MAXXXINE (MAXXXINE, 2024) 104´

“En este negocio, hasta que no te ven como un monstruo no eres una estrella.”

Maxine Minx, consciente de que su tiempo en el cine para adultos se acaba y deseosa de cumplir su sueño de alcanzar la fama como actriz logra el papel protagonista en la secuela de una exitosa película de terror, todo ello mientras una serie de brutales y sangrientos asesinatos atemorizan a la ciudad de Los Ángeles.

EL CAMINO HASTA MAXXXINE

Esta Maxxxime con triple X supone el fin de fiesta de una trilogía abordada en los últimos dos años por el cineasta Ti West con la que no solo construye un relato de terror que hibrida entre el American Gothic, el slasher, la serie B y el sexplotation basado en la contraposición del puritanismo más virginal con la sexualidad más latente y desprejuiciada, sino que a través de la misma puede homenajear el género, su evolución a lo largo de las décadas y por extensión al cine en su conjunto, siendo esta colección de películas la particular carta de amor de West al séptimo arte, tamizada eso sí por la marca de la casa de un cineasta con predilección por el humor negro, la violencia explícita y las historias truculentas.

De esta manera, si hiciéramos un viaje en estricto orden cronológico, que no de estreno en las carteleras, que realmente es como ha de visionarse la saga para poder disfrutarla tal como la pensó o improvisó su máximo responsable, ya que es un híbrido de ambas corrientes, la primera de las paradas recaería en Pearl, estrenada en 2022 y que de hecho aborda la precuela de X a través de la figura del personaje que da título a la película, indagando en sus sueños, anhelos y metas así como en su necesidad vital de triunfar en el mundo del baile como válvula de escape de una vida que la aprisiona y la asfixia, siendo testigos igualmente de cómo estos deseos son lastrados por la presencia de un padre dependiente y una madre controladora hasta el exceso, generándose con todos estos elementos un caldo de cultivo perfecto para devenir en el nacimiento de una sociópata de manual a la que sin embargo acabas, en parte al menos, comprendiendo y disculpando, siendo este un personaje que a pesar de lo deleznable de sus actos acaba generando cierta empatía por parte del espectador, todo ello gracias a la construcción de un personaje maravillosamente escrito e interpretado. La película se estructura visualmente como si de un título filmado en esos años cincuenta de apogeo del Technicolor se tratara, y eso que de inicio su director quiso filmarla en blanco y negro homenajeando de esa manera el cine clásico de Hollywood, idea que fue desechada de pleno por la productora de la película, A24, por considerarlo un suicidio comercial. De esta forma West hizo de un problema una oportunidad apostando desde ese momento por unas tonalidades que nos trasladan indefectiblemente a décadas cinematográficas pasadas donde el nacimiento del color llevaría a utilizar esta nueva técnica como herramienta principal a la hora de filmar muchas de las películas de aquellos años, potenciándose y contraponiéndose el colorido de unas imágenes que nos acercan estéticamente a cualquier otro género diferente al del terror y con el musical como referente principal, con la sórdida historia narrada, así como una puesta en escena que homenajea a su particular manera el cine del Hollywood clásico no solo mediante una historia que evoca ese mantra tan cinematográfico de los sueños por cumplir de la protagonista, idea que acaba retorciendo en forma de violento tercer acto, sino a través de varios guiños como por ejemplo pudiera ser la figura del proyeccionista al que da vida David Corenswet, no dejando de lado ese momento en el que este personaje muestra a Pearl una película de corte pornográfico, convirtiéndose de esta forma el sexo en general y el cine X en particular en uno de los grandes temas a abordar dentro de la trilogía. Así, a lo largo de la película podemos encontrar ecos velados de clásicos como Psicosis, Carrie o El resplandor entre otros, aunque cabe recordar que la colección de homenajes y guiños van más allá del cine de terror. Poco antes se había estrenado X, primera piedra de la trilogía y que en su caso se configuraba de manera más evidente como un slasher al uso que no solo se ambientaba en los años setenta, sino que copiaba las fórmulas del cine de terror de aquellos años, mostrándonos a un nuevo personaje, la Maxine protagonista del título que nos ocupa, ejerciendo en cierta forma como contrapeso y relevo de Pearl, y es que aunque este nuevo personaje protagonista pasa de ejercer el rol de verdugo a convertirse en víctima, les unen a ambas jóvenes esa obsesión por alcanzar la fama y el éxito a cualquier precio como único medio de lograr el reconocimiento y de esta forma poder salir de una vida que en el fondo aborrecen, una encerrada en una granja que detesta, la otra tratando de escapar de un trabajo como actriz de cine para adultos que no la satisface. En este caso el homenaje al cine se presenta a través de la trama que aborda la filmación de una película X de corte amateur, lo que permite acercarse a las maneras de un tipo de cine de guerrilla donde los medios son más que escasos pero la pasión por el oficio sigue siendo en parte la misma. Y es que si West en cierta forma se ha decantado dentro de esta carta de amor al cine por el género de serie B y de terror en general y el pornográfico en particular es porque este en sus inicios como género comercial, precisamente en la década de los años setenta, se conformaba como si de cualquier otro subgénero explotation se tratara, en esta caso usando el sexo como reclamo adicional. Y si algo ha dejado patente West a lo largo de los años es que un apasionado del explotation. La película en este caso bebe de ese cine slasher juvenil propio de mediados y finales de los setenta y primeros ochenta donde un grupo de jóvenes son exterminados de manera sistemática por un asesino inmisericorde e implacable, siendo esta idea convenientemente remodelada por un guion que sigue siendo igual de perverso y retorcido que en el caso de Pearl. Así, mientras en el slasher tradicional se potencia la idea de que la final girl sea el personaje virginal y apocado del grupo, aquel que representa en pantalla toda una colección de virtudes que se contraponen a los vicios de unos compañeros promiscuos en el terreno sexual a los que sumar el consumo de drogas, y que por todo ello son convenientemente castigados por el psicokiller de turno como evidente metáfora de la moral judeocristiana, en X el personaje que acaba adquiriendo el protagonismo trabaja en el cine para adultos y consume cocaína, con lo que West nos presenta con el personaje de Maxine Minx a la antítesis de personajes como la Laurie Strode de La noche de Halloween,  la Alice Hardy de Viernes 13 o la Nancy Thompson de Pesadilla en Elm Street. Pero es que además X rompe esa dinámica de slasher  convencional cuándo presenta esa trama que aborda el tema de la vejez y la gerontofobia, lo que le convierte en un estupendo programa doble junto a la película de Paco Plaza La abuela. De esta forma West sigue descolocando al espectador, primero con Pearl, un título que presenta todas las constantes del musical para acabar retorciéndolo hasta un tercer acto sanguinolento, más tarde con X, haciéndonos creer estamos en un slasher al uso que acaba tornándose en otra cosa. Así que únicamente restaba un fin de fiesta en forma de homenaje al cine de los ochenta. Maxxxine es ese homenaje.

