1997 RESCATE EN NUEVA YORK (Escape from New York, 1981) 94´

“Quien consiga entrar no volverá a salir…” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-John Carpenter 

Guión-John Carpenter/Nick Castle 

Fotografía-Dean Cundey 

Música-John Carpenter/Alan Howarth 

Producción-Larry J. Franco/Debra Hill 

INTERPRÉTES 

Kurt Russell (Serpiente Plissken)

Lee Van Cleef (Hauk)

Ernest Borgnine (Cabbie)

Donald Pleasance (Presidente Estados Unidos)

Isaac Hayes (Duque)

Harry Dean Stanton (Cerebro)

Adrienne Barbeau (Maggie)

Tom Atkins (Rehme)

SINOPSIS 

La ciudad de Nueva York se ha convertida en una enorme prisión donde viven hacinados todos los criminales de Estados Unidos controlados a través de un muro que rodea la urbe y unos puentes de salida plagados de minas. Cuándo el avión presidencial es saboteado y cae en el interior de la ciudad el criminal Snake Plissken, antiguo militar de renombre es obligado a adentrarse en la zona para tratar de rescatar al Presidente, para lo cual únicamente dispone de veinticuatro horas. 

CRITICA 

El maestro John Carpenter nos ofrece con 1997 rescate en Nueva York una de las mejores muestras de cine post apocalíptico precisamente en la época en la cual este subgénero vivió su época dorada, generadora de toda una retahíla de imitaciones (en su mayoría provenientes de Italia) y fuente de presentación de un personaje icónico del género, Serpiente Plissken. 

La película utiliza un ajustado presupuesto para de manera muy inteligente dar vida y dotar de verisimilitud a un paisaje a priori tan complicado de mostrar en pantalla, toda la ciudad de Nueva York convertida en una enorme zona de guerra devastada. Ya desde sus primeras escenas en las cuales la cámara se desliza por los escenarios representados en base a maquetas el espectador se ve inmerso de lleno en la historia haciéndose esta creíble. Demuestra que no es necesaria una inversión multimillonaria ni costosos efectos especiales para dotar de empaque visual a la película, basta con usar la imaginación y saber utilizar los recursos disponibles. 

La historia, como suele ser habitual en el cine de Carpenter, oculta bajo su apariencia de banal cine de acción y ciencia ficción, una vuelta del director al género más patente en toda su filmografía, el western. Recursos como el enfrentamiento de un solo hombre contra todo un ejército de adversarios, la limitación temporal y espacial están perfectamente manejados por Carpenter, quien se reúne con buena parte de sus habituales, Dean Cundey ejerciendo de director de fotografía (La cosa) o Debra Hill, productora de buena parte de la filmografía de Carpenter. Asimismo y ocultas entre una trama de entretenimiento puro nos encontramos varias críticas al sistema pergeñadas por Carpenter, un cineasta muy combativo en este sentido y habitual azote del sistema a través de su filmografía. 

Elenco de actores de lujo con nombres como los de Lee Van Cleef, Ernest Borgnine , Donald Pleasance, Tom Atkins, Adrienne Barbeaua (por aquel entonces mujer de Carpenter) o Harry Dean Stanton. Brillando por encima de todos un Kurt Russell excelso, quien de golpe y plumazo y gracias a su papel de Plissken se desempolvo su hasta entonces rol de chico sano y bueno en producciones Disney para convertirse en uno de los héroes de acción del cine de los ochenta y noventa. 

Una película que ha superado con éxito y sin apenas envejecer la treintena siendo igual de disfrutable que en el momento de su estreno. 

Escena: La presentación de la ciudad tras los títulos de crédito de inicio, deliciosamente pulp. 

Puntos Fuertes: Lo bien que luce en pantalla el ajustado presupuesto de cuatro millones y medio de euros de la época. Un Kurt Russell perfecto en su rol de Serpiente Plissken. 

Puntos Débiles: La dirección de actuación de los numerosos extras que aparecen en pantalla luce por su ausencia pudiéndose atisbar bastante descoordinación y dejadez en este aspecto. 

