poco de filmar la primera Poltergeist y que daba vida a la hija mayor de la familia Feeling. Destacar en este sentido la incorporación de los personajes antagonistas a los que dan vida Will Sampson y especialmente un inquietante Julian Beck. La película logra resultar un digno entretenimiento aunque sin llegar a las cotas de excelencia alcanzadas por el título estrenado cuatro años antes, destacando unos efectos prácticos mucho más efectivos que un CGI demasiado poco creíble aunque funcional. Sería un tercer acto precipitado y sin demasiado sentido lo peor de un título que hará pasar un rato ameno a los fans de los espíritus burlones.  

LA NOVIA ENSANGRENTADA

LA NOVIA ENSANGRENTADA – 1972 (100´)

Una curiosa y personalísima revisión orquestada por Vicente Aranda, su única incursión en el género, de la novela Carmilla, y que toma elementos prestados del psicoanálisis, el surrealismo y el vampirismo para construir una rara avis dentro del fantaterror español. El director español no deja de lado ese erotismo tan patente en toda su filmografía, lo que ayuda a construir un relato malsano donde cabe destacar al personaje de una jovencísima Maribel Martin como víctima primero de los caprichos de su marido para acabar cobrándose venganza sobre todos los hombres que aparecen en la película y donde prima una cuasi obsesión por la castración masculina,  todo un ejercicio de mensaje feminista plagado de una roja y espesa sangre. Una interesante revisión del mito vampírico que baila entre varios géneros para ofrecer una película diferente, muy bien filmada, y por todo ello, enormemente interesante de descubrir.    

EL EXORCISTA DEL PAPA

EL EXORCISTA DEL PAPA – 2023 (103´)

Un título que no puede evitar retrotraernos a El exorcista (1973) o la saga de películas protagonizadas por el matrimonio Warren, lo cual no significa nos encontremos ante una simple copia de elementos ya vistos en estos títulos. En ese sentido la película pone las cartas sobre la mesa desde su estupendo prologo, presentándonos a un protagonista a quien da vida un estupendo y sarcástico Russell Crowe así como una escenografía a la hora de representar los exorcismos vistos en pantalla enormemente potentes. Si a todo ello sumamos un incomodo aura que planea durante toda la película así como varias secuencias abiertamente terroríficas, el resultado es una estupenda muestra dentro del cine de exorcismos que no queda frustrada siquiera a pesar de su pirotécnico y excesivo final ni con ese epílogo que deja de lado el terror para dar un final feliz y al más puro estilo buddy movie a la trama. Si te gusta el cine de posesiones demoniacas lo pasaras en grande con este exorcista, basado en un personaje real, enfrentado a un poderoso demonio de intenciones devastadoras.

BONE TOMAHAWK

BONE TOMAHAWK – 2015 (133´)

Un interesante híbrido de géneros que durante tres cuartas partes de metraje se erige como un vibrante western heredero del Centauros del desierto (1956) de John Ford para derivar en un survival horror que nos retrotrae indefectiblemente a títulos como La matanza de Texas (1974), Las colinas tienen ojos (1977) o Wrong Turn (2003). El debutante S. Craig Zahler, responsable asimismo del guion, logra armar un notable título a pesar de lo limitado de su presupuesto, siendo lo más reseñable el poder contar con un grupo de intérpretes de primer nivel liderados por Kurt Russell y a quienes convenció gracias a unos interesantes y muy bien escritos personajes. Un gore presente en limitadas pero impactantes secuencias hacen el resto a la hora de configurar este western que lleva al límite el antagonismo de los habitualmente villanos de la función, los indios.

DEAD SPACE PERDICION

DEAD SPACE PERDICION – 2008 (74´)

Película de animación lanzada en paralelo al videojuego del mismo nombre y que actúa como precuela de la historia narrada en el mismo. Con una influencia directa de Horizonte final (1997), nos encontramos con un festival de casquería y gore que se desarrolla en un escenario claustrofóbico y plagado de oscuridad, por lo que toma asimismo elementos de Alien, el octavo pasajero (1979). La animación es muy notable, brindándonos de esta manera Chuck Patton, su director, un trabajo fresco y disfrutable, y donde lo peor lo encontramos en una protagonista sin carisma y que de hecho genera cierta antipatía en el espectador, algo que se suple con toneladas de sangre, amputaciones y demás salvajadas mostradas a todo lujo de detalle en pantalla. Un título más que nos invita a no recoger ningún elemento extraño que nos encontremos en el espacio.

