BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR (Snow White and the hunstman, 2012) 127´

“The fairytale is over” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-Rupert Sanders 

Guión-Evan Daugherty/John Lee Hancock/Hossein Amini 

Fotografía-Greig Fraser 

Música-James Newton Howard 

Producción-Sam Mercer/Palak Patel/Joe Roth 

INTERPRÉTES 

Kristen Stewart (Blancanieves)

Chris Hemsworth (Leñador)

Charlize Theron (Reina Ravenna)

Sam Claflin (William)

Ian McShane (Beith)

Bob Hoskins (Muir)

Ray Winstone (Gort)

Nick Frost (Nion)

SINOPSIS 

Blancanieves, una joven de extrema belleza y bondad, es la única heredera al trono de su padre, un rey sumergido en una profunda tristeza desde la muerte de su amada y madre de la niña. Este, tras una ofensiva contra un ejército de seres fantasmales, libera a una joven de enorme belleza, de la cual se enamora perdidamente. No tardan en contraer matrimonio, pero la misma noche de bodas, la novia mata al rey, abre las puertas del castillo a un ejército invasor y se hace con la corona, instaurando un reinado de terror y desolación. 

CRITICA 

Descafeinada adaptación dirigida por el novel Rupert Sanders (cuyos trabajos se habían desarrollado en el ámbito de los videojuegos como director de secuencias de acción) y que se inclina por una trama oscura y sombría, alejada de versiones anteriores más edulcoradas del famoso relato de los hermanos Grimm. 

El guion está repleto de secuencias ya vistas con anterioridad, diálogos manidos e ideas plasmadas en títulos como Willow, El señor de los anillos, Juego de Tronos u otras cintas sobre el llamado subgénero de Espada y Brujería. El mayor de sus peros no es sin embargo esta suma de ideas anteriores, sino que plasmadas en las dos horas de metraje generan varias caídas de ritmo (especialmente marcada cuándo Theron desaparece de escena para dejar el protagonismo al tándem Stewart- Hemsworth). Además, las representaciones de batallas (donde el director podría haber dado el do de pecho dado su experiencia en este tipo de secuencias) tampoco son nada del otro mundo, siendo superadas por títulos como Braveheart (no es necesario ir a la superlativa El señor de los anillos). 

El portentoso poderío del diseño de producción nos deja escenarios de una gran belleza, un vestuario preciosista (en especial en los trajes de la villana de la función) y una ambientación notable, pero todo este fuego de artificio desmerece por el mal uso que se hace no solo de la historia, sino del a priori imponente casting. 

Y es que la elección de Kirsten Stewart como Blancanieves supone un error de nota, por carecer del carisma y presencia necesarios para dar vida a la heroína del cuento, máxime teniendo en cuenta el papelón de Charlize Theron, única excusa válida para visionar la primera entrega de una posible trilogía (ya está en marcha la secuela). Junto al duo de actrices, un Hemsworth en su sempiterno rol de héroe y unos desaprovechados buenos actores en los roles de enanos (Frost o Hoskins por ejemplo) ya que su aparición es prácticamente anecdótica, frente a la acaparación de planos por parte de Blancanieves y el citado cazador. 

Una buena idea desaprovechada posiblemente por la mala elección tanto del director (que alguien que no ha trabajado con anterioridad en el terreno cinematográfico maneje más de ciento sesenta millones de euros de presupuesto puede ser peligroso, y aún han de agradecer que la cinta está contando con el favor del público) como por el de la protagonista de la saga Crepúsculo en el rol principal de Blancanieves. 

Escena: El baño que la Reina Ravenna se da en leche, de una gran belleza plástica y que nos deleita con la hermosura de lo mejor de la cinta, Charlize Theron. 

Puntos Fuertes: Charlize Theron, estupenda como villana y que monopoliza todas las secuencias en las que aparece hasta el punto de desear el espectador su victoria frente a una sosias Blancanieves. 

Puntos Débiles: Kirsten Stewart, cuya inexpresividad y falta de atractivo la hace la menos indicada para el rol de Blancanieves. 

Curiosidad: La promesa de Ravenna para hacer que el cazador vaya en busca de Blancanieves para matarla es la misma que hace Taramis a Conan en la segunda entrega cinematográfica sobre el héroe Cimmerio, devolver a la vida a su amada. 