Curiosidad: Uno de los responsables de los efectos visuales fue un novato James Cameron, quien tres años más tarde despuntaría con su película Terminator (1984). 

La Frase: “Llámame serpiente” (Snake Plissken) 

Valoración: 8.75 (Una nueva genialidad de Carpenter cien por cien disfrutable) 

LOS HAMILTONS

LOS THOMSONS (The Thomsons, 2012) 73´

“Twilight meets Tarantino” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-The butcher brothers 

Guión-The butcher brothers/Cory Knauf 

Fotografía-Matthew Cooke/David Rom 

Música-Kevin Kerrigan 

Producción-Eben Kostbar/Joseph McKelheer/Travis Stevens/Rob Weston 

INTERPRÉTES 

Cory Knauf (Francis Hamilton)

Samuel Child (David Hamilton)

Joseph McKelheer (Wendell Hamilton)

Mackenzie Firgens (Darlene Hamilton)

Ryan Hartwig (Lenny Hamilton)

Elizabeth Henstridge (Riley Stuart)

Daniel O´Meara (Padre Stuart)

Selina Giles (Madre Stuart)

Sean Browne (Cole Stuart)

Tom Holloway (Ian Stuart)

SINOPSIS 

Tras un brutal altercado en una gasolinera la familia Hamilton, quienes ahora se hacen llamar los Thomson, han de separarse para tratar de pasar desapercibidos. Francis llegará de esta manera hasta Inglaterra en busca de ayuda, conociendo a una familia semejante a la suya, los Stuart, y llegando incluso a congeniar sentimentalmente con la hija de estos. Hasta que acaba encerrado en una caja y enterrado varios metros bajo el suelo. 

CRITICA 

Seis años después de Los Hamiltons (2006) la pareja de directores apodada The butcher brothers nos presenta esta continuación que supera a su antecesora en base a un elemento básico. Ya se han sacudido toda capacidad de sorpresa, no tienen que tratar de jugar con la trama, con lo que la película apuesta por una historia donde la explicitud sea mayor, logrando una propuesta más entretenida y ágil. Esta idea se resumen en el principio de que contando más cosas, la nueva película dura diez minutos menos que su precursora. Se nota además la evolución de los directores durante el tiempo transcurrido. 

Siendo igualmente una cinta de bajo presupuesto ha de reconocerse que esta tiene una mejor factura en cuánto a iluminación, fotografía o la propia manera de rodar las secuencias. El guion escrito al alimón entre los directores y el actor protagonista que encarna a Francis Hamilton se aleja radicalmente del concepto de la primera entrega, esto es, cine sosegado, pausado, para mostrar una película más cercana al postulado de cine explícito en materia de terror, derivando en una obra de hora y cuarto que se ve con agrado y deja un buen regusto a pesar de no ofrecer nada nuevo. 

Hay que reconocer igualmente que los actores también se encuentran más cómodos que en el caso de la cinta de 2006 ofreciendo interpretaciones más naturales y menos forzadas. Al igual que ocurría con su predecesora es una lástima que no se haya volcado una subtrama más potente en la pareja de gemelos, los personajes con más sustancia a priori y que acaban siendo relegados a un coprotagonismo anecdótico para una vez más ceder todo el peso dramático a Francis. 

Frente al intimismo de Los Hamiltons (2006) esta vez Los Thomsons se sacude los prejuicios y apuesta por una cinta llena de acción, sangre y erotismo ligth para servir en bandeja un producto fresco y disfrutable. Tal es su intención de romper toda relación con el anterior título que mientras este se desarrollaba prácticamente en su totalidad en la casa familiar, en esta ocasión hay secuencias ambientadas en Paris, Londres o el desierto americano. 

Para disfrutar sin necesidad siquiera de haber visionado Los Hamiltons, los directores se encargan de darte toda la información precisa en este sentido. Sin embargo si es interesante acercarse a ambas obras para descubrir dos maneras totalmente opuestas de contar una misma historia. 

