VAMPIRE HUNTER D

VAMPIRE HUNTER D - 1985 (80´)

Una maravilla dentro del género de la animación que, basándose en el celebrado manga de Hideyuki Kikuchi, es capaz de ofrecer un título impresionante en el terreno visual, estamos hablando de una película de hace cuarenta años, trabajando igualmente con mimo y detalle la historia y los personajes para así conferir a la película una madurez narrativa fuera de toda duda. En 2001 se estrenaría una secuela igualmente recomendable con la que el título que nos ocupa forma un díptico más que interesante protagonizado por un caza vampiros que en realidad es un damphir, mitad humano y mitad vampiro. Un título que fusiona con notable acierto un estilo directo y a la yugular con un aire gótico que le confiere una enorme personalidad, la misma impronta que posee un protagonista con hechuras de héroe atormentado.

VIDEODROME

VIDEODROME – 1983 (88´)

Una celebración de la Nueva Carne orquestada por su principal representante e instigador, un David Cronenberg que tocaría varios de sus temas de referencia en una película que puede llevar a descolocar si no se conocen las filias del cineasta canadiense. Cronenberg escribe un relato febril y onírico que Rick Baker, primer Premio Oscar de la historia al mejor maquillaje por su trabajo en Un hombre lobo americano en Londres (1981), se encarga de trasladar a la fisicidad de un cuerpo en mutación. Una historia que, convenientemente actualizada a ese internet como nueva forma de evasión que ha sustituido a la televisión, sigue siendo enormemente válida y reveladora. Y es que como bien dice el personaje de James Woods, “larga vida a la Nueva Carne”.

EL EXORCISTA

EL EXORCISTA – 1973 (121´)

Una de las películas de terror más relevantes e influyentes de la historia del cine y que basa su impronta en un miedo tan atávico como es la existencia del demonio, elemento que hace la película resulte a día de hoy tan impactante y aterradora como lo fue en el momento de su estreno hace más de cincuenta años. El soberbio guion, obra de un William Peter Blatty autor de la novela en la que se basa la película, es uno de los puntales que hacen la película funcione con la precisión narrativa del mecanismo de un reloj, y la fuerza en pantalla que imprime el trabajo de William Friedkin hace el resto. Con varias de las secuencias más recordadas de la historia del género, es uno de esos títulos estrenados entre finales de los sesenta y primeros setenta que elevarían el terror a categoría de género en mayúsculas, sacándolo de ese cierto ostracismo en el que siempre se había encontrado y en el que a día de hoy sigue permaneciendo y que lo sitúa generalmente dentro de la serie B. Una lección magistral de cómo construir terror en mayúsculas utilizando para ello como uno de sus elementos principales el sonido, incluyendo una sobrecogedora voz para el personaje de la Regan poseída. Un título con el que lo pasarán estupendamente mal, palabrita del niño Jesús. 

SCREAM, VIGILA QUIEN LLAMA

SCREAM, VIGILA QUIEN LLAMA – 1996 (111´)

Un título que revitalizaría el slasher juvenil en la década de los noventa iniciando con su éxito una nueva ola de títulos que tratarían de imitar las virtudes de esta película además de ser el origen de una franquicia que a día de hoy todavía continua estrenando títulos. Wes Craven aportaría con Scream su particular legado al cine de terror noventero tal y como había hecho ya con Pesadilla en Elm Street (1984) en los ochenta o La última casa a la izquierda (1972) y Las colinas tienen ojos (1977) en los setenta, mientras que Kevin Williamson se convertiría en el guionista de moda dentro del género. Destacar esa vuelta de tuerca que ejecuta sobre este subgénero dentro del terror utilizando sus principales premisas para ofrecer un relato de metacine, siendo además la carta de presentación de un puñado de intérpretes a quienes lanzaría a un efímero estrellato. Y con un prólogo protagonizado por Drew Barrymore que es ya historia del cine de terror.     