NOMBRES PROPIOS DE ESTA X

Cabe recordar llegado este momento que la trilogía que cierra Maxxine se iniciaría casi de manera casual, y es que el rodaje de X en plena pandemia uniría el camino de Ti West y Mia Goth, quienes no tardaron en darse cuenta del enorme potencial que su trabajo conjunto poseía, relación que se fraguó y potenció gracias a un confinamiento que les obligaría a pasar mucho más tiempo juntos del que es habitual dentro de las relaciones entre director y actores, convirtiendo de esta manera Ti West a Mia Goth en su particular musa y sabiendo extraer de ella todo el potencial que posee como la enorme actriz que es, mientras que la intérprete iría volcándose más y más en la saga, pasando de ser una actriz más en X a co guionista y protagonista en Pearl además de participar como productora a partir de la segunda película de la trilogía. Así, esta colección de películas a las que Maxxxine pone punto y final, al menos de momento, se estructura en base a dos nombres propios, la de su guionista y director Ti West así como la de su protagonista principal, una Mia Goth que además, y como ya apuntábamos, tanto en el caso que nos ocupa y como ya hiciera en Pearl se desdobla para ejercer igualmente labores como productora de la película, lo que da una idea clara de su implicación en el proyecto. Pero, ¿quiénes son esta pareja que ha revolucionado el cine de terror gracias a un proyecto tan arriesgado y personal como interesante?

A los aficionados al género la figura de Ti West les empezaría a sonar gracias a la segunda entrega de Cabin Fever, secuela de la película que había dado a conocer dentro del género a Eli Roth, siendo de hecho su opera prima. West destacaría gracias a Cabin fever 2, spring fever por un sentido del ácido humor, una malsana explicitud visual que sin embargo jugaba con el humor negro y esa capacidad de demostrar a través de sus películas que antes de cineasta es fan del género, no escatimándose los guiños y homenajes a pequeños clásicos del terror como pueden ser Terroríficamente muertos, Carrie o El regreso de los muertos vivientes. Sin embargo la experiencia no sería del todo gratificante para su director, ya que discrepancias creativas con los productores de la película le llevarían a abandonar el proyecto durante la fase de post producción, lo que evidenciaba ya desde sus inicios una idea clara. Que Ti West tiene una posición muy particular como cineasta y que no es de los que se deja domar por la industria, lo que le convertiría en el exponente perfecto de cineasta a enclavar dentro del género de serie B, donde la libertad creativa aparejada a las mayores limitaciones presupuestarias le permitirían moverse con una mayor capacidad a la hora de tomar decisiones en algunos casos arriesgadas. Así, ese mismo año estrenaría La casa del diablo, una película que tiene bastante que ver con Maxxxine y las películas que la preceden en tanto se trata de un acercamiento al género volviendo la vista atrás en un ejercicio que trata de mimetizar el tipo de películas filmadas entre finales de los setenta y los primeros ochenta, prestando especial atención no solo en lograr una caracterización de personajes y escenarios que nos lleven a pensar en el momento pretérito en el que tiene lugar la historia narrada, sino igualmente en simular el estilo visual y de filmación de aquellos años, pudiéndose hacer pasar la película por un título efectivamente filmado y estrenado en esos primeros ochenta a pesar de los disruptivo de su tramo final. Una vez más el West fan se fusionaba a la perfección con el West cineasta. Posteriormente y tras colaborar en un par de cintas de terror episódicas como son VHS y El ABC de la muerte, el director se decantaría por la televisión, participando en series como South of hell, Scream, El exorcista o Ellos antes de encarar el proyecto que nos ocupa.

Por su parte Mia Goth es una joven intérprete nacida en Reino Unido que a pesar de no contar con una amplia trayectoria cinematográfica a sus espaldas, habiendo de hecho aparecido en poco más de una decena de títulos, se ha ganado un hueco entre los aficionados al género en base a su aparición en un puñado de películas que se caracterizan por abordar el terror desde su vertiente más psicológica, dejando de lado en no pocas ocasiones su versión más truculenta y morbosa para centrarse en el estudio de los personajes y en generar un clima lo suficientemente enrarecido para generar desasosiego per se en el espectador. La personalísima presencia física de la actriz, caracterizada por un rostro plagado de pecas y sin cejas que le confiere la dualidad de poder ejercer como una frágil muñeca de porcelana a la vez que le permite mutar su rostro en maneras de personaje desquiciado unido a su talento interpretativo la convertirían rápidamente en musa de los fans del terror, algo que la actriz parece no solo aceptar de buen grado sino disfrutar, habida cuenta de que en sus próximos proyectos continua ligada al género, siendo estos títulos por llegar la nueva versión de Blade que prepara Marvel y especialmente esa re visitación que de la historia de Frankestein prepara Guillermo Del Toro y que ejerce como secuela apócrifa de la obra de Mary Shelley. Pero si retrocedemos en el tiempo vemos que la intérprete se daría a conocer en la extravagante y gótica La cura del bienestar para a continuación colaborar con la española El secreto de Marrowbone, donde compartiría cartel con otra de las actrices más relevantes de su generación, Anya Taylor-Joy y donde se volvía a jugar con el terror psicológico como medio para adentrarse en el género. El remake de Suspiria dirigido por Luca Guadagnino sería el título que terminaría por enmarcar su personalísimo rostro y figura dentro del género de terror siendo sin embargo la trilogía iniciada en X la que la ha confirmado como la gran reina del grito del cine de horror actual además de dejar patente que la intérprete no se conforma con ejercer el rol como actriz, sino que apuesta por involucrarse de manera proactiva dentro de los proyectos en los que forma parte, bien colaborando en el guion bien participando como productora. Cabe señalar además que en esta ocasión Mia Goth no apunta en sus papeles formas de scream queen al uso, llegando de hecho a pervertir esa imagen prefijada en el imaginario colectivo gracias a personajes como el de Maxine.

ERASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD EN LOS OCHENTA

Este cierre de la trilogía iniciada con X es ante todo la culminación de Ti West en su particular declaración de amor al cine orquestada con la de momento trilogía reseñada, y que de hecho engarza con las películas anteriores no solo contando con su protagonista principal como pieza de enganche, sino en base a determinados momentos y guiños repetidos como el de la visita que hace Maxine a la estrella de la fama de Theda Bara, la considerada como primera gran vampiresa de la historia del séptimo arte, citada por ejemplo en Pearl e icónico emplazamiento sobre el que la protagonista apaga un cigarrillo con sus botas. El director y guionista no solo enmarca la película en Los Ángeles, en Hollywood, sino que nos lleva a adentrarnos en el interior de sus estudios, sus rodajes y los entresijos que acompañan a la creación de una película. Y si bien es cierto que en esta carta de amor al cine deja de lado las grandes producciones cinematográficas para centrarse en la gestación de una humilde película de terror, que de hecho es lo más honesto en tanto es el terreno donde el cineasta ha desempeñado el grueso de su filmografía, el retrato que se hace de ese mundo es enormemente interesante, siendo de alguna manera el exponente dentro de la serie B de lo que Babylon o Erase una vez en Hollwood son a nivel de superproducciones. Así, la película está plagada de guiños, homenajes y en cierto modo de huevos de pascua ocultos a lo largo de este recorrido junto a Maxine en su empeño por convertirse en estrella, siendo este personaje una especie de remedo de actrices como la Marilyn Burns protagonista de La matanza de Texas o Trampa mortal, pero muy especialmente de Marilyn Chambers, quien pasaría de convertirse de estrella del porno gracias a Detrás de la puerta verde a actriz de cine convencional en películas de terror tan icónicas como Rabia.