Escena: El disparo accidental de los atracadores a Lenny y sus funestas consecuencias. 

Puntos Fuertes: Es más entretenida que su antecesora y se visiona en un suspiro. 

Puntos Débiles: Redunda en el error de no cargar las tintas en los personajes más interesantes (Darlene y Wendell) para convertirse en un monográfico de Francis, con innecesaria historia de amor incluida. 

Curiosidad: La secuencia en el bar de la gasolinera tiene cierto aire al western de vampiros dirigido en 1987 por la hoy celebre Kathryn Bigelow Los viajeros de la noche, concretamente a la escena en el bar donde el personaje de Bill Paxton utilizaba las espuelas de sus botas a modo de arma. 

La Frase: “Nuestra enfermedad nos hace matar para vivir” (Francis) 

Valoración: 6.25 (Contraposición total a la forma de narrar una película de terror que supuso Los Hamiltons) 

LOS HAMILTONS (The Hamiltons, 2006) 86´

“Their loss is your pain” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-The butcher brothers 

Guión-The butcher brothers/Adam Weis 

Fotografía-Michael Maley 

Música-Nathan Montiel/Joshua Myers 

Producción-The butcher brothers 

INTERPRÉTES 

Cory Knauf (Francis Hamilton)

Samuel Child (David Hamilton)

Joseph McKelheer (Wendell Hamilton)

Mackenzie Firgens (Darlene Hamilton)

Rebekah Hoyle (Samantha Teal)

Brittany Daniel (Dani Cummings)

Al Liner (Paul Gleen)

Jena Hunt (Kitty Davies)

SINOPSIS 

Los Hamiltons son una familia prototípica que tras la muerte de los padres ve como los roles han de cambiar para adaptarse a la nueva situación. Así David, el hermano mayor, se convertirá en el nuevo patriarca sintiéndose en la obligación de proteger y a la vez controlar a sus hermanos, los díscolos gemelos Wendell y Darlene o el solitario Francis. 

CRITICA 

Los Hamiltons es una cinta que mezcla el terror con un cine más intimista dirigida al alimón por Mitchell Altieri y Phil Flores, rebautizados a nivel artístico como The butchers brothers, quienes pretenden contar una historia mil veces plasmada en pantalla pero desde un punto de vista diferente. Las intenciones en este sentido son loables, aunque el resultado diste de cumplir las expectativas. 

Si bien la película a nivel técnico adolece demasiado de su propia esencia de bajo presupuesto, lo que se traduce en una fotografía del montón o de una planificación de las secuencias lineal y aburrida, es en la forma de narrar la historia donde sus guionistas y directores deberían haber destacado. Sin embargo no es así. El hecho de intentar mantener oculta a lo largo de toda la trama el por otra parte esperado giro final, provoca que la historia no avance y se anquilose, dando vueltas constantemente sobre la misma variable. En ese aspecto el guion debiera haberse sacudido antes su gran sorpresa para permitir evolucionar la trama. Otro punto en su contra es el reiterado uso de la cámara del personaje de Francis como forma de narrar la historia, ya que no aporta nada salvo disimular los citados escasos recursos técnicos con los que contaron los directores a la hora de llevar a cabo su proyecto, pudiendo de esta manera recoger parte del metraje en formato doméstico. 

Los actores están bastante sobreactuados en sus roles, no habiendo sido llevados correctamente de la mano por parte de unos directores que escriben personajes complejos y con varias capas sobre el papel pero que a la hora de representarlos en la pantalla únicamente funcionan como estereotipos. Especialmente irritable es el personaje de Francis que monopoliza toda la historia tirando de tópicos de joven adolescente inadaptado. 

Resumiendo, una buena oportunidad perdida de ofrecer un producto novedoso no en el fondo sino en la forma que queda lastrada por la inexperiencia de unos directores que en The Hamiltons llevaron a cabo una de sus primeras colaboraciones conjuntas. 