THE LORDS OF SALEM

THE LORDS OF SALEM – 2012 (96´)

Posiblemente el título más arriesgado dentro de la personalísima filmografía de Rob Zombie es este ejercicio donde el director hace un uso estridente y chirriante de las imágenes y la música para lograr desarmar al espectador. Una película que se parapeta una vez más tras el cine de la década de los setenta a la hora no solo de ubicar la historia, sino de tomar los elementos que compondrán este viaje a los infiernos de una Sheri Moon Zombie quien, en su primer protagonista, demuestra ciertas carencias interpretativas. Por contra podemos deleitarnos con la presencia de varios nombres icónicos dentro del cine de terror, una de las marcas de la casa de Zombie, pudiendo encontrar entre el reparto a Dee Wallace, Michael Berryman, Sid Haig o Barbara Crampton. Con un final que es un auténtico delirio en todos los sentidos, The lords ords of Salem destaca principalmente por ser capaz de mantener durante todo su metraje un aire malsano, incomodo e inquietante, que es al fin y al cabo a lo que aspira el cine de terror.

LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA

LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA – 1972 (80´)

Wes Craven y Sean S. Cunningham, dos de los principales representantes del cine de terror de la década de los setenta y ochenta trabajarían juntos en este inconfeso remake de la película de Bergman El manantial de la doncella (1959) para ofrecernos, varios años antes de La violencia del sexo (1978) un brutal y desalmado ejercicio de rape and revenge. El aire amateur que destila la película tanto a nivel técnico como interpretativo potencia la idea de relato casi documental de lo que acontece en pantalla, potenciando con ello su salvaje impacto en el espectador. Una revisión de la mitología de los cuentos clásicos como modo de prevenir y advertir a las jovencitas para no salir solas de casa sino querían estar expuestas a horribles peligros, que es lo que les sucederá a las dos protagonistas de la película. Y adelantándose igualmente un par de años al uso letal que se haría de la motosierra en La matanza de Texas (1974).

LINDA BLAIR

Linda Blair es un caso de intérprete ciertamente prototípico, aquel que logra un éxito de tal calado gracias a un determinado papel que hace que este exitoso rol le persiga durante toda su carrera profesional. A esta intérprete le sucedió con Regan MacNeil, la niña poseída protagonista de El exorcista (1973), interpretación que le valdría un Globo de Oro y una nominación al Oscar con tan solo trece años. Pero este papel marcaría igualmente su carrera para siempre, una interpretación que a día de hoy aún la persigue.

La actriz no supo o no pudo hallar su camino en la industria del cine tras un debut tan exitoso, y tras varias interpretaciones notables como eterna adolescente atormentada, repitiendo de esta manera el tipo de rol que la encumbró, destacando de estos años por su calidad y polémica el telefilm Nacida inocente estrenado en 1974. Los años ochenta supusieron un intento de cambio de registro por parte de la actriz que no dudo en utilizar un cuerpo voluptuoso para tratar de alcanzar papeles que la alejaran de esa vertiente de eterna adolescente, siendo la mayoría de títulos en los que participaría lamentables cintas de serie Z y cine de explotación donde la actriz es usada como mero reclamo publicitario, entrando en una declive profesional que la ha llevado hasta nuestros días.  

Mucho se ha hablado de la leyenda negra de Linda Blair, y es que se la ha tachado de adicta a multitud de sustancias, loca e incluso se ha llegado a afirmar su fallecimiento, jugando de esta manera con la etiqueta d maldita de la película que la encumbró, y si bien es cierto que tuvo problemas con la justicia, como ella misma reconoce por estar en el lugar y momento equivocados, su vida no ha sido ni de lejos tan oscura como se cuenta en algún medio, aunque sí es cierto que la fama que la acarreó El exorcista la hizo pagar un caro peaje.

A destacar entre su filmografía y dentro del género de terror y fantástico los siguientes títulos:

El Exorcista (1973): Una obra maestra del cine y para muchos la mejor película de terror jamás rodada.

El Exorcista II, El Hereje (1977): Tras rechazar varias veces participar en su secuela, Blair aceptó finalmente trabajar en esta segunda parte, y que merece un visionado a pesar que la crítica la destrozó en su momento precisamente por intentar hacer algo diferente a la primera película.

Noche infernal (1981): Tontorrona cinta de corte slasher llena de prototipos y donde Blair es utilizada como mero cebo comercial

Grotesque (1988): Otra muesca más en la terrible carrera interpretativa de Blair tras sus primeros papeles.

Reposeida (1990): Harta del terror de serie Z Blair decide reírse de sí misma en esta alocada comedia de humor absurdo enclavado en el subgénero de las spoof movies y donde solo la presencia de Leslie Nielsen la salva del descalabro más absoluto.

Scream, vigila quien llama (1996): Cameo casi imperceptible en la cinta que revitalizó el género slasher en la década de los noventa.

Cada día más alejada del mundo de la interpretación y más centrada en la televisión que en el cine, Blair está totalmente volcada en su faceta más humanitaria, al mando de la asociación que ella misma creó y que recoge y ayuda a animales abandonados. Aunque posiblemente a su pesar siempre será para el aficionado al género la Regan MacNeil de esa obra maestra que es El exorcista.

