HALF MOON (Half moon, 2010) 80´

“There´s some more dangerous out in the streets tonight” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-Jason Toler 

Guion-Jason Toler 

Fotografía-Andy Patch 

Música-Jason Toler 

Producción-Matt Barnes/Warren Sheppard 

INTERPRÉTES 

Tori Black (Rose) 

Marek Matousek (Jacob) 

Torey D. Sutton (Kevin) 

Nicki Hunter (Tammy) 

SINOPSIS 

Rose es una prostituta que se encuentra con un cliente en una habitación de una pensión. Tras varias horas de conversación mantienen un encuentro sexual tras el cual la joven descubre en una maleta en el lavabo cuerdas, cinta aislante y otros elementos que la hacen creer que al otro lado de la puerta se encuentra alguien con intenciones oscuras. Cuando pide explicaciones al cliente pistola en mano este le confiesa que todo ese material es para si mismo. 

CRITICA 

Nefasta producción de infame resultado final cuyo único reclamo es la participación como actrices principales de varias intérpretes provenientes del cine X. Jason Toler, su máximo artífice, se sirve de una excusa argumental que aunque banal, en otras manos podría haber dado como resultado un interesante mediometraje, ya que la trama no da para más allá de treinta o cuarenta minutos de historia, por lo que si bien en este caso la cinta dura únicamente hora y veinte minutos podemos hablar de un metraje excesivo para lo que cuenta. Toler trata de esta manera de conferir minutaje mediante secuencias alargadas hasta el tedio, como prueba la larga y soporífera conversación entre la pareja protagonista ante la improvisada cena en la habitación del motel. 

De esta manera tras más de una hora de secuencias estiradas como un chicle y tas la inserción de la esperada secuencia de sexo (siendo la protagonista Tori Black una estrella del porno esta escena era casi obligada) tiene lugar la transformación del protagonista en hombre lobo donde hacen su aparición unos efectos visuales muy pobres y una caracterización francamente mal resuelta, lo que nos lleva a esperar el final para acabar con el sufrimiento que supone el visionado de una película con tantas carencias y que además resulta aburrida desde su propio arranque. 

Como se comentaba anteriormente la actriz de cine para adultos Tori Black demuestra una capacidad interpretativa muy limitada y pobre, no siendo sin embargo la peor del elenco de actores. Sin embargo el director explota al máximo su presencia ofreciendo un par de secuencias donde la actriz demuestra su sex appeal siendo curiosamente dichas escenas las mejor montadas y planificadas de la película. 

Una película desaconsejable al ciento por cien y que únicamente aportara algo a fans completistas de la actriz Tori Black. 

ESCENA PARA EL RECUERDO: ¿La conversión de Jacob en hombre lobo? 

APLAUDIMOS: Decir que lo mejor de toda la cinta es el diseño del poster promocional deja a las claras el empaque del resultado final perpetrado por Jason Toler. 

DENUNCIAMOS: Que una idea simplona y mal escrita sea además vilipendiada con una falta absoluta de conocimientos cinematográficos e interpretativos, lo que viene a ser algo así como todo. UNA 

CURIOSIDAD: El hombre lobo de la película nos recuerda en su simplicidad y tosco diseño a las criaturas de otra cinta de serie Z como es Werewolf in a woman´s prison (2006). 

LA FRASE: “Por favor, coge el dinero y vete” (Jacob) 

VALORACION: 1,25

EL HIJO DE KONG (The son of Kong, 1933) 70´

“New thrills!New adventure!New romance!” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-Ernest B. Schoedsack 

Guion-Ruth Rose 

Fotografía-Edward Linden/J. O. Taylor/Vernon L. Walker 

Música-Max Steiner 

Producción-Merian C. Cooper/Ernest B. Schoedsack 

INTERPRÉTES 

Robert Armstrong (Carl Denham) 

Helen Mack (Helene Peterson) 

Frank Reicher (Capitán Englehorn) 

John Marston (Capitán Nils Helstrom) 

Victor Wong (Charlie) 

Ed Brady (Bo´Sun Red) 

SINOPSIS 

Desbordado por los problemas legales tras la tragedia en que se convirtió la presentación de King Kong en Nueva York, el director Carl Denham decide dejar la ciudad embarcando junto a su amigo el capitán Englehorn rumbo a los mares del Sur. En su travesía conocerán a varios compañeros de viaje hasta que por azares del destino acaban recalando en la isla Calavera, hogar de King Kong. 