MIEDO EN LA CIUDAD DE LOS MUERTOS VIVIENTES

MIEDO EN LA CIUDAD DE LOS MUERTOS VIVIENTES – 1980 (88´)

Primera de las películas que engloba la trilogía de las Puertas del infierno rodada por Lucio Fulci y que presenta un conglomerado de tramas en las que prima más el impacto visual que la coherencia narrativa. Un título que logra generar un notable ambiente inquietante gracias a un soniquete musical muy identificativo del cine de terror italiano de principios de la década de los ochenta y que tiene su origen en Zombie (1979) de George A. Romero y al que hay que sumar el particular talento de Fulci a la hora de componer secuencias terroríficas y que en ocasiones toman prestadas esos primerísimos planos marca de la casa de Sergio Leone. Dejen de lado el tratar de entender que es lo que se está contando la película y déjense guiar de la mano de su director por un título trufado de escenas sanguinolentas, angustiosas y en cierto modo oníricas. O lo que es lo mismo, Fulci en estado puro.   

SLUGS, MUERTE VISCOSA

SLUGS, MUERTE VISCOSA – 1988 (90´)

Basada en el libro de Shaun Hutson Las babosas, esta película de Juan Piquer Simón es un título a reivindicar, siendo su alocada trama la base para constituir un entretenido ejercicio dentro del terror animal a pesar de lo hieráticos de unos intérpretes que se dedican a repetir sin demasiado énfasis sus líneas de guion. Pero eso es lo de menos, ya que lo más destacable es una serie de secuencias que muestran los ataques de las voraces protagonistas a cada cual más retorcida y efectista. Desde el ataque al anciano en su invernadero pasando por la muerte del personaje de un Emilio Linder a quien todos recordamos por presentar el programa de televisión De película, hasta esa escena postcoital tan impactante. En resumen, un título que te da lo que promete, muertes muy viscosas.  

VAMPIROS LOS MUERTOS

VAMPIROS, LOS MUERTOS - 2002 (97´)

Fallida secuela de Vampiros de John Carpenter (1998) dirigida por un Tommy Lee Wallace quien ha desarrollado buena parte de su trabajo dentro del género de terror, primero colaborando con el maestro John Carpenter en títulos como La noche de Halloween (1978) o La niebla (1980)  para posteriormente dirigir Halloween III, el día de la bruja (1982), Noche de miedo 2 (1988) o la televisiva It (1990). Con el protagonismo del cantante Bon Jovi en una de sus apariciones en cine  así como de una Natasha Gregson Wagner que parecía haberle cogido el gusto al tema vampírico tras la también fallido Revenat (1998), la película en nada recuerda a esa maravilla estrenada cuatro años por el director de La cosa (1982). Y es que ni siquiera contando con el celebrado trío Kurtzman, Nicotero y Berger la película es capaz de regalarnos unas secuencias para el recuerdo en el terreno de los efectos de maquillaje. Unos vampiros de colmillos poco afilados.

HISTORIAS DE TERROR

HISTORIAS DE TERROR- 1962 (88´)

Durante el ciclo que en la década de los sesenta el prolífico cineasta Roger Corman dedicaría a la obra escrita de Edgard Allan Poe es cuando estrenaría este compendio de tres de estas historias adaptadas muy libremente y guionizadas nada menos que por Richard Matheson, novelista y autor de obras tan conocidas como Soy leyenda (1954) o El hombre menguante (1956). La película es una delicia a todo color que logra una estupenda ambientación marca de la casa y que contaría con la presencia omnipresente de Vincent Price además de la participación de otros grandes nombres dentro de la interpretación como los de Peter Lorre o Basil Rathbone. Haciendo gala de su capacidad de contención de gastos, Corman reutilizaría decorados y filmaría la película en apenas tres semanas, brindando un título que presenta un terror que conjuga el clasicismo de su origen con un estilo visual muy rompedor para su época y que habría que sumar a la citada colección de películas que plasmarían en la pantalla grande el universo de terror gótico orquestado por Poe más de cien años atrás.