De hecho, este retrato de una época tan concreta plagado de luces de neón, música de aquella década y una inconfundible estética ochentera tiene en su concepción de homenaje a aquellos años el aspecto más destacable de la película y el principal motivo que invita a re visionar una y otra vez la misma dada la cantidad de guiños presentes en el metraje e imposibles de percibir en un único acercamiento a la película. Pero siendo como es su director un apasionado de la serie B la película va más allá en tanto no se limita a enseñarnos ese Hollywood por todos conocido y reconocible en base a multitud de películas pretéritas, sino que osa adentrase en su cara más oculta, antipática y desconocida, pero que es parte también de ese mundo de ensueño y anhelo de muchos de los que se acercan a Hollywood para tratar de triunfar en el cine, presentándonos una ciudad de Los Ángeles que visitamos y descubrimos de noche, plagada de locales decadentes, callejones peligrosos, prostitutas ofreciendo sus servicios en calles atestadas, drogas, depravación e historias protagonizadas por perdedores y gente ruin y aprovechada. Y es que hasta la propia heroína de la película es un personaje que dentro de su humanidad, manifestada en momentos como el del asesinato de su mejor amigo, un personaje con el que el director y guionista aprovecha para homenajear esos primeros videoclubs de la época, está dibujado desde la negatividad de sus actos y a quien podemos ver esnifando cocaína de manera compulsiva, desmotivando cruelmente a quienes esperan para entrar en la misma audición de la que acaba de formar parte, no colaborando con la policía cuando esta requiere su ayuda o, siendo este uno de esos momentos icónicos dentro de la película, pasando de ser víctima potencial a convertirse en la verdugo de un asaltante en mitad de un callejón en un guiño, uno más, en este caso al subgénero del rape and revenge, cuyo visceral y repulsivo final es marca de la casa del cine de West.

Y siendo como es un título enclavado en el cine de terror es este el gran homenajeado, repescando para ello como telón de fondo en el cual enmarcar la trama la historia real de El Acosador Nocturno, un serial killer de nombre real Richard Ramírez responsable de más de una docena de asesinatos entre los años 1984 y 1985, logrando de esta forma crear un clima de inseguridad y terror en la ciudad de Los Ángeles que queda perfectamente retratado en Maxxxine. Un psicópata que entraría de esta forma en el particular y terrorífico Olimpo de los asesinos en serie más mediáticos de la historia junto a nombres como los de Albert Desalvo, Ed Gein, Jeffey Dahmer, David Berkowitz, John Wayne Gacy, Ted Bundy o Andrei Chikatilo, quienes no solo inspirarían numerosos biopics cinematográficos o series para televisión sobre sus vidas, sino que a su vez servirían de inspiración para películas ficcionadas tan icónicas como Harry el sucio, Maniac, Henry, retrato de un asesino o El silencio de los corderos.

La película, en su amalgama de homenajes, guiños y fuentes de inspiración dibuja elementos propios del giallo italiano con películas como El pájaro de las plumas de cristal de Dario Argento como espejo en el que mirarse así como de las primeras películas de un Abel Ferrara que a finales de los setenta y primeros ochenta dirigiría títulos como El asesino del taladro o Ángel de venganza. En este juego de buscar referencias Psicosis es evidente una vez más, pero también tenemos ecos del Chinatown de Roman Polanski con la aparición de un estupendo Kevin Bacon, quien se daría a conocer en Viernes 13 y que es evidente disfruta en pantalla mucho más ejerciendo de villano que de héroe. Vestida para matar, dirigida en 1980 por Brian De Palma es otro de los títulos que nos vienen a la cabeza durante el visionado de Maxxxine, al igual que la ya citada Maniac de William Lusting así como Maniac cop del mismo director. Todos estos ejemplos y muchos más dejan constancia de cómo West ha vehiculado el título que nos ocupa para rendir cuentas con todo el cine que de alguna manera le ha marcado como espectador y le ha llevado a confeccionar su propio estilo e idiosincrasia como cineasta. 

DESTRIPANDO A MAXXXINE

El cierre de esta más que recomendable trilogía que ha logrado jugar con los arquetipos del terror para a su vez personalizarnos al estilo y constantes de su máximo responsable se erige de esta forma como un continuo juego de homenajes y codazos metafóricos sobre un espectador que puede ir descubriendo paulatinamente y visionado a visionado más y más referencias insertadas en cada uno de los fotogramas de la película. A esta idea hay que sumar la presencia de una protagonista en pantalla con tal potencial que no hace falta que le sucedieran los terribles acontecimientos que vive en la película para hacerla interesante, bastaría con que la cámara la siguiera en su día a día en su periplo por convertirse en estrella para llenar como hace cada fotograma en el que Mia Goth aparece en escena. Para ello West sacrifica por el contrario y en cierta forma una historia trillada y que es lo de menos, donde el aparente descubrimiento de ese asesino misterioso no pilla al espectador desprevenido, a lo que hay que sumar un villano pasado de vueltas y excesivo en sus maneras, y donde la resolución junto al letrero de Hollywood en lo que puede interpretarse como una metáfora del infierno que espera a los aspirantes a estrella que se acercan a este paraíso en la tierra en busca de su oportunidad de triunfar, acaba resultando algo precipitado y estereotipado. En este sentido la comparación con Erase una vez en Hollywood no es baladí, ya que ambas películas se parapetan en su trama tras la figura de una figura tan terrorífica y real como fueran Charles Mason en el caso del título de Quentin Tarantino y Richard Ramírez para le película de Ti West, concluyendo ambos títulos en un ejercicio de exceso casi paródico que desvirtuaba todo el aura de tensión y suspense mantenido hasta llegar a este cenit.  Pero es tal el disfrute que uno experimenta durante el viaje hasta este cierre que hace merezca la pena no solo visionar Maxxxine tratando de localizar cada detalle en forma de homenaje manejado por West, sino que invita a revisitar nuevamente la trilogía completa para paladearla con un nuevo regusto en base al conocimiento adquirido toda vez uno ya ha podido finalizar este ejercicio de autocomplacencia por parte de unos Ti West y Mia Goth a los que nadie podría atacar caso de presentarnos en un futuro no muy lejano un nuevo título que convierta este trilogía en tetralogía. Y es que tanto el potencial del personaje al que da vida Goth como el que West deja patente posee daría para tratar de averiguar que ha pasado con esta aspirante a estrella en unos años noventa de ocaso del género. Yo al menos compraría esa entrada.