CRITICA 

Inmediata secuela del clásico King Kong que fue estrenado el mismo año que este, nos encontramos ante una amable segunda parte que sin contar con el aura mítica que destila la película original sí que se ofrece como un entretenido ejercicio de cine de aventuras. La película cuenta con una primera parte que narra el periplo de los protagonistas antes de llegar a la isla de la Calavera adentrándose en las relaciones entre estos personajes a lo largo del viaje. Es de recibo avisar sobre este hecho ya que la criatura albina que da título a la cinta aparece por vez primera casi a los tres cuartos de hora de una cinta que no llega a la hora y veinte, por otra parte hora y veinte de simpático cine sin más pretensiones que la de entretener y seguir experimentando con las técnicas que despuntaron con King Kong, especialmente el manejo del stop motion. 

Se intuye que los responsables de la animación han aprendido de los errores del pasado mostrándose una técnica algo más depurada y limpia especialmente en los evidentes saltos de fotograma tan plausibles en la cinta anterior. Podemos en este terreno volver a disfrutar de varios combates entre el pequeño Kong con otras criaturas de su hábitat, siendo esta parte la más reseñable y esperara de la cinta. 

Repiten papel varios de los componentes de la primera entrega, siendo sustituida Fray Wray por Helene Peterson, más encomendada a aportar un rol romántico que de sufrida scream queen, ya que en ningún momento se enfrenta a los peligros que vivió su antecesora. Robert Armstrong en el papel de Carl Denham vuelve a ser de lo mejor en el terreno interpretativo. 

Una amable continuación que sirve como ameno complemento pero que se aleja tanto de los temas tratados en King Kong, siendo en este sentido una obra menor más cercana al humor y con cierto aire pueril en la relación entre Kong y los protagonistas que rehúye el tono violento y erótico de la película anterior, como del resultado final que hizo de su antecesora una obra maestra perdurable del cine. 

ESCENA PARA EL RECUERDO: Una secuencia realmente simpática y que provoca la sonrisa del espectador es el espectáculo de la danza del vientre protagonizado por el cuarteto de monos. 

APLAUDIMOS: Ofrece ligeras mejoras en la técnica de stop motion en relación a King Kong notándose menos los cambios de fotograma. 

DENUNCIAMOS: No llega siquiera a acercarse al King Kong original. Un final abrupto y demasiado forzado. 

UNA CURIOSIDAD: Dirige en solitario Ernest B. Schoedsack, quedándose en el camino Merian C. Cooper, un auténtico aventurero más que cineasta cuya ausencia en esta secuela y sus resultados evidencian que buena parte del éxito de King Kong se debió a su aportación. 

LA FRASE: “¿Qué si alguna vez he capturado un mono? Señora, se sorprendería…” (Carl Denham) 

VALORACION: 6,5 (King Kong versión infantil) 

 WEB: http://www.kongisking.net/index.shtml

HOUSE ON HAUNTED HILL (House on Haunted Hill, 1999) 89´

“El mal te invita a su fiesta” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-William Malone 

Guión-Dick Beebe 

Fotografía-Rick Bota 

Música-Don Davies 

Producción-Robert Zemeckis/Joel Silver/Gilbert Adler 

INTERPRÉTES 

Geofrey Rush (Steven Price)

Famke Janssen (Evelyn)

Ali Larter (Sara Wolf)

Taye Diggs (Eddie Baker)

Peter Gallagher (Donald W. Blackburn)

Chris Kattan (Watson Pritchett)

Bridgette Wilson (Melissa Margaret Marr)

Max Perlich (Carl Schecter)

Jeffrey Combs (Doctor Richard Benjamin Vannacutt)

SINOPSIS 

El Instituto Psiquiátrico Vannacutt en el que se cometieron toda una serie de excesos enmascarados como medicina, lleva varias décadas cerrado tras un devastador incendio que arrasó el lugar. Para colmar los retorcidos deseos de su esposa, un multimillonario de los parques temáticos decide organizar allí su fiesta de cumpleaños, pero nadie imagina lo que las paredes del viejo manicomio esconden tras de si. 