SANGRE FRESCA

SANGRE FRESCA- 1992 (108´)

Tal y como hiciera una década antes con el mito del hombre lobo mezclando terror y comedia en Un hombre lobo americano en Londres (1981), John Landis intentaría repetir la jugada esta vez centrándose en la figura del vampiro, en este caso una vampiresa con remordimientos que solo se alimenta de tipos malos. La francesa Anne Parilllaud, protagonista de Nikita (1990), es quien da vida a este sensual  personaje a quien acompañan una cohorte de actores habituados al rol de italoamericanos como Chazz Palminteri, Anthony LaPlagia o Robert Loggia, quien da vida a un desatado jefe de la mafia local que acaba convertido en vampiro. Aunque no llega al nivel de excelencia de la versión que sobre los hombres lobo diera su director, sí que es un recomendable título dentro del género al que representa, demostrándonos además que el sexo entre vampiros y humanos es posible, aunque con un extra de protección.

CAROLINE MUNRO

Esta bella inglesa de brillante cabello moreno, mirada hipnótica y escote vertiginoso comenzaría su carrera, como muchas otras actrices, gracias a su belleza  y su cuerpo, y es que trabajaría como modelo para numerosas publicaciones.

Es de esta forma que sería descubierta, y tras debutar en el cine en varios papeles sin acreditar y alguna que otra intervención sin demasiada relevancia, se daría a conocer gracias a la producción de 1971 El abominable Dr. Phibes. Sería este el comienzo de una fructífera colaboración con la productora Hammer, y sería gracias a estos trabajos que llegaría a codearse con los grandes intérpretes de la desaparecida productora inglesa.

Tras su experiencia en la Hammer, la actriz quiso desencasillarse del rol que la perseguía participando en películas de corte fantástico, como la deliciosa El viaje fantástico de Simbad (1973) y llegando incluso a ser chica Bond en La espía que me amo (1977), aunque ya había aparecido en un papel sin acreditar en Casino Royale (1967), parodia de la saga sobre el espía con licencia para matar.

Con la llegada de la década de los ochenta comienza el declive en la carrera de la intérprete, a pesar de su aparición en una película de culto como es Maniac (1980), siendo la mayoría de sus trabajos durante aquellos años puramente alimenticios y donde en ocasiones sus interpretaciones son meras parodias de papeles anteriores. En su periplo por los diferentes lugares donde trabajo llegaría también a España, donde rueda bajo las órdenes de Jess Franco o Paul Naschy.

De esta manera iría espaciando cada vez más sus apariciones hasta llegar a unos dos mil donde apenas ha trabajado en un puñado de títulos, pudiéndola ver, eso sí, en numerosos trabajos documentales que abordan el terror en el cine desde diferentes perspectivas, lo que da constancia de su impronta en el género que la encumbraría como toda una scream queen de referencia.

Sus títulos más representativos dentro del género de terror son:

El abominable Dr. Phibes (1971): Su primera colaboración con la factoría Hammer y un clásico del cine de terror.

Drácula 73 (1972): Donde comparte cartel con los dos grandes actores de la productora Hammer, Christopher Lee y Peter Cushing.

Capitán Kronos, cazador de vampiros (1974): Interesante cinta que mezcla con habilidad el llamado cine de capa y espada con el terror más clásico.

Sharon´s baby (1975). Un evidente exploit del clásico de Roman Polansky La semilla del diablo (1968) donde compartiría protagonismo con otro asiduo del género como Donald Pleasance.

Maniac (1980): Todo un referente del cine de terror más underground y que ha ganado adeptos con el paso de los años.

Fanático (1982): Un intento de repetir los logros de Maniac, contando nuevamente con Joe Spinell como maniaco homicida y con Caroline Munro como víctima de los desmanes de este.

El día de los inocentes (1986): Dirigida por su segundo marido, George Dugdale, se trata de uno de los tantos slashers ochenteros ambientados en una fecha concreta y con trasfondo estudiantil, en este caso una reunión de antiguos alumnos de instituto.

El aullido del diablo (1987): Dirigida por Paul Naschy, quien monopoliza la historia en detrimento de Munro.

Los depredadores de la noche (1988): Cinta del prolífico Jess Franco, y uno de sus últimas apariciones en la pantalla grande.