Escena: El juego desafío-doble desafío entre los gemelos y la amiga de Darlene, donde queda patente la enfermiza e incestuosa relación entre estos personajes. 

Puntos Fuertes: La pareja de gemelos formada por Wendell y Darlene. Su primer y único golpe de efecto conseguido al final de la secuencia en la que Wendell se encuentra con las dos jóvenes en su coche tomando cervezas. 

Puntos Débiles: Su propia esencia le impide avanzar, lo que acaba por lastrar toda la propuesta. El personaje de Francis resulta extremadamente cansino. 

Curiosidad: En la última escena cuándo se presentan como nuevos vecinos se hace cierto guiño a lo que acabaría siendo la segunda entrega. La duda es si estaba planeada de antemano una secuela o el título de esta se tomó de la citada frase de cierre. 

La Frase: “No soy uno de ellos” (Francis) 

Valoración: 4,25 (Una buena ocasión desaprovechada de haber rodado algo diferente) 

FRANK DARABONT

Nacido en Montbeliard (Francia) el 28 de Enero de 1959. 

Citar a Frank Darabont es hablar indefectiblemente de Stephen King. Varias de sus novelas y relatos han sido versionados por el director y guionista para dar lugar a grandes obras cinematográficas, erigiéndose por derecho propio como el mejor adaptador al cine de las historias del escritor de Maine. De hecho, el debut de Darabont en la dirección tuvo lugar en 1983 con un cortometraje titulado The woman in the room que versionaba un relato del escritor de best sellers de terror.

Darabont además de director es ante todo un excelente guionista, siendo sus aportaciones en este apartado dentro del género de terror fuente de origen de brillantes títulos. Además de su amor por este género Darabont ha sabido ampliar su ámbito de acción dando lugar a dramas tan destacables como Cadena perpetua (1994) y La milla verde (1999), curiosamente ambas de género carcelario y basadas como no podía ser de otra manera en relatos de Stephen King. A la hora de abordar sus películas hay que tener en cuenta dos pilares fundamentales, de una parte la narrativa de la historia, para la cual presenta una habilidad especial, logrando obras que consiguen enganchar desde el mismo arranque para introducirte de lleno en la historia y no soltarte hasta los títulos de crédito finales.  El otro gran elemento que Darabont sabe manejar con enorme solvencia es la capacidad de elaboración de personajes atrayentes para crear roles llenos de fuerza, capacidad emparejada con su buena hacer en la dirección de actores, de quienes extrae siempre notables trabajos. 

Darabont ha sabido mantenerse fiel a sus orígenes, continuando trabajando en producciones donde pide un control casi absoluto sobre el resultado final, siendo muy exigente en este aspecto. 

Filmografía Terror como guionista y director: 

Pesadilla en Elm Street 3 (A nightmare on Elm Street 3, Dream warriors, 1987): La mejor de toda la saga y solo superada por la original de Wes Craven (Guion).

El terror no tiene forma (The blood, 1988): Remake de la cinta de 1958 que no solo la supera sino que se ha convertido en todo un clásico de la ciencia ficción de serie B de los ochenta (Guion).

La mosca 2 (The fly 2, 1989): Interesante y entretenida secuela de la cinta de David Cronenberg que presenta varios apuntes a tener en cuenta (Guion). 

Frankestein de Mary Shelley (Frankestein, 1994): Barroca, excesiva y pretenciosa adaptación que resulto un fallido intento de repetir el éxito del Drácula de Coppola (Guion). 

Enterrado vivo (Buried alive, 1990): Rodada para televisión es una notable cinta donde se conjugan elementos tan interesantes como los enterramientos en vida y venganzas terribles (Dirección).

La niebla de Stephen King (The mist, 2007): Una de las mejores cintas de terror de los últimos años que se eleva por encima del citado género para ofrecer todo un recital de cine con mayúsculas (Dirección-Guion). 

The walking dead (The walking dead, 2010-): Serie de televisión convertida automáticamente en pieza de culto y basada en el célebre comic homónimo de Kirkman (Dirección-Guion).