CRITICA 

Una revisión del clásico de 1959 dirigido por William Castle y que inició la andadura de Dark Castle, productora auspiciada por los productores Zemeckis, Silver y Adler, cuya intención era rescatar para el cine el género de fantasmas, ofreciendo un rejuvenecimiento visual de clásicos de este subgénero. En esta misma línea se encuentran las coetáneas 13 fantasmas (2001) o Barco fantasma (2002). 

Su director, William Malone se apoya sustancialmente en un estilo visual propio donde la propia arquitectura de la casa protagonista es un perfecto ejemplo además de una forma de plasmar en pantalla la presencia de los fantasmas que potencia su impacto inicial. Esto añadido a una inquietante partitura musical dota al conjunto de un tenebroso trasfondo al que hay que añadir los sangrientos efectos especiales obra de la empresa KNB. Este conjunto solo se ve lastrado en la parte final donde ganan enteros los fuegos de artificio frente al terror psicológico, logrando sin embargo en conjunto atrapar al espectador en la dinámica de una historia simple pero efectista y bien resuelta. 

Entre un discreto elenco de actores cabe destacar a la pareja protagonista, un matrimonio que se profesa un recíproco odio mortal y a los que prestan las mejores interpretaciones de la cinta un Geofrey Rush totalmente paródico y una Famke Janssen a quien le sienta como un guante el papel de femme fattale. Aparición del icónico Jeffrey Combs, inolvidable protagonista de la saga Reanimator. 

Amena película sobre casas encantadas cuyo principal lastre es entrar en la idea de tener que someterse a un estilo en cuanto a desarrollo y efectos que certifiquen su modernidad, pudiendo haber resultado una obra más interesante de haber inclinado la balanza hacía el terror más clásico potenciado con algún efecto impactante. 

Para los que gustan de no levantarse de la sala hasta finalizados los títulos de crédito finales guarda tras estos un guiño para los espectadores más pacientes. 

Escena: Las delirantes alucinaciones sufridas por Steven Price en el interior de la cámara de saturación, donde el director pone toda la carne en el asador para lograr desasosegar al espectador mediante la saturación visual. 

Puntos Fuertes: Las interpretaciones carismáticas de Rush y Janssen. La historia sobre la que se cimenta la leyenda de la casa. 

Puntos Débiles: Un final que se desliga del estilo del resto de película apostando por el exceso y los fuegos fatuos. 

Curiosidad: El homenaje a la cinta original se sustenta en el personaje interpretado por Geofrey Rush, quien además de adoptar el apellido del protagonista de la película de 1959 Vincent Price se ha caracterizado con el peculiar bigote del excelente actor. 

La Frase: “Quien muere pierde” (Steven Price) 

Valoración: 6.75 (Entretenida revisión de un clásico del terror) 

EL HOMBRE DE ACERO (Man of steel, 2013) 144´

“In time you will help them accomplish wonders” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-Zack Snyder 

Guión-David S. Goyer 

Fotografía-Amir Mokri 

Música-Hans Zimmer 

Producción-Christopher Nolan/Charles Roven/Deborah Snyder/Emma Thomas 

INTERPRÉTES 

Henry Cavill (Superman/Kal-El)

Amy Adams (Lois Lane)

Michael Shannon (General Zod)

Russell Crowe (Jor-El)

Kevin Costner (Jonathan Kent)

Diane Lane (Martha Kent)

Laurence Fishburne (Perry White)

Antje Traue (Faora-Ul)

Richard Schiff (Dr. Emil Hamilton)