LEATHERFACE (LEATHERFACE, TEXAS CHAINSAW MASSACRE III, 1990) 84´

“No juguéis con Texas.”

Una pareja atraviesa Texas en coche en su camino hacia Florida. Tras un desagradable altercado en una aislada gasolinera deciden tomar una carretera alternativa tratando de huir lo antes posible del lugar. Pero al caer la noche y de la nada hará acto de presencia en la vía una enorme furgoneta que acosará a los ocupantes del turismo, iniciándose de esta manera una noche de auténtica pesadilla para los dos ocupantes del automóvil.

ENGRASANDO LA MOTOSIERRA

En 1974 se estrenaría La matanza de Texas, una humilde producción de terror que sin embargo se convertiría casi de manera inmediata en título de culto así como en uno de los principales exponentes, sino el más importante, de ese nuevo horror cinematográfico surgido entre finales de los sesenta y primeros setenta que dejaba de lado los monstruos prototípicos del género en su vertiente más clásica para centrarse en un tipo de terror más tangible, próximo y cercano, además de más visceral. Si a esto añadimos un éxito en taquilla que devendría en unos ingresos de más de treinta millones de dólares habiendo costado menos de ciento cincuenta mil, la explotación de esta historia escrita inicialmente por Tobe Hooper y Kim Henkel a través de una serie de secuelas cinematográficas era casi obligada. La primera de estas sin embargo tardaría en llegar más de diez años, siendo estrenada en 1986 y reformulando la propia esencia de la franquicia mediante una obra que mezclaba el terror y esa esencia malsana propia de la cinta de 1974 con ciertos ecos cercanos al humor negro e incluso por momentos paródicos. Dirigida por el propio Tobe Hooper, responsable asimismo de la película primigenia, sería una de las tres películas que el cineasta filmara para la productora Cannon tras firmar un acuerdo de colaboración con esta compañía, siendo los otros dos trabajos del realizador para la mítica empresa de Yoram Globus y Menahem Golan las igualmente interesantes Lifeforce, fuerza vital e Invasores de Marte. Es así como llegamos a unos finales de los ochenta en los que sería New Line Cinema, productora mítica dentro del género en aquellos años gracias a la franquicia Pesadilla en Elm Street, quien se haría con los derechos de la saga aprovechando el momento de crisis económica de una Cannon que finalmente acabaría por desaparecer poco después. La premisa era simple, seguir llenando las arcas de la productora tal y como estaba sucediendo con la serie de películas protagonizadas por Fred Krueguer haciéndose para ello con los servicios de otro de los grandes tótems dentro del cine de terror moderno como era Leatherface. Así, la idea inicial de New Line Cinema era dejar de lado ese aire más mordaz y sardónico presente en la primera secuela para volver sobre los postulados de terror puro presentes en la primera Matanza de Texas, erigida como uno de los ejemplos más representativos e imitados de un subgénero dentro del terror que lidia entre el slasher y el folk horror y que además presenta ese enfrentamiento de una parte metafórico pero por otro lado finalmente físico entre las grandes urbes y las poblaciones de tipo rural, representando de esta forma esa idea de mostrar en pantalla como esa habitual soberbia de las gentes de ciudad sobre los habitantes de pequeñas localidades a los que en no pocos ocasiones únicamente ven como paletos y en las que los primeros siempre son viajeros de paso acaba pagándose caro, en ocasiones incluso con la muerte. Si en Deliverance de John Boorman tenemos el mayor exponente de este subgénero caracterizado por la idea de supervivencia en un ámbito natural desconocido lo mismo que Perros de paja pone el foco en el enfrentamiento entre urbanitas y pueblerinos, ya dentro del terror películas como 2000 maniacos, Las colinas tienen ojos o Kilometro 666, desvío al infierno abordarían esa misma idea, siendo La matanza de Texas uno de los ejemplos más representativos y conocidos dentro de este tipo de películas.

VÍCTIMAS DE LEATHERFACE

La productora encargaría el libreto de la película a David J. Schow, colaborador habitual de la compañía para la cual ejercía tareas revisando guiones, pero que sin embargo nunca se había puesto detrás de la máquina de escribir como guionista titular. Schow se dedicada de hecho a la narrativa, siendo autor de novelas y ensayos versados mayoritariamente, eso sí, en el horror, destacando dentro de su estilo la explicitud gráfica de sus escritos hasta el punto de ser considerado uno de los principales exponentes del splatterpunk, precisamente un movimiento dentro de la ficción de terror caracterizado por una excesiva representación gráfica de la violencia y un horror superlativo. Es por ello que se pensó sería el guionista adecuado para retomar la senda de ese salvajismo más presente en fondo que en forma en la película de 1974, siendo de esta forma este el primer trabajo como guionista de un Schow quien más tarde trabajaría en Critters 4, en series de terror como Masters of horror y Creepshow o creando la historia que finalmente se convertiría en La matanza de Texas, el origen, siendo no obstante su trabajo más destacable en este sentido el guion escrito junto a John Shirley para El cuervo. El escritor finalmente entregaría lo solicitado, una historia plagada de momentos de una violencia explícita y brutal patente a la vez que redefiniría a la familia de matarifes protagonistas toda vez el clan original había sido eliminado en las dos películas anteriores, aumentando además de manera exponencial la presencia de Leatherface en pantalla, pasando de ser un miembro más de los Sawyer, su brazo ejecutor, a convertirse abiertamente ya en villano principal, no siendo baladí en ese sentido que la película se estrenara precisamente con el título de Leatherface. Y es que el personaje era ya entonces icono dentro del cine de terror contemporáneo, estatus que alcanzaría prácticamente desde el momento del estreno de la primera Matanza de Texas. Del guión de David J. Schow cabe destacar como efectivamente ofrece una historia plagada de truculencia y momentos enormemente violentos, aunque no debemos olvidar que la película de 1974 siendo igualmente un título que contiene escenas enormemente potentes en ese sentido, obtiene esa notable capacidad de incomodar durante su visionado apoyándose en la sugestión más que en la explicitud. Otra idea que recoge el libreto de Schow es la manera en que consigue plasmar una esencial malsana por medio de su relato logrando además dibujar, especialmente en el caso de la familia de matarifes, a unos personajes enormemente interesantes a pesar de lo condenable de sus actos. Por el contrario su principal lastre se encuentra en como acaba por mostrar una trama básica, quizás algo plana por momentos y que se limita a copiar abiertamente los principales aciertos de la cinta de 1974 ejemplificados en la larga escena de la cocina, con la protagonista ya hecha prisionera y a merced de la locura de sus captores. Esto hace que la película apenas tenga nada nuevo que contar en relación a la película de 1974, pudiéndose haber reducido su ya ajustado metraje de hora y veinte aún más habida cuenta de cómo algunos momentos dan la sensación de haber sido estirados en minutaje para así tratar de alcanzar una duración estándar. Cabe recordar en este sentido como en la primera secuela Hooper si que arriesgaría para no solo romper el tono de la saga, sino haciendo la historia más grande en relación a una más sencilla en desarrollo primera parte. Reconocer finalmente como Schow ha respectado enormemente el trabajo previo de Hooper y Henkel convirtiendo las dos películas anteriores en canon de la historia y homenajeándolas en secuencias como la del armadillo atropellado, la presencia del abuelo momificado o la propia frase grabada en la motosierra con la que es obsequiado Leatherface, “La sierra es la familia”.  