NOCHE DE MIEDO

NOCHE DE MIEDO – 1985 (106´)

A Tom Holland le bastaron dos películas para convertirse en uno de los referentes del cine terror ochentero, una es Muñeco diabólico (1988) y la otra el título que nos ocupa, una de las películas de vampiros de referencia de aquella década. Con una mezcla de géneros que funciona a la perfección pasando de la comedia juvenil al terror e incluso el drama, son varios los elementos que conjugados han convertido a Noche de miedo en título de culto. De una parte una colección de personajes con los que empatizar y que nos importan realmente, comenzando por un genial Roddy McDowell homenajeando a los dos intérpretes más canónicos de la productora Hammer, Christopher Lee y Peter Cushing, contando asimismo con un villano de altura. No podemos asimismo obviar unos efectos visuales y de maquillaje igual de efectivos y resultones que en el momento de su estreno hace ya cuarenta años. En resumen, un título igual de disfrutable hoy día a pesar de sus numerosos visionados y que generaría una secuela y un remake tres décadas más tarde y que se antoja como toda una carta de amor al género.

LA AUTOPSIA DE JANE DONE

LA AUTOPSIA DE JANE DONE – 2016 (86´)

Una de esas agradables y aterradoras sorpresas que hacen recobres la esperanza por el género de terror cuándo crees ya lo has visto todo. La película del noruego Andre Ovedal, responsable de Trollhunter (2013), presenta una primera parte, toda aquella vinculada a la propia autopsia de Jane Done, que es todo un ejemplo de manejo de la tensión y el suspense, pero es que una vez el terror toma el control de la historia la cinta continua manteniendo un enorme interés. El buen hacer a la hora de dirigir de Ovedal y la manera en que dibuja las secuencias para lograr inquietar al espectador, con estupendos jumpscares incluidos, es otro de los motivos de que una historia que se desarrolla en apenas unas pocas horas y en un único espacio, te mantenga pegado a la butaca de inicio a fin, haciéndote sentir como el tercer integrante del equipo forense, aunque deseando no correr su misma suerte.

LA CASA DE LOS 1000 CADÁVERES

LA CASA DE LOS 1000 CADÁVERES – 2000 (85´)

El debut en la dirección del músico Rob Zombie no pudo ser más satisfactorio gracias a un título que homenajea sin complejos de ningún tipo el cine de terror de la década de los setenta con La matanza de Texas (1974) a la cabeza y que en el fondo es una carta de amor al género. Con un estilo visual que se convertiría en marca de la casa en la filmografía de Zombie, no podemos obviar la colección de personajes enfermizos que conforman a la atípica familia Firefly, a quienes darían vida actores icónicos como Sid Haig, Karen Black, Tom Towles o Bill Moseley, siendo igualmente llamativo el personaje de una Sheri Moon Zombie convertida en musa dentro de la filmografía de su marido. Un título que daría un giro de cieno ochenta grados a ese cine de terror norteamericano más naif que venía fraguándose en la década de los noventa y que tuvo que esperar varios años antes de poder ser estrenado dado que ningún estudio quería lanzarlo por su nivel de violencia y sadismo. Podemos confirmar que la espera mereció la pena.

LA NOCHE DEL DEMONIO

LA NOCHE DEL DEMONIO – 1957 (95´)

Tras películas claves dentro del género como La mujer pantera (1942) o Yo anduve con un zombie (1943), el francés Jacques Tourneur volvería al género con este excelente título versado en la brujería y la demonología. A pesar de las presiones de los productores para que el cineasta dejara de lado un estilo donde la sugestión al espectador prima a la hora de generar el terror, algo que se evidencia con la presencia reiterada de la figura del demonio, Tourneur mantiene una vez más su particular modo de entender el género logrando una colección de secuencias para el recuerdo. Reseñar por último que la presencia constante de la diatriba entre lo racional y lo irracional así como ese final entre las vías del tren y otras ideas presentes en la película nos llevan a pensar que Raimi tomó mucho de esta película a la hora de rodar Arrástrame al infierno (2009).

LA MÁSCARA DE LA MUERTE ROJA

LA MÁSCARA DE LA MUERTE ROJA – 1964 (88´)

Título que cerraría el ciclo de películas que Roger Corman dedicaría a la obra de Edgard Allan Poe y que si bien se basa en el cuento del mismo título presenta elementos de otros relatos del escritor nacido en Baltimore. La película destaca por un colorido estilo visual que encaja a la perfección con la estética onírica y cercana a lo teatral que presenta Corman, siendo un título que se apoya más que en golpes de efecto en recrear el ambiente malsano del castillo en el que el grupo de nobles encabezados por el príncipe Próspero, un inconmensurable Vincent Price, tratan de escapar de la muerte roja que da título a la película. Un título cercano en ideas a El séptimo sello (1957) y que manifiesta cierta influencia en sus formas del cine de la Hammer que se estaba estrenando en aquellos años.