Harry Lennix (General Swanwick)

Ayelet Zurer (Lara Lor-Van)

SINOPSIS 

El planeta Krypton está a punto de extinguirse ya que ha consumido todos sus recursos y todo ello en medio de una revuelta que trata de derrocar el poder establecido y que lidera el General Zod, máximo responsable militar del planeta. Es por ello que el científico Jor-El y su esposa Lara desobedeciendo la ley que dictamina que todos los nacidos en Krypton han de hacerlo por fecundación in vitro, tienen un hijo por vía natural al que enviaran a la Tierra confiando en que ayude a no repetir los errores que llevaron a la auto extinción de su planeta. 

CRITICA 

Ambicioso proyecto que pivota sobre tres nombres, los de Christopher Nolan y David S. Goyer, responsables del guion y dirección de la magnífica trilogía sobre Batman protagonizada por Christian Bale y Zack Snyder cuya capacidad como creador visual ha dado títulos tan impactantes como 300 (2006) o Watchmen (2009). 

La película logra reacciones contrapuestas, ya que hay que destacar su capacidad como espectáculo pirotécnico amen de ciertos aciertos en la historia y forma de plasmarla así como en el casting de intérpretes, su mayor pero estriba en un guion con demasiadas lagunas y que trata de abarcar muchos acontecimientos, lo que le lleva a pasar por puntos fundamentales (como por ejemplo la presentación en sociedad de Superman) casi de soslayo. 

Efectivamente, en el apartado de aciertos encontramos una personalidad propia, que se aleja conscientemente de la iconografía creada por Donner para el clásico de 1978, y que nos ofrece por ejemplo un Krypton orgánico, donde naturaleza y tecnología se fusionan en un universo lejano al frío planeta de hielo al que estábamos acostumbrados. El diseño de vestuario es igualmente acertado, tanto en las vestimentas de los kryptonianos como en el propio traje de Superman, más acorde con los gustos actuales. Asimismo Hans Zimmer vuelve a ofrecer una banda sonora llena de fanfarria, percusión y épica que encaja a la perfección en este tipo de productos, al igual que ya hiciera en la citada trilogía sobre el Hombre murciélago. La idea de narrar toda la parte que cubre la infancia y juventud de Clark Kent mediante el uso de flashbacks posibilita desechar una narrativa lineal que habría demorado en demasiado el desarrollo de la trama, además de incluir momentos de reposo en un montaje demasiado frenético. 

Por el contrario y como ya se apuntaba anteriormente, la historia hace agua por demasiados sitios, hay momentos en los que la trama apenas avanza para de repente y en diez minutos pegar un salto cuantitativo, precisamente en momentos claves de la cinta. Se puede achacar ciertas licencias en el guion en las que se ha buscado el camino fácil, algo que no puede dejarse pasar en una super producción como la presente. A esto se une un manejo de la cámara desenfrenado y que en ocasiones imposibilita al espectador ser testigos de lo que sucede en pantalla. 

En cuanto al reparto, destacar a Henry Cavill como un Superman creíble tanto en el terreno físico (sin dudas el Superman más excesivo en ese ámbito) como dramático, brindando una interpretación contenida y alejada del tono más ligero de Reeve, el gran referente en este sentido. Amy Adams se antoja una Lois Lane demasiado utilizada en la trama lo que provoca genere cierta antipatía por el abuso que hace la historia de ella y en cuánto a Michael Shannon compone un General Zod grave y profundo, muy en línea con el tono que busca la cinta. Destacar la importancia que tienen en la historia los padres tanto naturales como adoptivos de Superman, con excelentes interpretaciones de Crowe, Lane y Costner. 

Una cinta que deja con cierta sensación de creer que podía haber dado más de sí, pero que hace mantengamos la esperanza de poder ver una secuela (de llegar a rodarse que parece ser que sí) que lleve al personaje y la historia a su máxima expresión. Si habría una frase que resumiera las sensaciones de este esperado reboot es la de que va de más a menos. 