La película sería dirigía por Jeff Burr, quien sin embargo no fue la primera opción para hacerse cargo de la película, reconociendo de hecho el propio Burr ser el último de los candidatos de la productora, sonando fuertemente la opción de un Peter Jackson post Mal gusto y El delirante mundo de los Feebles como primera elección, lo mismo que un Tom Savini que finalmente se decantaría para debutar como director por el remake de La noche de los muertos vivientes, película que estrenaría precisamente en 1990, año de lanzamiento de Leatherface. Finalmente sería Burr el escogido gracias principalmente a su efectivo trabajo como realizador de títulos de serie B tras su debut en Gritos de Oldfield, una recopilación de historias de terror protagonizada por Vincent Price y especialmente tras el estreno de la secuela de El padrastro, lo que le convertiría en una opción más que fiable y solvente para hacerse cargo de una nueva secuela que contaría con un ajustado presupuesto y limitaciones en cuánto a tiempos de rodaje. El director cumpliría con lo exigido, logrando entregar una película que logra captar todo ese aire malsano y enfermizo tan necesario para hacer funcionar la trama, siendo destacable como logra hacer que tanto el aire irrespirable de Texas así como la suciedad, la ruina y el polvo presentes tanto en la carretera donde se inicia la película así como en la gasolinera regentada por uno de los miembros de la familia de caníbales traspasa la pantalla logrando introducir al espectador en una muy lograda ambientación, idea reforzada toda vez conocemos la casa de los Sawyer, nuevamente dotada de una imaginería visual tremendamente potente y que convierte este lugar en un parque temático del horror. Sin embargo la experiencia de Burr en relación al rodaje de Leatherface y a la propia película no sería en absoluto un camino de rosas. De esta forma, la presión por presentar la película a tiempo, no aumentar sus costes y lidiar con la calificación por edades serían elementos suficientes para romper la cohesión entre el director y los productores y responsables de New Line Cinema, quienes en el fondo nunca creyeron en Burr como director de la película y que optaron por contar con este únicamente como último recurso y acuciados ya por los plazos impuestos de cara a poder estrenar en tiempo. Uno de los principales puntos de tensión vendría por las disputas entre  director, productores y MPAA, la asociación encargada entre otras cosas de la calificación por edades de las películas y que obligaría a aligerar la carga de violencia de la película en reiteradas ocasiones para así evitar una temida calificación X que limitaría mortalmente el estreno en cines de la película, y así mientras que New Line Cinema cedería a las exigencias de la MPAA en aras de no frenar la carrera comercial de la película para Burr estos recortes amputarían parcialmente la propia esencia de la película. A todo esto hay que sumar que además la productora modificaría el montaje final estrenado en cines llegando inclusive a alterar la escena final de la película, lo que deviene en un error en pantalla tan evidente como el de ver como un personaje asesinado escasos minutos antes volvía a la vida en aras de poder participar en una posible secuela. Esto provocaría que Jeff Burr, fallecido en 2023 y que continuaría siendo un efectivo y resolutivo director de secuelas de películas de terror con títulos como Pacto de sangre 2 o La venganza de los muñecos 3 y 5, renegara de este trabajo durante años justificándose en el hecho de sentirse traicionado. Y es que de hecho llegaría a ser despedido durante el rodaje de la película, lo que deja de manifiesto que las diferencias creativas no solo tuvieron lugar en el proceso final de montaje de la misma sino que fueron patentes durante toda la producción, lo que da una idea de la presión a la que se tuvo que enfrentar su principal responsable. Burr volvería a ser contratado gracias a que los tiempos de rodaje ya eran tremendamente ajustados y no se logró dar rápidamente con un nuevo director que se hiciera cargo de una película con el rodaje ya iniciado. Todos estos problemas quedan reflejados en un montaje final presentado donde efectivamente vemos lagunas entre el tono seminal y de terror puro que de inicio quería darse a la historia, la violencia gráfica del guion original y el resultado que finalmente vemos en pantalla. Posteriormente se recuperaría parte del material filmado por Burr y que nos da una idea más aproximada de lo que quería el director para Leatherface, lo que nos lleva a pensar que el director trató de construir su película amparándose en dos premisas básicas. La primera un respeto casi reverencial por el título de 1974 y la segunda, y esta compartida al menos de inicio por los responsables de New Line Cinema, entregar un producto salvaje, brutal, descarnado y violento.  

El otro gran nombre dentro de este Leatherface sería sin embargo triple, contando Leatherface con el trabajo de Howard Berger, Greg Nicotero y Robert Kurtzman dentro del equipo responsable de gestionar los efectos prácticos y de maquillaje de la película. Nicotero, Berger y Kurtzman, quienes se aliarían fundando la empresa K.N.B. son los más conocidos, representantes dentro del cine de finales de los ochenta y década de los noventa en cuento a efectos especiales del cine de terror de aquellos años se refiere, no pudiendo dejar lado sin embargo otros nombres como los de Tom Savini o Rob Bottin, especializándose principalmente en maquillaje protésico, animatrónicos y efectos de tipo práctico, siendo destacados exponentes del gore más explícito. A ellos les debemos las más impactantes secuencias en películas como Planet terror, En la boca del miedo, La casa de cera, House on haunted hill, Hostel, Arrástrame al infierno,  La última casa a la izquierda, El ejército de las tinieblas, Las colinas tienen ojos o Abierto hasta el amanecer por citar solo un pequeño puñado de títulos que han contado con estos auténticos maestros dentro del área de los efectos especiales. Y es que es gracias al trabajo de Nicotero, Kurtzaman y Berger que la película puede plasmar en pantalla con terrorífica explicitud toda esa violencia recogida en el guión de David J. Schow, rescatando secuencias como la muerte partida en dos de la joven que previamente había logrado huir de la familia de asesinos, la escena del tiroteo o la lucha final en el agua entre Leatherface y Benny. Precisamente el buen hacer de KNB sería uno de los principales responsables de que la película tuviera esos enormes problemas con la censura y la asociación MPAA de los que hablábamos hace poco, y es que su capacidad para plasmar y reproducir protésicos de los intérpretes de la película así como crear esos trozos de carne presentes en no pocos momentos de Leatherface, que de hecho se inicia viendo como este personaje construye una nueva máscara hecha de la piel humana de un rostro, harían incomodarse enormemente a los responsables de otorgar la calificación por edades a la película con los resultados ya por todos conocidos.