Esta apasionada del arte y que en realidad quería dedicarse a la fotografía puede presumir, a pesar de jugar siempre con su presencia física en pantalla, de ser una de las pocas scream queens de relumbrón que no han necesitado desnudares en pantalla para lograr tan ansiado título como reina del grito.

NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS

NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS- 1974 (93´)

El español Jorge Grau dirigiría una de las películas de referencia a la hora de hablar del género zombie. Y no es para menos. A una trama elaborada y cuidada que además posee un trasfondo de crítica social, lejos de meras excusas argumentales cuya única finalidad era la de mostrar el apocalipsis zombie en su máximo esplendor, hay que sumarle unos protagonistas bien definidos y por ello creíbles en su forma de actuar. La cinta se sustenta en la generación de una atmósfera realmente terrorífica, como queda perfectamente reflejado en secuencias como las del ataque en el cementerio, donde podemos disfrutar de unos de los mejores muertos vivientes jamás vistos en pantalla. Pero también tenemos unas acertadas dosis de casquería apoyadas en unos estupendos efectos de maquillaje. Y con un final a la altura, trágico y sin happy end de por medio, que es lo que una película como la presente merece. Un título de obligado visionado si eres aficionado de los zombies en el cine.

ARRÁSTRAME AL INFIERNO

ARRASTRAME AL INFIERNO- 2009 (96´)

Tras la trilogía sobre Spiderman Sam Raimi volvería a ese cine de terror gamberro y gráfico que le diera a conocer gracias a la saga iniciada con la terrorífica Posesión infernal (1981). Y lo haría con un título fresco, ágil, lleno de mala baba, en el sentido más literal de la expresión, y con aires de ese cartoon al que Raimi es tan aficionado como quedaría meridianamente atestiguado con Ola de crímenes, ola de risas (1985). Una película juega en cierta manera con la diatriba entre lo racional y lo espiritual y que vuelve a poner de manifiesto la imaginería visual de su director y guionista con ese manejo de la cámara tan al estilo Raimi para deleite del espectador y desgracia de una Alison Lohman carne de cañón de una maldición de final aciago.

BLACK FRIDAY

BLACK FRIDAY - 2023 (101´)

Eli Roth, al igual que hiciera en su momento Robert Rodríguez con Machete (2010), convierte en largometraje uno de los falsos tráileres aparecidos en esa dupla de películas que era Grindhouse (2007), trasladando además de la idea central varias de las secuencias ya vistas en ese adelanto de dos minutos filmado por el director de Hostel (2005). La película presenta ya desde ese alocado y brutal arranque en la más pura línea de la saga Destino final un trazo de gamberrada salvaje aderezada con un gore desprejuiciado y que nos lleva a presenciar toda una recolección de escenas repletas de sangre, casquería y muertes con las que poder lucirse los departamentos de maquillaje y efectos especiales. Lo peor, un final con asesino misterioso al más puro estilo Scream en su peor vertiente tratándose de justificar por toda la colección de atrocidades que acabamos de presenciar. Un entretenido título que posee toda el alma de las películas enclavadas dentro de ese slasher más salvaje estrenado en la década de los ochenta.  

PERROS RABIOSOS

PERROS RABIOSOS - 1970 (88´)

También conocida como Me bebo tu sangre, se trata de una película protagonizada por un grupo de satanistas claramente inspirados en la Familia Manson, de notable actualidad en aquel momento a raíz del asesinato un año antes de Sharon Tate junto a cuatro personas más en la mansión de la intérprete. La cinta posee un nivel de violencia y grafismo sorprendente para la época, llegando de hecho su montaje a ser notablemente cercenado y censurado en determinadas versiones. Y si bien la figura de Charles Mason inspiraría a unos personajes repugnantes y cometedores de todo tipo de acciones deleznables, lo mismo sucedería con el éxito de La noche de los muertos vivientes (1968), ya que en su acto final la película nos presenta a una suerte de zombies, en realidad infectados de rabia, tratando así de emular esa sensación de indefensión de unas víctimas rodeadas por una horda de seres irrefrenables. Pero también es cierto que la película se adelantaría algunos años a títulos más conocidos y que contendrían ideas vistas ya en este título como La última casa a la izquierda (1972), Escupiré sobre tu tumba (1978), The crazies (1973) o Rabia (1977), resultando ya solo por eso una película interesante a la que acompaña un fondo musical de una estridencia que encaja en la locura en la que acaba convertida la trama. Una pequeña joya del cine underground a descubrir por amantes de las sensaciones fuertes. 