Escena: El climax final con la batalla entre Superman y Zod donde los daños colaterales se cuentan por millares, auténtico cine espectáculo. 

Puntos Fuertes: La forma en que presenta la niñez y juventud de Clark a base de flashbacks. Su espectacularidad, que nos ofrece por fin que supondría para los humanos una pelea entre seres tan poderosos como Superman y Zod. 

Puntos Débiles: Unos agujeros de guion imperdonables en una producción de este calado provocados por el hecho de querer abarcar demasiado en una sola película. 

Curiosidad: Durante la brutal pelea entre Superman y el General Zod podemos ver como vuela un camión cisterna perteneciente a la compañía Lex Corp, ¿un guiño ante una previsible secuela? 

La Frase: “Sera un Dios para ellos” (Jor-El) 

Valoración: 7.75 (Sorprende y defrauda a partes iguales) 

 Web: http://manofsteel.warnerbros.com/index.html

HATCHET 3 (Hatchet 3, 2013) 81´

“The legend never dies” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-B.J. McDonnell 

Guión-Adam Green 

Fotografía-Will Barratt 

Música-Scott Glasgow 

Producción-Sarah Elbert 

INTERPRÉTES 

Danielle Harris (Marybeth)

Kane Hodder (Victor Cromley)

Zach Galligan (Sheriff Fowler)

Caroline Williams (Amanda)

Parry Shen (Andrew)

Robert Diago DoQui (Agente Winslow)

Derek Mears (Hawes)

Rileah Vanderbilt (Dougherty)

SINOPSIS 

Tras haber acabado con la vida de Victor Cromley, Marybeth llega hasta una comisaria de Nueva Orleans donde se entrega relatando los terribles acontecimientos que acaba de vivir. Tras su declaración un equipo de policías y paramédicos se trasladan hasta los pantanos para corroborar la historia de la joven. Lo que ninguno sabe es que Cromley no puede morir y está dispuesto a continuar con su masacre. 

CRITICA 

Tercera entrega de una entretenida saga que sin embargo en esta ocasión no aporta nada nuevo más allá de un nuevo festival de descuartizamientos y desmembramientos por obra y gracias de un Victor Cromley que se erige en único protagonista de la historia. La pueril excusa argumental que trata de inmortalizar al personaje y justificar una nueva matanza, así como la absurda forma de acabar definitivamente con el planteada en la cinta dejan al descubierto que el único interés de sus responsables es dar un nuevo festival al goremaniaco de pro. 

En este sentido no caben reproches, decapitaciones, desmembramientos, evisceraciones y demás muertes terribles son mostradas en pantalla con todo lujo de detalle. Por el contrario la cinta cae varios enteros en el momento en que nos alejamos de los pantanos para tratar de desarrollar la absurda trama paralela que trata de ampliar el flocklore de una criatura que no da para más giros de guion. 

La saga iniciada por Adam Green, quien en esta ocasión se ha limitado a escribir la historia y ser uno de sus productores, vuelve a regalarnos además numerosos cameos e interpretaciones de actores clásicos del género como Derek Mears (Viernes 13, 2009), Sid Haig (La casa de los 1000 cadáveres, 2003), Caroline Williams (La matanza de Texas 2, 1986) o Zach Galligan (Gremlins, 1984) son comandados nuevamente por una Danielle Harris que lamentablemente pierde buena parte de su protagonismo en pos de personajes bastante menos interesantes. 

Una tercera entrega que para ser más disfrutada hace recomendable haber visionado previamente las dos entregas anteriores, tanto por la presentación de la trama como por los guiños que aparecen en la película por momentos. 

Escena: Varios miembros del SWAT atacan a Cromley quien se deshace de todos de un golpe acabando con sus vidas en apenas segundos. 

Puntos Fuertes: Toneladas de gore y un cada vez más carismático Victor Cromley que no solo no ha perdido un ápice de su presencia terrorífica, sino que ha visto engrandecida esta con el discurrir de las diferentes películas. 