CONOCIENDO A LOS SAWYER

Uno de los puntales que hicieron en su día de La matanza de Texas un ejercicio de terror tan impactante y potente fue la presentación en sociedad de toda una colección de psicópatas a cada cual más atroz, sórdido y enfermizo, y si bien sería Leatherface quien trascendiera de este grupo erigiéndose finalmente en todo un icono popular, cabe destacar igualmente las figuras de los personajes del autoestopista o del patriarca familiar, una presentación de los prototípicos rednecks cinematográficos llevados al extremo que Hooper seguiría explotando en la primera secuela de la saga con la presentación en sociedad de Chop-Top como nuevo miembro del clan de matarifes tejanos. Así que era vital lograr armar a un nuevo grupo dentro de esta familia de caníbales que lograra transmitir esa misma sensación de locura, excitación ante la violencia y falta total de moral que tan bien habían plasmado Hooper y Henkel en el guion de la primera película, siendo de hecho la construcción de estos personajes parte vital a la hora de hablar del nivel de trascendencia que la cinta alcanzaría en el imaginario colectivo. Y el resultado a la hora de hablar de este casting de auténticas malas bestias no es para nada desdeñable, siendo uno de los puntales más destacados de la película y uno de los motivos que invitan a acercarse a esta secuela.

De esta forma y una vez fuera de juego el patriarca del clan Sawyer visto en las dos primeras entregas, en esta ocasión el liderazgo familiar lo ostentaría una figura femenina, una matriarca anclada a una silla de ruedas y con un dispositivo en la laringe para poder comunicarse, confiriéndose de esta manera un personaje que presentaba en esencia toda esa iconografía tan característica de la franquicia ayudando además a potenciar la creación de una ambiente malsano, siendo este patente no solo a nivel de escenarios sino igualmente de personajes. La veterana actriz Miriam Byrd-Nethery, colaboradora de Jeff Burr en sus primeros trabajos sería la encargada de encarnar a este siniestro personaje. Le acompañaran y ayudarán a llevar a cabo sus terroríficos actos varios vástagos, siendo Alfredo el eslabón más débil de esta cadena familiar y por ello el encargado de las tareas más tediosas y solitarias como es por ejemplo el desembarazarse de los restos de los cuerpos de las víctimas del clan, siendo este un personaje a quien Tom Everett, conocido entre otros papeles por participar en la primera entrega de Superdetective en Hollywood, logra dotar de una enorme presencia en escena, ojo de cristal mediante, y todo ello a pesar de lo desagradable del comportamiento del propio personaje, siendo de hecho el que presenta una desviación sexual más patente. Por otra parte tenemos a Tex, encargado en base a poseer la apariencia física más normalizada y agradable de ejercer las funciones de cebo de cara a captar la atención de posibles y futuribles víctimas del grupo de caníbales, ejerciendo de alguna manera un rol similar al que el personaje de Baby Firefly ejerciera en La casa de los 1000 cadáveres, papel interpretado por Sheri Moon Zombie. A este miembro de la familia Sawyer le prestaría toda su presencia física un por aquel entonces desconocido Viggo Mortensen antes de convertirse en rutilante estrella gracias a títulos como Extraño vínculo de sangre, Promesas del Este, Una historia de violencia, Green book y muy especialmente la trilogía de El señor de los anillos. Mortensen venía precisamente de filmar un año antes la interesante Presidio, un título de terror dirigido por Renny Harlin y convertido en pieza con cierto aire de culto entre el aficionado del género de serie B, película donde por cierto también trabajaría el anteriormente citado Tom Everett. También tendríamos a Tinker, el cerebro de este grupo de matarifes y con una capacidad innata para la mecánica, lo que posibilita, además de sustituir una de sus manos por una artificial, la creación de la icónica motosierra de más de un metro de largo que vemos en pantalla y convertida en fetiche de la película entre otras cosas gracias a una campaña de publicidad que por ejemplo imitaría en su tráiler el momento de la cinta de 1981 Excalibur en la que la mítica espada emerge del  agua de manos de la Dama del lago, siendo en este caso sustituida el acero por la motosierra de Leatherface. Este personaje sería encarnado por Joe Unger, conocido por los fans más avezados por su aparición en Pesadilla en Elm Street en el papel de uno de los ayudantes policiales del personaje de John Saxon, repitiendo posteriormente junto a Jeff Burr en la segunda entrega de Pacto de sangre. No podemos olvidar tampoco la participación de la benjamín del grupo, una niña que sin llegar a citarse explícitamente parece que pudiera tratarse de la hija del mismo Letaherface, siendo este un personaje que permite conjugar dos elementos tan antagónicos de inicio como son la inocencia infantil y la violencia descarnada propia del grupo de caníbales protagonistas. Jennifer Banko, la joven actriz encargada de dar vida a este complicado personaje habida cuenta del material que la intérprete de apenas doce años de edad había de filmar logra crear un personaje tan malsano y repulsivo como el resto de componentes de la familia Sawyer. Una niña que por cierto venía de aparecer en otra de las sagas icónicas de terror de la década de los ochenta, en concreto en la séptima entrega de Viernes 13. Por último y dentro del grupo de  antagonistas de la historia resaltar como no podía ser de otra manera la figura de un Leatherface convertido por méritos propios en alma mater de la franquicia, tratando en esta película de destacar su potencial físico en pantalla como se constata en una primera aparición en la que arranca de cuajo con las manos el maletero del coche de sus víctimas, buscando con ello los responsable de New Line Cinema de crear ya de manera oficial una nueva criatura dentro del terror cinematográfico contemporáneo a la altura de su ya por aquel entonces imperecedero Freddie Krueguer. Sería Jeff Burr quien, tras imposibilitarse la contratación de Gunnar Hansen, el Leatherface original, por lo elevado de su caché, quien recomendaría a un desconocido intérprete curtido en el mundo de la lucha libre profesional. R. A. Mihailoff, quien ya había colaborado con Burr en trabajos anteriores del realizador aportaría al personaje una fisicidad fuera de toda duda habida cuenta de sus casi dos metros de altura y una presencia física imponente. De esta forma y gracias a su papel en Leatherface Mihailoff seguiría ligado al género en títulos como son las secuelas de Hatchet o Krampus.

Enfrente de este grupo de matarifes encontramos a sus víctimas, cuya función principal sería la de tratar de sobrevivir a una cacería plagada de sangre, trampas y gritos de terror no logrando su objetivo en la mayoría de los casos, aunque en este caso y en su último acto la película dé un giro por el cual los cazadores acabaran siendo cazados. Así, la encargada de tratar de replicar el papel que Marilyn Burns inmortalizara en la película de 1974 sería una Kate Hodge que funciona mucho mejor en su rol de scream queen con capacidad para sufrir que cuándo trata de convertirse en una heroína vengativa, momento en el que su interpretación presenta matices casi paródicos. La actriz aparecería posteriormente el Rapid Fire, uno de los pocos trabajos protagonizados por Brandon Lee antes de fallecer trágicamente durante el rodaje de El cuervo así como en la descafeinada secuela de Hidden, lo oculto. Su compañero de viaje es William Butler, quien además de haberse reconvertido en director de películas de terror para la mítica productora dentro del género Full Moon de Charles Band, participaría en títulos como Viernes 13 parte 7, La noche de los muertos vivientes en su versión estrenada en 1990 o en la serie de televisión Las pesadillas de Freddy, esto es, ha compartido cartelera con tres de los monstruos más icónicos del cine de terror moderno. Pero para icónica la presencia en Leatherface de Ken Foree, actor de culto ligado al género del horror a raíz de su participación en ese clásico de 1978 que es Zombi, y a quien veríamos en títulos como Resonator, El dentista, Amanecer de los muertos, Los renegados del diablo, Halloween el origen o Lords of Salem. Foree da vida a otra víctima potencial del clan Sawyer quien sin embargo se erige como héroe de la historia, y aunque su presencia permite dotar de frescura a la película elimina parte del potencial del personaje de la actriz principal en su función como final girl.