THE MIST (La niebla, 2007) 129´

“El miedo lo cambia todo” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-Frank Darabont 

Guión-Frank Darabont 

Fotografía-Rohn Scmidt 

Música-Mark Isham 

Producción-Frank Darabont/Liz Glotzer

INTERPRÉTES 

Thomas Jane (David Drayton)

Marcia Gay Harden (Señorita Carmody)

Laurie Holden (Amanda Dunfrey)

Tobe Jones (Ollie Weeks)

William Sandler (Jim)

Jeffrey DeMunn (Dan Miller)

Andre Braugher (Brent Norton)

Frances Sternhagen (Irene Reppler)

Nathan Gamble (Billy Drayton)

SINOPSIS 

Tras una terrible tormenta que ha causado numerosos destrozos, un pequeño pueblo de Maine despierta a un nuevo día donde una espesa niebla comienza a descender hacía el lugar, tratando de evaluar daños. David Drayton y su hijo junto a su vecino se dirigen al supermercado para tratar de aprovisionarse de víveres ya que no hay corriente eléctrica, lo que provocará problemas de desabastecimiento. Cuándo están pagando y a punto de abandonar el local un hombre irrumpe corriendo en el supermercado alertando que algo que se oculta en la niebla le ha atacado. 

CRITICA 

Una obra brutal, una de las mejores cintas de terror de los últimos años que como no podía ser de otra manera deriva del cruce de la genialidad de Stephen King como creador de historias y la de Frank Darabont como narrador cinematográfico. Desgraciadamente La niebla fue estrenada de tapadillo en su día, llegando en muchos lugares a ni siquiera poder verse en cines. 

Darabont cuenta con un ajustado presupuesto del que logra extraer todo su potencial en especial en el apartado de diseño de las criaturas, muy acertado y bien reflejado en pantalla. Pero no es esa la principal fuente de terror de la que se nutre la cinta, sino que esta proviene de la propia condición humana. La trama sitúa a un nutrido grupo de personas ante una situación límite y es precisamente la manera de enfrentarse a esta por parte de los implicados lo que nos hace plantearnos numerosas sobre la propia esencia humana. En este sentido Darabont no se limita a lo fácil, enfrentar a un grupo encerrado contra una caterva de horribles criaturas, sino que a través de la cinta habla entre otros temas del amor paterno-filial, del egocentrismo de los hombres o del miedo a lo desconocido, posibilitando múltiples lecturas de su obra. 

La cinta contiene un ritmo endiablado a pesar de su duración (casi dos horas y cuarto) donde la tensión se presenta en cada fotograma, haciendo de la experiencia de su visionado todo un cúmulo de sensaciones para el espectador logrando la historia imbuirnos en el propio epicentro de la acción y partícipes de esta, haciéndonos creer somos uno más de los personajes atrapados en el supermercado. Logra el terror puro gracias a la empatía que te hace sentir por los personajes y las sensaciones que provoca. 

Darabont vuelve a manifestarse como un estupendo director de actores, sacando todo su potencial de intérpretes a priori tan pétreos como el propio Thomas Jane. Junto a él todo un variopinto conjunto de actores que hace de esta cinta coral todo un recital de grandes interpretaciones. Citar por ejemplo los roles de Sandler, Jones o el joven Gamble, pero por encima de todos la maldad personificada en el personaje interpretado majestuosamente por Marcia Gay Harden. 

Una película a reivindicar, todo un tratado de cine de terror en estado puro donde se evidencia que el peor de nuestros enemigos no está ahí fuera acechando entre la niebla sino a tu propio lado. Cine con mayúsculas. 

Escena: Ese final que ha pasado por derecho propio a ser uno de los grandes finales de los últimos años y que el director tuvo claro desde un primer momento no estaba dispuesto a renunciar a él. 

Puntos Fuertes: Logra tener al espectador no solo en tensión desde el mismo arranque sino que es de esas cintas que incomodan y angustian a la par que no puedes dejar de ver una y otra vez manteniendo intacta dicha sensación. 