Puntos Débiles: Todo aquel pasaje que no tiene lugar durante la cacería de Victor Cromley. Curiosidad: La actriz Rileah Vanderbilt que en esta ocasión da vida a la agente Dougherty ya había participado en las anteriores entregas de la saga interpretando curiosamente al joven Victor Cromley. 

La Frase: “¡Aquí esta papa hijo de puta!” (Marybeth) 

Valoración: 5.75 (No aporta nada nuevo a la saga salvo más toneladas de sangre) 

Web: http://www.hatchet3.com/

 

LOS HAMILTONS (The Hamiltons, 2006) 86´

“Their loss is your pain” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-The butcher brothers 

Guión-The butcher brothers/Adam Weis 

Fotografía-Michael Maley 

Música-Nathan Montiel/Joshua Myers 

Producción-The butcher brothers 

INTERPRÉTES 

Cory Knauf (Francis Hamilton)

Samuel Child (David Hamilton)

Joseph McKelheer (Wendell Hamilton)

Mackenzie Firgens (Darlene Hamilton)

Rebekah Hoyle (Samantha Teal)

Brittany Daniel (Dani Cummings)

Al Liner (Paul Gleen)

Jena Hunt (Kitty Davies)

SINOPSIS 

Los Hamiltons son una familia prototípica que tras la muerte de los padres ve como los roles han de cambiar para adaptarse a la nueva situación. Así David, el hermano mayor, se convertirá en el nuevo patriarca sintiéndose en la obligación de proteger y a la vez controlar a sus hermanos, los díscolos gemelos Wendell y Darlene o el solitario Francis. 

CRITICA 

Los Hamiltons es una cinta que mezcla el terror con un cine más intimista dirigida al alimón por Mitchell Altieri y Phil Flores, rebautizados a nivel artístico como The butchers brothers, quienes pretenden contar una historia mil veces plasmada en pantalla pero desde un punto de vista diferente. Las intenciones en este sentido son loables, aunque el resultado diste de cumplir las expectativas. 

Si bien la película a nivel técnico adolece demasiado de su propia esencia de bajo presupuesto, lo que se traduce en una fotografía del montón o de una planificación de las secuencias lineal y aburrida, es en la forma de narrar la historia donde sus guionistas y directores deberían haber destacado. Sin embargo no es así. El hecho de intentar mantener oculta a lo largo de toda la trama el por otra parte esperado giro final, provoca que la historia no avance y se anquilose, dando vueltas constantemente sobre la misma variable. En ese aspecto el guion debiera haberse sacudido antes su gran sorpresa para permitir evolucionar la trama. Otro punto en su contra es el reiterado uso de la cámara del personaje de Francis como forma de narrar la historia, ya que no aporta nada salvo disimular los citados escasos recursos técnicos con los que contaron los directores a la hora de llevar a cabo su proyecto, pudiendo de esta manera recoger parte del metraje en formato doméstico. 

Los actores están bastante sobreactuados en sus roles, no habiendo sido llevados correctamente de la mano por parte de unos directores que escriben personajes complejos y con varias capas sobre el papel pero que a la hora de representarlos en la pantalla únicamente funcionan como estereotipos. Especialmente irritable es el personaje de Francis que monopoliza toda la historia tirando de tópicos de joven adolescente inadaptado. 

Resumiendo, una buena oportunidad perdida de ofrecer un producto novedoso no en el fondo sino en la forma que queda lastrada por la inexperiencia de unos directores que en The Hamiltons llevaron a cabo una de sus primeras colaboraciones conjuntas. 

Escena: El juego desafío-doble desafío entre los gemelos y la amiga de Darlene, donde queda patente la enfermiza e incestuosa relación entre estos personajes. 

Puntos Fuertes: La pareja de gemelos formada por Wendell y Darlene. Su primer y único golpe de efecto conseguido al final de la secuencia en la que Wendell se encuentra con las dos jóvenes en su coche tomando cervezas. 

Puntos Débiles: Su propia esencia le impide avanzar, lo que acaba por lastrar toda la propuesta. El personaje de Francis resulta extremadamente cansino. 