Por último no podemos dejar de lado dos nombres propios como son los de una Caroline Williams que protagonizara la segunda entrega de La matanza de Texas y que aquí vemos en un cameo como periodista en lo que se presenta como todo un guiño, uno de los varios que hay a lo largo de la película, a los dos títulos que preceden este Leatherface. Y como coordinador de especialistas la película cuenta con la presencia de un nombre mítico para el aficionado como es Kane Hooder, quien además de trabajar como doble de acción o coordinador de especialistas en más de un centenar de películas se ha ganado el corazoncito de los amantes del terror tras encarnar hasta en cuatro ocasiones a Jason Voorhees en la saga de Viernes 13, lo que le ha permitido convertirse en uno de esos actores habituales dentro del género cuya sola presencia ya constituye todo un homenaje al aficionado, teniendo que destacar de entre todos sus trabajos su participación en la simpática saga Hatchet. Hooder tendría además el honor de poder convertirse en Leatherface no solo en determinadas secuencias en las que su trabajo como especialista así lo requiriera, sino que es quien da vida al icónico matarife en el tráiler de la película, lo que le permitiría apuntarse otra muesca en su particular galería de criaturas del terror a las que ha dado vida.

DEGUSTANDO EL MENÚ

La película finalmente y tras multitud de contratiempos acabaría estrenándose en cines llegado el año 1990, siendo sin embargo un fracaso de taquilla que se saldaría con una recaudación de menos de seis millones de dólares habiendo costado dos. Posteriormente se convertiría en un título de cierto éxito en su periplo en los videoclubs, siendo actualmente considerada como una interesante secuela que bebe de los postulados marcados por la película estrenada en la década de los setenta, siendo su relevancia aún mayor si tenemos en cuenta el fiasco que la cuarta entrega de la franquicia haría con la misma.

De esta manera el trabajo de Burr a la dirección cumple con buena parte de los requerimientos exigidos para este tipo de películas, y aunque obviamente pierde en todas y cada una de las comparaciones que podamos abordar con el título dirigido por Tobe Hooper en 1974, esa batalla estaba pérdida de antemano,  si que funciona como secuela que trata de replicar el alma de esta. Así, ya desde la escena inicial en la que podemos casi respirar el polvo de la carretera que llena los cristales del automóvil en el que viajan los protagonistas, la película traslada muy eficientemente la atmósfera malsana y opresiva necesaria para que un título de estas características funcione, una idea que se potencia en secuencias posteriores como la de la exhumación de los cadáveres en plena autopista y donde la magia del tridente KNB hace acto de presencia a través de la recreación de los cuerpos en descomposición, homenajeando de esta manera la película el momento de la profanación de los cadáveres visto en la cinta estrenada quince años antes. Esa sensación vuelve a hacer acto de presencia durante la escena en la gasolinera, cuya suciedad, degradación y aires de abandono traspasa la pantalla ayudando a convertir ese momento en punto de inflexión a partir del cual comienza ese viaje a los infiernos para los infortunados protagonistas. La película pierde intensidad en lo que a ambientación se refiere durante el tramo que tiene lugar en mitad del bosque, debido principalmente a dos elementos. De una parte la película no se filmó en Texas por motivos presupuestarios, lo que de alguna manera queda patente en unas escenas nocturnas en medio de la maleza que provocan que el espectador desconecte parcialmente de ese halo de calor y sequedad sofocante transmitido durante el primer acto de la película, a lo que hay que sumar que dicha filmación nocturna en exteriores hace perder fuerza a la película, curiosamente la hace menos amenazante y por lo tanto menos aterradora. Llegamos de este modo al tramo de película que tiene lugar en el interior de la casa de los Sawyer, escenario que debiera haberse presentado como epicentro del horror y que sin embargo no termina de funcionar, siendo en este sentido mucho más funcional y tenebrista la citada gasolinera vista en los primeros minutos de película. Así, mientras en la película de Tobe Hooper la utilería utilizada, en algún caso real, si que funcionaba a la hora de transmitir sensaciones negativas en el espectador, en este caso si bien el diseño de producción es solvente en relación a lo esperado, no es capaz de manifestar esa aura de maldad que incluso podemos presentir con más acierto en la morada de los Sawyer presentada en el atinado remake estrenado en 2003 y dirigida por Marcus Nispel.

Sin embargo donde esta secuela sale peor parada es en la historia narrada, que de alguna manera funciona como revisión de lo contado en la película de Tobe Hooper y que revitalizaría el género allá por la primera mitad de los años setenta. En primer lugar porque frente a un grupo de cinco protagonistas ahora únicamente se cuenta con dos, tres si sumamos al grupo a un Ken Foree que sin embargo huye del arquetipo de víctima de este tipo de películas, lo que provoca que la película contenga menos momentos de tensión en el sentido de que hay menos víctimas potenciales sobre los que armar una secuencia de este tipo. La película es consciente de ello introduciendo al personaje de la superviviente del anterior ataque de la familia Sawyer, pero es insuficiente para insuflar no ya de dinamismo a la trama, sino de capacidad de generar momentos de horror, los cuales se presentan en su máximo apogeo durante la escena en la que la protagonista permanece inmovilizada en una silla y con las manos atravesadas por clavos a los apoyabrazos del asiento mientras preparan a su compañero agonizante para servir de comida a sus hambrientos asesinos. Si bien este momento funciona, no llega a acercarse al nivel de ansiedad que generaba la secuencia de la cena en la película de 1974, y es que en esta película sucedería uno de esos fenómenos raramente vistos en cines, que la falta de medios, los errores propios de contar con un puñado de novatos con más ganas que conocimientos y  el uso de unas técnicas de rodaje cercanas por momentos al documental dieran como resultando un título seminal en su género, algo que no puede replicarse y mucho menos de manera consciente.

Aún con todo la película logra resultar en un entretenido y terrorífico ejercicio de serie B mucho más cercano en esencia a ese cine de género tan característico dentro de la década de los ochenta que a las películas que se estrenarían en los años siguientes, las cuales devendrían en una etapa de sequia creativa en cuánto al horror cinematográfico se refiere solo eludida parcialmente mediante el estreno aislado de un puñado de interesantes títulos. Es por ello que aunque estrenada ya en 1990 Leatherface posee en todos y cada uno de sus elementos todo el deje del cine de terror ochentero.    