EL ASESINO DE ROSEMARY

EL ASESINO DE ROSEMARY - 1981 (88´)

Uno de los slashers nacidos a rebufo del éxito de Viernes 13 (1980) del que lo primero que cabe resaltar es la mala traducción de un original The prowler (El merodeador) mucho más funcional, y que posiblemente trataba de sacar rédito del título de la película de Roman Polansky Rosemary´s baby (1968). Apreciaciones personales aparte, se trata de un título que, a pesar de algunos pasajes excesivamente alargados, funciona gracias a la manera en la que su director, un Joseph Zito que venía de otro slasher como es Rabia de sangre (1980) y que en 1984 dirigiría Viernes 13, capítulo final,  maneja el suspense en determinados momentos. Pero si hay un nombre propio que ensalza la película por encima de la media ese es el de un Tom Savini en su mejor momento profesional y quien nos brinda unos asesinatos que a nivel gráfico no presentan ningún tipo de reproche, creando de hecho varias secuencias para el recuerdo. Y es gracias al trabajo de Savini que perdonamos incluso la presencia de una pareja protagonista sin empaque y muy floja a nivel de carisma a quienes deseamos por momentos el misterioso asesino, en realidad no tan misterioso, acabe incluyendo entre sus víctimas.    

DOCTOR SUEÑO

DOCTOR SUEÑO - 2019 (152´)

Mike Flanagan, quien ya venía de adaptar a Stephen King en El juego de Gerald (2017), nos brinda una magnífica traslación a la pantalla grande de la novela publicada en 2013 y que sigue la historia del niño, ahora adulto, protagonista de El resplandor, logrando conjugar a la perfección una identidad propia con cierto aura de secuela de la película dirigida por Stanley Kubrick en 1980, título al que brinda su propio espacio en determinados momentos de la cinta centrados principalmente en su acto final. Flanagan no se arruga a la hora de utilizar los resortes del terror tan propios de King en lo que concierne a su impacto en los niños, destacando asimismo la elegancia formal que posee toda la película. Si bien Ewan McGregor, protagonista de la historia, ejecuta un estupendo papel, es esa villana a la que da vida Rebecca Ferguson quien se roba cada uno de los planos en los que aparece, logrando componer un personaje tan enigmático y atractivo como aterrador. Tuvimos que esperar cerca de cuatro décadas para poder disfrutar de la secuela de uno de los títulos claves dentro del género, a pesar de que el propio King reniegue de la adaptación de Kubrick, pero sin ninguna duda mereció la pena tras ver esta película.

2000 MANIACOS

2000 MANIACOS - 1964 (83´)

Una de las piedras angulares del cine gore dirigida por el padre fundacional de este subgénero, un Herschell Gordon Lewis que iría un paso más allá dentro del cine de explotación que había dado lugar al cine nudie, no en vano una de las protagonistas, Connie Mason, había sido conejita Playboy. Si bien la película a nivel técnico y de narrativa es enormemente pobre ha pasado a la historia del cine de terror, generando incluso un remake casi cuarenta años más tarde y bastante más entretenido que la película que nos ocupa, por su nivel de violencia y sadismo, presentando un puñado de escenas que muestran esta de una manera enormemente gráfica e imaginativa, siendo estos dos de los elementos que caracterizarían desde ese momento al denominado gore. Un título que a pesar de todas sus carencias a nivel cinematográfico se deja ver, resultando en una curiosidad a la que merece la pena acercarse por ser punta de lanza de toda una manera de entender el género de terror basado en la explicitud de determinadas secuencias más allá de la generación de ambientes opresivos o de sensaciones amparadas en el suspense. Eso lo dejamos para otro tipo de películas.

LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES

LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES - 1990 (88´)

El mago de los efectos especiales y maquillaje Tom Savini ofrecería en su único largometraje como director un remake que, no solo está a la altura de la película de George A. Romero, sino que la supera, mejorando los puntos débiles de la cinta de 1968 y manteniendo intactas a la vez todas sus virtudes. Savini se enfrentaría a un rodaje complicado por las exigencias de mostrar en pantalla menos gore del inicialmente previsto, pero estas presiones desde la productora no harían mella en una película clave dentro del género de zombies y sin embargo no lo suficientemente reconocida. Cuenta con la presencia además de varios habituales dentro del género como Tony Todd, protagonista de Candyman (1992), Tom Towles, visto en Henry, retrato de un asesino (1986) o Bill Moseley, conocido entre otras películas por La casa de los 1000 cadáveres (2003), quienes junto a una Patricia Tallman que daría vida a una Bárbara mucho más dinámica y valiente que la interpretada por Judith O´Dea  dos décadas atrás, conforman un interesante y complejo grupo de protagonistas. Grandes maquillajes, no podía ser de otra manera con Savini detrás del proyecto, y con una crítica social perfectamente refrendada en su acto final, esta puesta al día de uno de los títulos señeros dentro del género zombie es una película clave para todo aficionado a estos seres de ultratumba con predilección por el canibalismo.

EL HIJO

EL HIJO - 2019 (90´)

Una muy interesante perversión de la historia de Superman que se inicia a campo abierto en un lugar que nos retrotrae indefectiblemente a Smalville para irse tornando en un cuento de terror donde la oscuridad lo llena todo. La película está auspiciada por un James Gunn que a nadie se le escapa es un gran amante de los superhéroes, y quien igualmente hace gala de un perverso sentido del humor para retorcer todo lo bueno que representa el Hombre de Acero, dando completamente la vuelta a esa personalidad bondadosa y heroica por todos conocida. Así, la historia maneja con enorme talento el suspense en una batería de escenas donde los destellos de violencia gráfica rematan los momentos más terroríficos de una cinta que desarrolla de manera estupenda una idea inicial enormemente interesante y que además plantea en los padres de la criatura la diatriba de escoger una opción toda vez son conscientes de que su hijo es un monstruo con capacidad para hacer mucho daño. Es el problema de encontrarse con un ser de poderes casi ilimitados que ha optado por el camino equivocado.

EL ASESINO DE LA CAJA DE HERRAMIENTAS

EL ASESINO DE LA CAJA DE HERRAMIENTAS - 1978 (93´)

Una película que trataba de sacar rédito económico del éxito en las taquillas de La matanza de Texas (1974) pero que cometería varios errores en el proceso. De una parte apuntaba a una explotación de la violencia y el sexo en pantalla que poco tenía que ver con la película dirigida por Tobe Hooper, más cerca de la sugestión que de la violencia gráfica y explícita, aunque es cierto que en ese sentido tampoco se arrugaba. Así, el título que nos ocupa sí que se adelantaría en un par de años a una Viernes 13 (1980) con la que si compartiría más elementos en común. Pero el principal lastre de la película es ver cómo, tras una primera media hora tan brutal que llevaría a la película a ser incluida en el listado de Video Nasties manejada por Reino Unido en la década de los ochenta y que llevaba aparejada la persecución y prohibición de estos títulos, llegamos a una película con hechuras de telefilm donde no sucede absolutamente nada hasta llegar a un final absolutamente ridículo donde solo merece la pena una secuencia de cierre que muestra a la protagonista paseándose pérdida y cubierta de sangre mientras una voz en off imita ese mismo recurso en la apertura de la anteriormente citada La matanza de Texas. Y con un sucedáneo de remake que ciertamente tiene poco que ver con la historia original, estrenado en 2004 y dirigido curiosamente por Tobe Hooper.