La Frase: “Espejo, espejo mágico, dime una cosa, que mujer en este Reino es la más hermosa” (Reina Ravenna) 

Valoración: 5,25 (Lujoso envoltorio para un pobre contenido) 

Web: http://www.snowwhiteandthehuntsman.com/

HAUTE TENSION

ALTA TENSION (Haute tension, 2003) 90´

“Love hurts” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-Alexander Aja 

Guión-Alexandre Aja/Grégory Levasseur 

Fotografía-Maxime Alexandre 

Música-François Eudes 

Producción-Alexandre Arcady/Robert Benmussa/ 

INTERPRÉTES 

Cécile De France (Marie)

Maïwenn (Alexia)

Philippe Nahon (Asesino)

Andre Finti (Padre Alexia)

Oana Pellea (Madre Alexia)

Marco Claudiu Pascu (Tom)

Franck Khalfoun (Jimmy)

SINOPSIS 

Marie y Alexia se alojan en la granja de los padres de la segunda. La primera noche en la casa y ya entrada la noche, un desconocido llama al timbre de la vivienda, iniciándose una orgía de sangre y muerte en la cual Marie tratará de salvar la vida de su amiga, prisionera del asesino, quien la lleva encadenada en la parte trasera de su desvencijado camión. 

CRITICA 

Segundo largometraje de Alexander Aja, que le encumbró al olimpo de los nuevos directores de género y que le abrió las puertas de Hollywood, posibilitándole realizar los remakes de Las colinas tienen ojos (2006) y Piranha 3D (2010). 

La cinta es un todo un dechado de virtudes que da al espectador precisamente lo que su título indica, tensión de inicio a fin. Es cierto que en algunos momentos al director se le va la mano cargando las tintas en una violencia explícita (por otra parte algo habitual en el nuevo cine francés de terror), pero eso no quita para que la película se sujete básica y fundamentalmente en la capacidad de Aja para crear toda una suerte de secuencias donde el suspense inunda la pantalla. 

El director manifiesta un gran conocimiento del terreno visual y utiliza la cámara con una habilidad manifiesta (primeros planos, travellings, cámara subjetiva…), lo que le permite crear secuencias complejas con aparente sencillez. Controla además perfectamente el ritmo de la cinta, el cual no decae un solo segundo durante la hora y media que dura la historia. 

Si a todo lo anterior sumamos un grupo de actores notables, en especial Cécile De France, que compone una interpretación llena de matices (a pesar de caer en el exceso en el tramo final), una partitura musical a la altura y alternada con clásicos de la canción francesa y unos efectos de maquillaje sobresalientes y que dan una gran verosimilidad a las secuencias más duras, el resultado no puede ser más prometedor. 

Y teniendo todo para convertirse en título de culto, la película tropieza en su tramo final con un giro de guion pretendidamente sorpresivo pero que hace caer toda la propuesta lanzada por el guion hasta esos minutos finales, resta enteros a la propuesta y hace que algunas de las secuencias vistas hasta el momento carezcan de sentido (como la escena de presentación del asesino en su furgoneta usando la cabeza de una de sus víctimas para hacerse una felación). 

A pesar de ese final fallido, una película vibrante, terrorífica y con un villano casi sin fisuras (hasta el tan citado tramo final). 

Escena: El momento en el que el asesino entra en la habitación de Marie, quien previamente la ha preparado para no dejar indicios de su presencia, y busca a alguien en el lugar mientras la joven se encuentra oculta, todo un dechado de suspense y tensión y sin necesidad de usar una sola gota de sangre. 

Puntos Fuertes: La manera en que Aja atrapa al espectador desde el inicio y como presenta unas secuencias perfectamente desarrolladas. 

Puntos Débiles: El giro final, que desarma toda la propuesta de la cinta y que según el propio director le fue impuesto por los productores. 

Curiosidad: Toda la película se planteo como un homenaje a ese tipo de cine de terror de bajo presupuesto rodado en los setenta con La matanza de Texas o Las colinas tienen ojos (de la cual como ya se ha dicho el mismo director se encargaría de realizar el remake) como base principal. Así lo atestigua el hecho que por momentos la cinta parece estar rodada en dicha época. 

La Frase: “No volveré a dejar que nadie se interponga entre tu y yo” (Marie) 

Valoración: 8.25 (Despegue de Aja a Hollywood) 

Web: http://www.hightensionmovie.com/

 

IRON SKY (Iron sky, 2012) 88´

“We come in peace” 

FICHA TÉCNICA 

Dirección-Timo Vuorensola 

Guión-Michael Kalesniko 

Fotografía-Mika Orasmaa 

Música-Laibach 

Producción-Oliver Damian/Tero Kaukomaa/Samuli Torssonen 

INTERPRÉTES 

Julia Dietze (Renate Richter)

Christopher Kirby (James Washington)

Götz Otto (Klaus Adler)

Peta Sergeant (Vivian Wagner)

Udo Kier (Wolfgang Kortzfleisch)

Stepahnie Paul (Presidente Estados Unidos)

Tilo Prückner (Doctor Richter)

SINOPSIS 

Una nave norteamericana tripulada llega a la Luna como parte de la campaña presidencial a la relección que la Presidenta de Estados Unidos está llevando a cabo. Al llegar al satélite, los tripulantes descubren horrorizados una enorme construcción en el terreno que vista desde arriba dibuja una gigantesca esvástica. Y es que desde 1945 una comunidad de nazis está viviendo en el lugar esperando su momento para atacar a la Tierra. 