Puntos Débiles: Tratar de justificar el origen de la niebla mediante la confesión del soldado, el dejar este apartado en blanco habría ayudado al aura enigmático de la propuesta. 

Curiosidad: Darabont siempre tuvo claro que la película debía ser rodada en blanco y negro y con una fotografía granulada. Su particular propuesta puede ser disfrutada en la Edición Especial de tres discos lanzada por Manga Films. 

La Frase: “¡Hay algo en la niebla!” (Dan Miller) 

Valoración: 9,25 (Una obra maestra a reivindicar) 

Web: http://www.karcreat.com/TheMist.html

PIRAÑACONDA (Piranhaconda, 2012) 82´

“Half fish, half snake…all death” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-Jim Wynorski 

Guión-Mike McLean/J. Brad Wilke 

Fotografía-Andrea V. Rosotto 

Música-Al Kaplan/Jon Kaplan 

Producción-Forest King 

INTERPRÉTES 

Michael Madsen (Profesor Lovegrove)

Rib Hillis (Jack)

Terri Ivens (Rose)

Rachel Hunter (Talia)

Chris De Christopher (Milo)

Michael Swan (Pike)

Kurt Yaeger (Gunner)

Angie Savage (Deb)

Noah Blake (Arturo)

SINOPSIS 

En plena selva Hawaiana se está llevando a cabo el rodaje de una película de bajo presupuesto de terror. Durante la vuelta al hotel del equipo después de un día de trabajo este es secuestrado por un grupo de criminales que busca percibir una alta recompensa por sus rehenes. Pero lo más preocupante es que ese no será el mayor de sus problemas cuándo descubran que un extraño híbrido de anaconda y piraña de más de treinta metros de envergadura recorre la selva devorando todo humano que se cruza en su camino. 

CRITICA 

Simpática producción de serie Z que acepta sus limitaciones y juega sus bazas sin complejos para dar como resultado una película carente de todo sentido pero que logra hacer pasar un entretenido rato. Para ello no juega al suspense, muestra a la criatura protagonista en el minuto cuatro y no escatima en víctimas y sangre para hacer más llevadera la absurda trama central. 

La película a nivel argumental no presenta demasiadas complicaciones aunque si se molesta en tratar de trazar una historia con cierta cohesión para enlazar los diferentes ataques de la pirañaconda, monstruo creado digitalmente con una integración de este en la imagen física algo justa, y cuya voracidad se convierte en único aliciente de una película que por otra parte no debe ser tratada en serio. 

Conjunto de actores de tercera fila que tratan de hacer creíbles unas líneas de guion llenas de frases absurdas y sinsentido, habiendo priorizado el director de casting la voluptuosidad de formas de las protagonistas femeninas antes de sus dotes como actrices. El prolífico y desperdiciado Michael Madsen se pasea durante la película con ningún interés en tratar de hacer algo más que no sea cobrar su respectivo cheque y volver a casa. 

Una cinta ideal para las sesiones de tarde del fin de semana en televisión donde el gore en las muertes va de la mano de un amplio espectro de bellas actrices cuya única misión es pasearse en bikini antes de ser devoradas por la criatura protagonista. 

Escena: El momento en que la pirañaconda ataca a Milo y Deb en su propio nido, con dos apuntes de gore bien resuletos. 

Puntos Fuertes: Conoce sus limitaciones y no se plantea excentricidades presentando un producto entretenido, que es lo único que puede pedirse a este tipo de producciones. 

Puntos Débiles: Ver a Michael Madsen arrastrándose y sin poner el menor interés en llegar a interpretar una sola secuencia. 

Curiosidad: El productor ejecutivo de la cinta es el veterano e incombustible Roger Corman, lo que ya da ciertas pistas de que tipo de cinta vamos a presenciar. 

La Frase: “Es como una extraña unión entre una piraña y una anaconda” (Arturo) 

Valoración: 5.5 (Divertida cinta de serie B donde hay casi más silicona que infografía)