LA MALDICIÓN DE CHUCKY

LA MALDICIÓN DE CHUCKY - 2013 (96´)

Tras las más paródicas La novia de Chucky (1998) y especialmente La semilla de Chucky (2004), la franquicia de Muñeco diabólico volvía a la senda del terror de la mano de dos de sus principales artífices, David Kirschner y Don Mancini, siendo este último quien dirigiría las tres últimas películas de la saga. La película, en su afán por recuperar un tono más oscuro y a un Chucky más terrorífico, logra componer un competente ejercicio dentro del género donde cabría destacar lo acertadamente que se manejan las limitaciones de producción de la película, ofreciendo un trabajo que tanto a nivel narrativo como visual logra superar la traba de abordar su historia en un escenario único y en un espacio de tiempo tremendamente limitado. Y contando con Fiona Dourif, hija de Brad Dourif o lo que es lo mismo la voz de Chucky, como acertado guiño a los fans, quienes tienen a lo largo de la película varios momentos más especialmente pensados para ellos. Un atinado regreso de uno de los tótems del terror ochentero y enmarcado dentro de esa serie B en la que siempre se ha movido la franquicia.

SUSPIRIA

SUSPIRIA - 2018 (152´)

Luca Guadagnino readapta la película de Dario Argento construyendo un título que durante sus dos horas y media resulta tremendamente malsano y poseedor de una atmósfera desasosegante, siendo uno de sus aciertos su desarrollo en el convulso Berlín de 1977, año en que se estrenó la película de Argento. Con un elenco de intérpretes completamente femenino, y es que incluso el personaje del Doctor Klemperer está interpretado por Tilda Swinton, Suspiria presenta varias lecturas más allá de tratarse de una historia de brujas al uso, algo propio dentro de la complejidad con la que su director ha tratado de dotar a la película, la cual concluye con un brutal aquelarre donde la sangre, el cuerpo femenino y la muerte son sus tres pilares fundamentales. Una película extraña e hipnótica, y que se adentra dentro de un tipo de terror que, más allá de escenas con un alto contenido de violencia, que las tiene, trata de inquietar al espectador mediante la creación de un microcosmos tremendamente inquietante, en este caso ubicado en una academia de baile de presencia amenazadora.  

LA SUSTANCIA

LA SUSTANCIA - 2024 (140´)

Tras Revenge (2017), la francesa Coraline Fargeat continua dejando su firma autoral en películas que, aunque no abiertamente de género, si que quedan enclavadas dentro del cine de terror en base a determinados elementos manejados. En este caso nos encontramos ante una revisión actualizada de clásicos como El retrato de Dorian Grey junto a homenajes al cine de David Cronenberg o David Lynch, siendo estos solo unos pocos ejemplos dentro de la cantidad ingente de guiños que posee la película. Es de agradecer la apuesta que la película hace por los efectos prácticos y de maquillaje frente a los más  resolutivos y económicos efectos infográficos, lo que es parte de esa forma tan personal de filmar de su realizadora. Demi Moore, haciendo una especie de ejercicio catártico de su propio momento profesional dentro de la industria junto a Margaret Qualley, interpretan las dos caras de una misma moneda. Un título al que únicamente le sobran unos veinte minutos de metraje para encontrarse dentro de lo más notable dentro de su estilo, difícil por otra parte de determinar, de los últimos años.

LA BABYSITTER

LA BABYSITTER - 2017 (87´)

Una muy divertida cinta de corte juvenil pero que no por ello escatima en sangre y violencia, incluyendo esta dentro de un humor negro que convierte la película en una excelente opción dentro de ese cine para adolescentes que ver con amigos. McG, su director, ya había constatado previamente su valía a la hora de filmar acción, lo que confiere a la película una dinámica muy fresca, mientras que Samara Weaving, antes de protagonizar otra divertida propuesta dentro del cine de terror más gamberro como es Noche de bodas (2019), ejerce de angelical y sexy babysitter que esconde tras esa imagen estereotipada a una auténtica desalmada con una insaciable sed de sangre. Un título que logra equilibrar la balanza entre la comedia negra que es y el cine de terror entre cuyos resortes se mueve, y cuyo éxito a nivel de público daría lugar a una secuela en 2020 igualmente entretenida y con la que el título presente comparte estilo y forma. Un ejercicio que da la vuelta a ese clásico dentro del género de la niñera en apuros.