Curiosidad: En la última escena cuándo se presentan como nuevos vecinos se hace cierto guiño a lo que acabaría siendo la segunda entrega. La duda es si estaba planeada de antemano una secuela o el título de esta se tomó de la citada frase de cierre. 

La Frase: “No soy uno de ellos” (Francis) 

Valoración: 4,25 (Una buena ocasión desaprovechada de haber rodado algo diferente) 

HELLBOY ANIMATED SERIES (Hellboy Animated Series, 2006/2007) 75´+74´

“Una creación de Mike Mignola y Guillermo Del Toro” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-Phil Weinstein/Tad Stones/Victor Cook 

Guión-Tad Stones/Matt Wayne/Kevin Hopps 

Fotografía 

Música-Christopher Drake 

Producción-Sidney Clifton/Scott D. Greenberg 

INTERPRÉTES 

Ron Perlman (Hellboy)

Selma Balir (Liz Sherman)

Doug Jones (Abe Sapien)

John Hurt (Profesor Trevor Bruttenholm)

Peri Gilpin (Profesora Kate Corrigan)

Dee Bradley Baker (Lightning/Kappa)

Jim Cummings (Tom Manning)

SINOPSIS 

 Hellboy, junto al resto de miembros de la Oficina de Defensa Paranormal se enfrentará en esta doble aventura tanto a una vampiresa que tratando de mantenerse eternamente joven y bella vendió su alma a la reina de las brujas como a dos temibles demonios gemelos que trataran de dar con una mítica espada con el poder de traer a los dragones de vuelta a la Tierra. 

CRITICA 

Simpático complemento al visionado de las hasta el momento dos películas gestadas por Del Toro y basadas en el personaje creado por Mignola, estas dos entregas animadas tituladas respectivamente Sangre y Hierro y La espada de las tormentas, recogen parte del universo literario del demonio de los cuernos recortados y la adaptan a un público más juvenil. Cabe recordar que no se trata sin embargo de películas de corte puramente infantilizado, ya que mantiene cierta visión adulta tanto en las historias como en algunas secuencias, por lo que no hay que caer en el error de creer se trata de versiones totalmente edulcoradas del conocido personaje de comic. 

La participación tanto del dueto Del Toro-Mignola como del elenco principal de actores de las películas dando voz a los personajes, confiere cierta continuidad a ambas sagas, pudiendo en cierta medida complementarse manteniendo paralelamente una identidad propia. 

Ambos relatos ofrecen un notable trabajo en cuánto al dibujo, que presenta una animación limpia y un fondo colorista. En ese sentido es especialmente gratificante la amplia paleta de colores con que nos obsequian ambas cintas, enmarcando las secuencias en tonalidades rojizas, verdes o azuladas en función del tipo de escena mostrada. A ese respecto el acabado técnico es impecable. 

Las historias son entretenidas, sin excesivas complicaciones en un ejercicio de diversión pura y dura para unas cintas de animación que recuerdan en estilo gráfico y tratamiento de los guiones a series de dibujos animados actuales como Batman The animated series. 

Escena: La secuencia bajo el agua en la cual Abe besa a Liz y que representa un acertado acercamiento a la tesis de los tebeos, en los cuales la relación entre estos dos personajes es más afectiva que en las películas dirigidas por Del Toro, donde se invierten los papeles creando dicha relación entre Hellboy y la misma Liz. 

Puntos Fuertes: La calidad del dibujo y su colorido. 

Puntos Débiles: No arriesga, limitándose a ser una especie de episodios alargados hasta alcanzar el metraje adecuado. 

Curiosidad: El personaje del Minotauro con el que combaten Hellboy y Abe en el comienzo de Sangre y Hierro utiliza un puño retráctil armado con cadenas tal y como hacía el Troll de la segunda entrega de las películas, Hellboy 2 El ejército Dorado. 

 La Frase: “Deberíamos redefinir eso de cosas pequeñas” (Abe Sapien) 

Valoración: 6.75 (Versión animada para un público juvenil)