 

GUERRA MUNDIAL Z

GUERRA MUNDIAL Z – 2013 (116´)

Dejando de lado que la película no logra captar la esencia ni el estilo de la novela de Max Brooks en la que se basa, por otra parte un libro que debido a su particular estilo hubiera encontrado un mejor medio de adaptación en el formato de serie para televisión, nos encontramos en Guerra mundial Z con una de las obras magnas del cine zombie de los últimos años. Un título frenético que casi desde su primera secuencia te lanza a un viaje adrenalítico y plagado de enormes secuencias de acción, suspense y terror, todas ellas de la mano de un omnipresente y estupendo Brad Pitt. Y es la suma de todos estos momentos de ataques zombies, algunos de ellos mostrados como nunca habíamos visto en cine, lo que hace de Guerra mundial Z un deleite para el aficionado de este tipo de películas. Un título de obligado visionado si eres fan del cine de zombies, aunque nos metan uno de los product placement más descarados de la historia del cine.

APOCALIPSIS Z, EL PRINCIPIO DEL FÍN

APOCALIPSIS Z, EL PRINCIPIO DEL FÍN – 2024 (112´)

Adaptación de la obra literaria de Manel Loureiro, una de las sagas sobre zombies más frescas de los últimos años. La película, influenciadas igualmente por lo vivido a raíz del Covid, trata de captar el estilo que la lectura de estos libros transmite al espectador y lo consigue al menos en parte, demostrando igualmente la capacidad de nuestro cine para poder abordar cualquier tipo de género y hacerlo bien. Un entretenido ejercicio de cine patrio sobre este subgénero dentro del terror tan en boga en los últimos años y que si bien deja en algún momento la sensación de poder haber ido un poco más allá, supone una demostración de que todavía no se ha dicho todo en el cine, ni en otros medios como la literatura, los comics o los videojuegos, sobre estas criaturas.   

EL SEÑOR DE LAS ILUSIONES

EL SEÑOR DE LAS ILUSIONES – 1995 (115´)

Una de las pocas incursiones del escritor Clive Barker detrás de las cámaras y que, como sucede con el resto de su filmografía, es un notable ejercicio dentro del género de terror. Con aires de la película El corazón del Ángel (1987) en tanto la historia maneja además arquetipos del cine negro con personajes como los del detective privado o la femme fattale, nos encontramos con un título que nos atrapa desde su acertado prólogo y al que conviene dejarse arrastrar para captar todo ese mundo de pesadilla creado por la febril mente de su director y guionista. ¿Un pero? Unos efectos infográficos que a día de hoy resultan algo acartonados, pero que no impiden disfrutar de una imaginativa, alocada y pesadillesca película dentro del género y con un mago sin cartas ocultas en la manga.

ANNABELLE

ANNABELLE - 2014 (92´)

Spin off nacido del éxito de Expediente Warren (2013) y que se inspira en una historia real, la de una muñeca de trapo presuntamente poseída y que aquí es convenientemente reconvertida en una muñeca de porcelana por presentar de inicio una imagen mucho más interiorizada dentro de nuestros miedos más atávicos. La película, dirigida por un John R. Leonetti que ha colaborado como director de fotografía en numerosas ocasiones con James Wan, creador de esta franquicia dentro del género, es un interesante ejercicio que pone su mirada en el cine de terror de los setenta para, en líneas generales, apostar por un clima de tensión que acabe desembocando en una colección de secuencias que incorporan uno atinados jump scares. Un muy buen complemento para la serie de película protagonizadas por los Warren y que a su vez generaría su propia saga con, por el momento, tres películas.

WITCHTRAP

WITCHTRAP - 1989 (92´)

Escrita y dirigida por un Kevin Tenney responsable de la celebrada La noche de los demonios (1988), se trata de un ejercicio de cine con casa encantada y fantasma de por medio que en su falta de pretensiones encuentra su principal virtud. Por contra su principal lastre lo hayamos en un villano sin carisma ni fuerza y en la inserción forzada de escenas que, bien carecen de sentido para la trama, bien muestran una ligereza que no viene a cuento ya que desmontan el aura terrorífica de la trama. Muertes originales, en algún caso homenajeando a Scanners (1981), el esperado desnudo de la por aquel entonces habitual Linnea Quigley y un estilo que bascula abiertamente hacía lo que veríamos en los primeros noventa son los principales cebos a remarcar en una de esas películas que se ven sin resultar tediosas pero que se olvidan tan pronto comienzan a asomar los títulos de crédito finales.