CRITICA 

Una de las sorpresas de lo que llevamos de año. De la mano del Finlandés Timo Vuorensola nos llega un título que ha logrado autofinanciarse gracias a Internet, mediante una campaña promocional consistente en colgar un falso tráiler del proyecto para lograr la financiación necesaria (una corriente bastante practicada hoy en día y que nos lleva a poder convertirnos todos en productores cinematográficos). 

Con una hábil mezcla de comedia, drama y ciencia ficción, el guion, sin ser lo más destacable de la propuesta, nos brinda momentos tan deliciosos como la mutilación por parte de los nazis de la cinta de Chaplin El gran dictador, hasta convertirla en un cortometraje de diez minutos en los que el Führer juega con la Tierra en una metáfora de su ansia por lograr la paz mundial. Atención también a la parodia de la famosa secuencia del enfado de Hitler de El hundimiento interpretada en esta ocasión por Peta Sergeant. Además hay espacio en la historia para críticas nada disimuladas, como la que presenta a la Presidenta de los Estados Unidos como una villana más. 

Pero si por algo destaca esta cinta es por su vistosidad propia de cualquier blockbuster, lo cual tiene un merito enorme tratándose de una producción de poco más de seis millones de euros. Atención al diseño de producción que nos muestra la sede nazi en una mezcla modernidad-antigüedad cercana al steampunk, así como las secuencias en el espacio y la batalla espacial del tramo final, donde se lucen con nota los responsables de los efectos visuales. 

Para redondear y dar empaque al conjunto final, el grupo de intérpretes se amolda a la perfección a cada uno de los roles asignados, así Julia Dietze se antoja totalmente dulce en su papel de engañada nazi reconvertida en heroína, el físico de Götz Otto encaja a la perfección como villano de la historia y Udo Kier es el perfecto nuevo Führer. 

Una obra cuidada al máximo y donde queda patente el mimo y cariño puesto en cada uno de sus fotogramas para dar como resultado un trabajo elegante, entretenido y visualmente sorprendente. 

Escena: Las explosiones de las naves en la parte final con la música de fondo y la voz de Renate sonando sobre esta. 

Puntos Fuertes: Lo que es capaz de hacer con un presupuesto tan reducido, lo cual nos lleva a creer en el talento de Vuorensola y su gente. 

Puntos Débiles: Nos quedan las ganas de saber que resultado habría obtenido la cinta de desenvolverse en un terreno más serio y menos paródico. 

Curiosidad: El equipo responsable de esta cinta ya había dejado constancia de su buen hacer con Star Wreck, cinta de 2005 y distribuida gratuitamente en Internet. 

La Frase: “Heil Hitler” (Renate Richter) 

Valoración: 8.5  (La constatación de que no hacen falta doscientos millones de euros para crear mundos imposibles) 

Web: http://www.ironsky.net/site/

JOHN GULAGER

Nacido en Nueva York (Estados Unidos) el 9 de Diciembre de 1957. 

La carrera de este director viene ligada indefectiblemente a la de su padre, Clu Gulager, conocido actor de televisión y cine y vinculado fundamentalmente a dos géneros, el western y el terror (El regreso de los muertos vivientes, Pesadilla en Elm Street 2, Hidden) y que ha trabajado como intérprete junto a John en todas las cintas rodadas por este. 

No es de extrañar pues que John Gulager encaminara sus pasos hacía el terreno cinematográfico, primero como actor ocasional, hasta llegar el momento de su debut como director gracias al proyecto Greenlight (iniciativa para potenciar nuevos cineastas y sus ideas) auspiciado por los actores Matt Damon y Ben Affleck), mediante el cual pudo dar cuerpo a su opera prima, Feast. 

Sin una trayectoria extensa (ha rodado hasta el momento cuatro películas), Gulager se ha ganado un hueco entre los cineastas a tener en cuenta en el género gracias a su trilogía sobre monstruos Feast, a pesar de que esta fuera decreciendo en calidad según aparecían los nuevos títulos. 