GHOULIES 2

GHOULIES 2 - 1988 (84´)

Tras una primera entrega donde su participación era muy residual, casi anecdótica, para esta secuela los Ghoulies, unas criaturas nacidas al rebufo del éxito de películas como Gremlins (1984) o Critters (1986), tomarían todo el protagonismo de la mano de Albert Band, patriarca de esta saga familiar ligada a productoras como Empire. Todo un acierto ambientar la historia en una feria donde la casa del terror es el escenario principal, lo que confiere a esta gamberrada de terror el mejor de los escenarios posibles, finalizando con un alocado ataque de las criaturas protagonistas a los visitantes y trabajadores del parque de atracciones. Un simpático diseño de las criaturas unido a un stop motion arcaico pero funcional dan como resultado unas de las más simpáticas cintas protagonizadas por criaturas de este tipo que tanto proliferaron en la década de los ochenta, siendo esta la última vez que veríamos en pantalla al Ghoulie volador, posiblemente por lo costoso y complicado de su animación. Un atracón de cine de terror desvergonzado con alma ochentera.

EL FOSO Y EL PÉNDULO

EL FOSO Y EL PÉNDULO - 1991 (93´)

Stuart Gordon tomaría el relevo de Roger Corman a la hora de adaptar en una misma película varios de los relatos más conocidos de Edgard Allan Poe, poseyendo la película esa esencia malsana propia de una historia protagonizada por uno de los máximos exponentes de la Inquisición española, Torquemada. Es por ello que es una lástima ese final abrupto y algo absurdo en base a como se había desarrollado la película hasta ese momento, la cual destaca por todo ese catálogo de torturas mostradas a lo largo de la cinta. Frente a una desconocida Rona De Ricci, quien representa esa ambigüedad entre sensualidad e inocencia capaz de volver loco al mismísimo Torquemada, El foso y el péndulo presenta a intérpretes como Lance Henriksen, visto en Terminador (1984) o Aliens el regreso (1986) así como a Oliver Reed, quien ya había abordado el género en títulos como Los demonios (1971), Pesadilla diabólica (1976) o Cromosoma 3 (1979). Y como regalo para los fans del terror destacar igualmente la presencia de habituales como Jeffrey Combs (Reanimator) o Tom Towles (La noche de los muertos vivientes).

NOSFERATU, VAMPIRO DE LA NOCHE

NOSFERATU, VAMPIRO DE LA NOCHE - 1979 (100´)

Werner Herzog construye este remake, aunque más acertado sería decir homenaje, al Nosferatu de 1922, uno de los títulos de referencia del cine Expresionista Alemán. La película contiene un componente perturbador presente ya desde esas momias que acompañan a los títulos de crédito iniciales, el  cual se combina con una colección de escenas de un lirismo casi poético. Destacar como, en esta ocasión, la construcción del personaje de Mina, estupenda Isabelle Adjani, se arma convirtiéndola en la gran heroína de la película y en la única capaz de plantar cara a cara a un Conde Drácula al que Klaus Kinski cedería toda su fealdad y atormentada expresividad. Y es una película de Werner Herzog, lo que es sinónimo de rodaje complicado, en esta ocasión gracias a quince mil ratas poco colaborativas a cada nuevo grito de acción. 

EL ÚLTIMO HOMBRE SOBRE LA TIERRA

EL ÚLTIMO HOMBRE SOBRE LA TIERRA - 1964 (87´)

Primera de las varias adaptaciones al cine basadas en la celebérrima novela de Richard Matheson Soy leyenda, padre putativo además del zombie de Romero. La película cuenta con una excelente primera parte que se limita a narrarnos los quehaceres diarios del solitario protagonista, mientras que el flashback que cuenta el origen de la plaga mortal es igualmente interesante. Así pues, el principal problema de la película estriba en un tercer acto que pierde fuerza en relación a lo visto hasta ese momento y que acaba resultando algo precipitado en su resolución. Destacar finalmente la soberbia interpretación de un Vincent Price en estado puro y que tiene además que lidiar durante buena parte del metraje con el peso de ser el único personaje en escena. Y es que el título ya lo dice todo.