Por todo ello si son seguidores de Leatherface y su familia si bien esta película puede que no se encuentre dentro de un top donde podríamos situar las dos películas dirigidas por Tobe Hooper así como la revisión estrenada en 2003, tampoco se situaría entre lo peor de una franquicia que ya lleva estrenadas nueve películas y no parece tenga intención de dejarlo ahí, lo que acaba por concluir en un veredicto que invita a su visionado y disfrute. Y es que finalmente todo se resume en una sola idea, elijan bando, comer o ser comidos.

BARBARIAN (BARBARIAN, 2022) 102´

Una joven viaja a Detroit para una entrevista de trabajo alquilando para ello una casa en la que vivir los días que necesita pasar en la ciudad. Sin embargo, al llegar a esta descubre que ya ha sido alquilada por otra persona, y a pesar de las reticencias iniciales de compartir el lugar con un absoluto extraño finalmente decide quedarse.

Una película que a lo largo de sus cerca de cien minutos fluctúa entre una estimable y fresca cinta de terror y un título por momentos anodino y que deja en el espectador una sensación de déjà vu. Así, la película comienza con un primer acto en el que se aborda el encuentro entre los dos personajes que han alquilado una misma casa, un de inicio misterioso hombre y una vulnerable mujer, jugando perfectamente el director con la sensación de inseguridad de ella por compartir espacio con alguien de quien desconoce absolutamente todo. Durante esta primera parte podemos ver un manejo excelente del suspense de la situación, llegando a ser participes como espectadores de las mismas sensaciones de intranquilidad que atenazan a la protagonista convirtiéndose este inicio en un interesante ensayo que nos habla de los miedos de ellas a la hora de enfrentarse a situaciones en las que se hace patente su vulnerabilidad. Inteligentemente y cuándo creemos conocer el tono que va a adoptar la película esta hace un viraje que nos lleva desde un tipo de historia a otra bien diferente para finalizar de esta forma con un corte abrupto que supone el final del acto.

De esta forma pasamos a uno de los momentos más tediosos de este viaje entre el disfrute para el aficionado y cierta sensación de oportunidad desperdiciada, focalizada este en la larga carta de presentación del tercer personaje central en discordia, situación que además de estar estirada en exceso de manera innecesaria, rompe el tono que la película había mantenido hasta ese momento para rozar por momentos la comedia. Es la presencia y forma de actuar de este nuevo personaje quizás el mayor lastre de una propuesta que hasta ese momento se estaba manejando con soltura dentro de los postulados de una trama que va desgranando los elementos que la conforman con cuentagotas, siendo posiblemente la necesidad del director de introducir numerosos giros en la película lo que finalmente acaba lastrando por momentos lo que era una interesante propuesta dentro del género de terror.

La película remonta gracias a un flashback que nuevamente supone un cambio de tono, en este caso inclusive estético, algo necesario para recrear la citada escena ubicándola como si de un momento de cierto aire onírico se tratara, pasando de esta forma de una oscuridad que protagoniza el tono visual de la película a un momento enormemente luminoso,  secuencia que nos sirve además para seguir desgranando lentamente los entresijos de una historia revelada con cuentagotas. Llegado este momento es interesante recalcar la utilización de uno de esos barrios prácticamente abandonados que podemos encontrarnos en la ciudad de Detroit como escenario central, sabiendo sacar todo el partido del mundo a esta especie de pueblo fantasma, y que además da coherencia a determinados momentos y situaciones vividas por los protagonistas que caso de haberse ubicado la película en un barrio residencial tipo hubieran sido más complicadas de hacer creer, aumentándose de esta manera la sensación de vulnerabilidad de los personajes más allá de las paredes de la casona en donde tiene lugar el grueso de la trama. Una casa convertida en un protagonista más y que ejerce como un eficaz elemento terrorífico gracias a ese sótano plagado de recovecos y esquinas tras las cuales se esconde una presencia terrorífica. Y si el tramo que tiene lugar dentro de la casa vuelve a resultar estimulante dentro del género al que representa el acto final ya en el exterior nos deja una sensación de forzada traca final que una vez más rompe en parte el tono más intimista que por momentos tiene la película.

La película está escrita y dirigida por un desconocido Zach Cregger, quien además de reservarse un papel como intérprete logra crear con Barbarian un título en parte diferente, aunque igualmente haya que resaltar no llega a erigirse como la gran obra dentro del cine de terror que algunos se empeñan en otorgarla. Y esto es debido a que la película, deudora tanto a nivel conceptual como visual de títulos pretéritos como El sótano del miedo, El proyecto de la bruja de Blair e incluso nuestra Rec, no es capaz de mantener durante todo su metraje los aciertos presentados, los cuales acaban siendo esperanzadores fogonazos entre una propuesta amena pero que no deja finalmente ese poso de haber resultado un título de refrescante dentro de la parrilla de estrenos de ese año del género de terror.

Georgina Campbell, una actriz a la que hemos podido ver principalmente en televisión, se convierte en la particular final girl de la película, siendo especialmente eficiente en ese tramo inicial en el que se maneja como una mujer indefensa y dubitativa que duda entre la idea de que su compañero de morada sea alguien inofensivo e incluso pueda llegar a atraerle o que se encuentre compartiendo espacio con un tipo siniestro y peligroso. Le acompañan en este descenso a los infiernos nombres como los de Kate Bosworth, la Louis Lane de Superman returns, quien aparece en un papel secundario, así como tres actores enormemente ligados al cine de terror. De una parte Justin Long, cuyo exagerado y en cierto modo forzado personaje es uno de los culpables de bajar puntos a la película y a quien hemos podido ver en la terrorífica Jeepers Creepers, la alocada Arrástrame al infierno  o la extravagante Tusk. Otro de esos nombres propios ligados al género es el del habitualmente secundario Richard Brake, a quien hemos podido ver en Maquina letal, Doom, Hannibal, el origen del mal, El bunker, Perkins 14 o ya siendo dirigido por Rob Zombie en Halloween 2, 31, 3 del infierno o La familia Munster. Finalmente citar la presencia de Bill Skarsgard, quien además ejerce de productor ejecutivo de la película, y que gracias a su papel de Pennywise en It se ha convertido en una figura de culto dentro del género.

Así, y en contra de muchas de las críticas leídas sobre Barbarian, la película de Cregger es un título que acaba siendo víctima de su propia ambición, ya que en lugar de centrarse en aquello que finalmente funciona en la cinta, abre demasiado las expectativas a la hora de abarcar más de lo que finalmente la trama da de sí, lo que unido a las expectativas creadas de inicio por ese aluvión de buenas reseñas acaba dejando a uno con la sensación de oportunidad perdida. Todo ello resulta finalmente en un título que te acaba dando una de cal y otra de arena, y aunque en el cómputo final la estancia en esta casa con misterio acabe convenciendo hay que reconocer que al menos para servidor no estaríamos hablando de una de las películas top dentro del cine terror de 2022. Si consultan la cartelera de estrenos de este género de ese año sabrán de que les hablo.