A Gulager le gusta provocar sensaciones en el espectador, busca incomodarle, bien usando la escatología como herramienta (en sus cintas abundan secuencias rebuscadamente desagradables) o saltándose las normas de la corrección política en sus trabajos (es recurrente en estos la muerte de niños para tratar de importunar el visionado de los espectadores). Toda su obra tiene además un sórdido humor negro subyacente, lo que resta dramatismo a sus películas (lo cual no quier decir que posea escenas sumamente perturbadoras, no hay más que ver la escena destacada en la Ficha de Feast 2).

Con la idea de rodar una nueva secuela de su niña mimada, la cual no sabemos si finalmente devenira en Feast 4, Gulager no puede permitirse más errores si quiere seguir siendo un director a tener en cuenta dentro del género. 

Filmografía completa: 

Atrapados (Feast, 2005): Una pequeña joya a descubrir, que tracias al boca-oreja se ha ganado un puesto destacable entre los estrenos más curiosos de los últimos años. Gulager juega con la sugestión para crear una cinta donde el suspense y los golpes de efecto llenan el metraje. 

Feast 2 (Feast 2, Sloppy seconds, 2008): Inevitable secuela de su opera prima que supone un salto al vacío de Gulager (la explicitud llena ahora la pantalla frente a la sugestión de su anterior obra), del que sale bastante indemne. 

Feast 3 (Feast 3, The happy finish, 2009): Rodada simultáneamente a Feast 2, está bastante por debajo de sus hermanas de saga, siendo un inmerecido colofón (hasta el momento) para tan interesante propuesta cinematográfica. 

Piranha 3DD (Piranha 3DD, 2012): Secuela de la cinta de Alexander Aja y que pierde bastantes enteros respecto a su casi homónima, supone el segundo tropezón consecutivo de Gulager.

DANIELLE PANABAKER

Nombre Completo-Danielle Nicole Panabaker 

Fecha Nacimiento-19 de Septiembre de 1987 

Lugar Nacimiento-Atlanta 

Con tan solo 24, esta actriz ha logrado hacerse un hueco en él campo de las Scream Queens de nueva generación gracias a poder encadenar consecutivamente varios títulos enmarcados en el género de terror. 

Panabaker ha ido ascendiendo paulatinamente en la impronta de sus trabajos, iniciándose en el ámbito de los spots para televisión y de ahí pasar a intervenir en varias series para la pequeña pantalla. Su salto al terreno del largo cinematográfico solo era cuestión de tiempo. 

Pese a una filmografía donde podemos encontrar más de una decena de títulos, Danielle todavía no ha dado con un papel que la catapulte a la primera línea, dejándola como una más de las decenas de jóvenes actrices norteamericanas tratando de labrarse una carrera en un medio tan agresivo como es el cinematográfico. 

Esta actriz se apoya en un rostro dulce y aniñado y en su aparente fragilidad (mide 167 cms de altura) para potenciar sus personajes, por lo general demasiado encuadrados en ese tipo de rol. 

Sus películas dentro del género de terror conforman la presente filmografía: 

Mr Brooks (2007): Fallida intriga con un planteamiento interesante encabezada por un Kevin Costner tratando de remontar su carrera. 

Viernes 13 (2009): Remake de las tres primeras entregas de la saga sobre Jason, es una acertada e infravalorada revisión de la franquicia dirigida por Marcus Nispel, todo un especialista en rodar nuevas versiones de exitosos títulos pasados. 

The crazies (2010): Otro remake, en esta ocasión de la cinta del mismo título dirigida por George A. Romero en 1973, que no solo supera a esta, sino que se erige como uno de los mejores títulos de terror de ese año. 

The Ward (2010): Uno de los últimos trabajos del maestro John Carpenter aunque por debajo de lo que nos tiene acostumbrado el director de genialidades como La noche de Halloween (1978) o La cosa (1982). 

Piranha 3DD (2012): Floja secuela de la cinta dirigida por Alexandre Aja en 2010 y que dirige convencionalmente John Gulager. 

Con varios premios en el ámbito televisivo, Danielle Panabaker está a la espera de ese papel que la desmarque de las decenas de jóvenes actrices de rostro hermoso que se encuentran en la misma tesitura que la de Georgia. 

Punto Fuerte: Tiene aptitudes como actriz, solo necesita un papel para poder explotarlas. 

Punto Débil: Su físico está más próximo a la comedia romántica que al rol de heroína del terror, que es en lo que están deviniendo las nuevas Scream Queens. 

Película: The crazies (2010)

Web:  http://www.daniellepanabaker.com